Gang of Four es una banda inglesa de post-punk formada en 1976 en Leeds. Los miembros originales fueron el cantante Jon King, el guitarrista Andy Gill, el bajista Dave Allen y el baterista Hugo Burnham. Ha habido muchas formaciones diferentes que han incluido, entre otros músicos notables, a Sara Lee, Mark Heaney y Gail Ann Dorsey. Después de una breve pausa en la década de 1980, diferentes formaciones de la banda grabaron dos álbumes de estudio en la década de 1990. Entre 2004 y 2006 se reunió la formación original; en 2008, Allen anunció que él y Burnham abandonaban el grupo, siendo reemplazados por Thomas McNeice y Mark Heaney, respectivamente; Gill estuvo de gira utilizando el nombre del grupo entre 2012 y su muerte en 2020.

La banda tocó una mezcla de punk rock, funk y dub, con un énfasis lírico en los males sociales y políticos de la sociedad. Gang of Four es ampliamente considerada una de las principales bandas de finales de la década de 1970 y principios de la década de 1980 del movimiento post-punk, mientras el tono feroz pero inteligente de sus letras y su rechazo de los eslóganes vacíos influirían en la perspectiva de gran número de grupos post-punk reflexivos. Gang of Four tomó las libertades y posibilidades que presentaba el punk y las llevó a lugares salvajes e inesperados, tanto musical como filosóficamente.

La música de Gang of Four fusionó ritmos funk duros, fragmentos dentados de guitarra metálica y letras que filtraban la teoría marxista a través de las realidades de la vida cotidiana en un sonido que tenía poco parecido con cualquier otro grupo cuando lanzaron su álbum debut, Entertainment!, en 1979, que fue clasificado como el 5º mejor álbum punk de todos los tiempos y en el número 483 en los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de Rolling Stone. En 2004, el álbum fue catalogado por Pitchfork Media como el 8º mejor álbum de la década de 1970 y, en 2020, por Pop Matters como "Mejor álbum post punk de la historia". Sus álbumes de principios de los 80 (Songs of the free y Hard) los encontraron suavizando algunas de sus cualidades más discordantes, y derivando hacia el dance-punk y el disco. David Fricke de Rolling Stone describió a Gang of Four como "probablemente la mejor banda políticamente motivada en el rock & roll".

El guitarrista de Gang of FourAndy Gill y el vocalista Jon King se conocieron cuando eran adolescentes mientras asistían a la Sevenoaks School en el Gran Londres; ambos estaban interesados en los estudios de Arte y tocaban música con amigos, con preminencia del reggae. En 1977, Gill y King eran estudiantes en la Universidad de Leeds, donde una animada escena musical había surgido alrededor de grupos como los Mekons y Delta 5. Ansiosos por formar una nueva banda, reclutaron a su compañero estudiante de LeedsHugo Burnham para tocar la batería, y encontraron al bajista Dave Wolfson, quien después de dos o tres conciertos sería reemplazado por Dave Allen a través de un anuncio que colocaron, describiéndose a sí mismos como una "banda de rápido R&B". Desde el principio, el sonido de la banda era inusual, con Burnham y Allen tocando una variación de grooves de James Brown y Parliament-Funkadelic y Gill cortando patrones de guitarra staccato que incorporaban nubes de ruido y dinámicas descarnadas, mientras que la voz de King trataba de la política de la vida cotidiana, menos preocupado por los eslóganes que por un análisis inteligente pero callejero de cómo los sistemas y la economía afectaban las vidas de casi todo el mundo.

La música de Gang of Four reunió una ecléctica variedad de influencias, que iban desde la Escuela de Frankfurt de crítica social hasta el cada vez más claro consensuado punk transatlántico. Además, su actividad musical fue profundamente influenciada por un viaje a Nueva York, financiado por la universidad, donde vieron a Television y los Ramones actuar en el famoso club CBGB. El estilo de Gill está inspirado en Wilko Johnson y Dr. Feelgood. Jon King está acostumbrado a bailar en el escenario, de acuerdo con un estilo que es difícilmente imitable. Paul Morley describió su música como "una especie de funk demente, increíblemente blanco, pero también muy oscuro, debido al compromiso político y lemas provocativos, lo más cerca posible de lo mejor del blues y Jimi Hendrix". El nombre de Gang of Four fue ideado por Andy Corrigan, miembro de los Mekons, mientras conducía con Gill y King cuando se encontró con una portada de un periódico sobre la "Banda de los Cuatro", la facción del Partido Comunista Chino que fueron citados por su abuso de poder durante la Revolución Cultural.

Había algo en la mente colectiva de Gang of Four, recogido de libros, pintura (especialmente de Manet), películas (notablemente Numero Deux de Jean-Luc Godard), R&B no tan rápido (Parliament-Funkadelic de George Clinton) y política callejera de Leeds (marchas contra el partido neonazi Frente Nacional que terminó con violencia policial; ataques violentos de matones del Frente a pubs frecuentados por personas como la banda y sus amigos Mekons y Delta 5). Lo que estaba en su mente era la noción de que el trabajo asalariado de la vida cotidiana, la propaganda oficial, el sistema de productos básicos, pero también la forma en que comprabas una camisa, cómo hacías el amor, la sensación que tenías mientras veías las noticias nocturnas o te alejabas de ella, no era "natural", sino el producto de una mano invisible. Era una construcción interesada, un proyecto de otra persona, un proyecto de gobernantes. Algunos de los gobernantes estaban muertos, otros estaban vivos, pero todos tenían el poder. "Las actitudes y creencias que las personas toman como naturales", dijo King desde el principio, "han sido heredadas a través de la estructura social en la que se han criado. Un ejemplo es el hombre que cree que las mujeres son, por definición, más adecuadas para trabajar en el hogar que para tomar decisiones. La creencia en lo natural pone todo esto fuera del ámbito del debate, y a menos que tengas una conciencia de tus ideas como manifestaciones políticas, no creerás que puedes cambiarlas".

El single de debut de Gang of Four, Damaged goods, respaldado con (Love like) Anthrax y Armalite rifle, fue grabado en junio de 1978 y lanzado en diciembre de 1978, en el sello Fast Product de Edimburgo. Fue número 1 en las listas indie y el favorito del programa de radio de John Peel. Damaged goods fue votado como uno de los 100 mejores singles de debut de todos los tiempos en la encuesta de Rolling Stone de 2020. En estos 3:34 minutos de agresión frontal, quedan definidos varios de los rasgos más reconocibles del estilo patentado por Gang of Four. Entre ellos, el sonido afilado del rasgueo de Andy Gill con la guitarra y su interacción vocal con King, a quien, para la ocasión, acompaña por medio de un spoken word surgido de un brote cut-up burroughsiano. El otro elemento inconfundible es el bajo de Dave Allen, cirujano del ritmo, esmerado en enhebrar líneas de alta tensión disco con pulsión esquizofrénica.

Siguieron dos sesiones de radio con Peel, que, con sus incendiarias actuaciones en vivo, impulsaron a la banda a la atención internacional y a espectáculos con entradas agotadas en Europa y América del Norte. Después fueron firmados por EMI Records. El primer single del grupo con este sello, At home he's a tourist/It’s her factory, llegó a las listas en 1979. Invitados a aparecer en el programa musical de la BBCTop of the Pops, la banda abandonó el programa cuando la BBC les dijo que cantaran "rubbish" (basura) en lugar de "rubbers" (condones) de las letras originales, ya que la línea original se consideraba demasiado subida de tono. El single fue prohibido por BBC Radio y televisión, y perdió el apoyo de la banda en EMI, que comenzó a apoyar a otra banda, Duran Duran, en su lugar. Las letras de King siempre fueron controvertidas y un single posterior, I love a man in a uniform, fue prohibido por la BBC durante la Guerra de las Malvinas en 1982.

El crítico Stewart Mason denominó a Anthrax no sólo la "canción más notoria" del grupo, sino también "una de las canciones más únicas e interesantes de su tiempo". También es un buen ejemplo de la perspectiva social de Gang of Four: después de una introducción de guitarra de un minuto de duración, droning y riffs retroalimentados de guitarra, la sección rítmica establece un ritmo funky agitado, y la guitarra desaparece por completo. En un canal estéreo, King canta una "canción anti-amor post-punk", comparándose a sí mismo con un escarabajo apoyado en su espalda ("y no hay manera de que me levante") y equiparando el amor con "un caso de ántrax, y eso es algo que no quiero atrapar". Mientras tanto, en el otro canal estéreo (y un poco menos prominente en la mezcla), Gill lee (en la versión original del EP) un relato detallado de los recursos técnicos utilizados en la canción, que en la versión del álbum regrabado es reemplazado por un monólogo inexpresivo sobre la percepción pública del amor y la prevalencia de las canciones de amor en la música pop: "El amor surge con frecuencia como algo para cantar porque la mayoría de los grupos hacen la mayoría de sus canciones sobre enamorarse, o lo felices que son de estar enamorados; y de vez en cuando te preguntas por qué estos grupos cantan sobre ello todo el tiempo". Aunque los dos conjuntos de letras cuentan historias independientes, ocasionalmente se sincronizan para enfatizar.

Entertainment! se benefició de la buena producción del disco, que siendo poco recargada otorgaba mucho espacio a cada instrumento. Brillan por igual tanto la guitarra afilada de Gill, como la sección rítmica, que aporta un cierto regusto funk y reggae pero mezclado con ritmos punk de una forma muy natural, sin parecer una fusión forzada. Destacan temas como Natural’s not in it, Damaged goods (en version regrabada respecto al single de 1978), I found that essence rare o la propia At home he’s a tourist. Está considerado como uno de los mejores discos de punk de la historia, y si bien hay mucha subjetividad en ese tipo de afirmaciones, es innegable que es un disco muy especial y, en retrospectiva, mucho más innovador y original de lo que pueda parecer.

Según el crítico Paul Morley, "The Gang enlazó la feroz precisión del blues de la clase trabajadora de Dr. Feelgood con la intriga vanguardista de Henry Cow. Evitando deliberadamente la obviedad estructural, la belleza melódica y la cursi armónica, la música de los Gang estaba salpicada de agujeros incómodos y esquinas afiladas". En ese momento, la banda fue reconocida por estar haciendo algo muy diferente de otros grupos de guitarras. Ken Tucker, en Rolling Stone, 1980, escribió: "... rara vez los bordes radicales de la música en blanco y negro se acercan a la superposición ... los Gang of Four utilizan su bajo cada parte tan prominente y descarnadamente como las figuras de bajo corto que empujan los versos hablados en el gran éxito de verano ‘definitorio de la cultura’ de Kurtis Blow, The breaks".

Tras romper con EMI, y ya dentro de Warner Bros, publicaron el EP Yellow en 1980, que constaba de cuatro canciones y se trataba de un trabajo transicional, ya que incluía dos temas que posteriormente regrabarían para su siguiente LP, así como dos canciones ya publicadas como caras B de singles anteriores (una de ellas figura aquí bajo una nueva versión).

En 1981, la banda lanzó su segundo LP, Solid gold. Al igual que Entertainment!, el álbum fue intransigente, libre y analítico, y presentaba unas atmósferas más oscuras y una sección rítmica más fluida y constante, sin mostrar el carácter más seco y entrecortado de su predecesor, aunque portador de filigranas art-punk como He’d send in the army, cuya fascinante interpretación en el programa televisivo The Old Grey Whistle Test en abril de 1981, define al dedillo la rotunda expresividad de una banda que en directo es recordada por su agresividad atenazadora. Se trata de un LP que influyó a artistas como Steve Albini de Big Black (entre otros), o a Fugazi. Las letras de King en canciones como Cheeseburger, He'd send in the army y In the ditch expusieron las paradojas de la guerra, el trabajo y el ocio. Solid gold se convirtió en su primer LP en las listas de Estados Unidos, alcanzando el puesto 190 en las listas de álbumes, mientras que la canción What we all want también apareció en la lista de Club Play. Van Gosse, en una reseña de Village Voice dijo: "Gang of Four encarna una nueva categoría en el pop, que ilumina todas las demás, porque el motor de su estética no es una 'visión creativa personal'".

Dave Allen (quien más tarde cofundó Shriekback, King Swamp, Low Pop Suicide y Elastic Purejoy) se fue del grupo en 1981, siendo reemplazado brevemente por Busta "Cherry" Jones, un músico que tocó brevemente con Parliament, George Clinton, Brian Eno y Talking Heads. Después de trabajar con los Gang para completar sus obligaciones de gira por América del Norte, Jones se fue y fue reemplazado por Sara Lee, quien era la bajista de Robert Fripp en los League of Gentlemen. Lee era tan buena cantante como bajista, y ayudó a darle al tercer álbum de estudio de la banda, Songs of the free, un elemento más accesible comercialmente. Aunque la canción del álbum I love a man in a uniform fue la canción más radiofónica de la banda, fue prohibida en Reino Unido poco después de su lanzamiento por la participación de Gran Bretaña en la Guerra de las Islas Malvinas, por la crítica que hacían de la política militar. I love a man in a uniform recibió una extensa difusión en emisoras de radio en clubes y universidades, y sus ritmos slinky incluso llevaron a que se tocara en la radio comercial R&B. Gang of Four realizaron una extensa gira de promoción, y fueron el primer grupo en subir al escenario en el Us Festival de 1982, un evento masivo de música y tecnología financiado por el cofundador de Apple Computers, Steve Wozniak. En la primavera de 1983, Burnham dejó la banda después del lanzamiento de Songs of the free y formó Illustrated Man. Gill y King continuaron con Gang of Four, lanzando Hard en 1983.

Mientras que Songs of the free introdujo a Gang of Four a una audiencia más grande en Estados Unidos, pronto surgieron fricciones dentro del grupo, y Hugo Burnham dejó la banda a principios de 1983. Para su cuarto álbum, Hard de 1983, una caja de ritmos tomó el lugar de Burnham, mientras músicos de sesión aumentaron la alineación de Gang of Four, y Howard Albert y Ron Albert (que habían trabajado previamente con los Bee Gees) produjeron las sesiones. Steve Goulding, que había tocado un tiempo para Graham Parker & The Rumour, tocó la batería en la gira posterior de la banda, que fue documentada en el álbum de 1984 At the Palace, que no fue lanzado en Estados Unidos. Poco después, Gang of Four anunciaron su disolución, y Lee se trasladó a Estados Unidos, donde ha trabajado con varios artistas, incluidos los B-52's. 1986 vio el lanzamiento de The Peel Sessions, una colección de material grabado durante el período de 1979 a 1981 para la radio británica BBC. Melody Maker denominó al álbum "un viaje de nostalgia perfecto y clásico al mundo del cinismo desgarbado".

No permanecieron inactivos mucho tiempo; en 1987, Gill y King comenzaron a hacer música juntos de nuevo, y en 1991 lanzaron un álbum de Gang of Four, Mall, un esfuerzo dance dominado por sintetizadores y con Gail Ann Dorsey, más tarde famosa por su larga asociación con David Bowie, en el bajo. Una variedad de músicos de sesión acompañaron a Gill y King en Shrinkwrapped de 1995, un conjunto más agresivo que Mall; en 1997, una vez más retiraron la bandera de Gang of Four, y King abandonó el negocio de la música durante un tiempo.

En 1998, Rhino Records lanzó 100 flowers bloom, una antología de dos CD que abarcaba toda su carrera y que fue recopilada y anotada con la participación de Andy Gill, Dave Allen y Hugo Burnham.

Teenage Fanclub es una banda escocesa de rock alternativo formada en Bellshill, cerca de Glasgow, en 1989. El grupo fue fundado por Norman Blake (voz, guitarra), Raymond McGinley (voz, guitarra principal) y Gerard Love (voz, bajo), todos los cuales compartieron la voz principal y las tareas de composición hasta la salida de Love en 2018. A partir de 2019, la alineación de la banda está formada por Blake, McGinley, Francis Macdonald (batería, voz), Dave McGowan (bajo, voz) y Euros Childs (teclados, voz). Su sonido rezuma brillantes melodías y refulgentes armonías vocales, en ocasiones crepitantes guitarras y líricas sin pretensiones petulantes, de expresión sentimental y, ocasionalmente, sarcástica.

Inicialmente elogiados por sus himnos sonóricamente densos, impulsados por la guitarra que los anunciaban como estrellas inesperadas de la era del rock alternativo, la percepción de los escoceses Teenage Fanclub se transformó con el tiempo, ganándose finalmente una reputación como artesanos del pop con una marca distintiva de power pop y folk-rock al estilo clasicista de los años 60 y 70. Originalmente centrados en el talento sus tres cantantes y compositores, Blake, Love y McGinley, Teenage Fanclub surgió a finales de los años 80 mezclando riffs de guitarra cenagosos y coros memorablemente enganchados que se inspiraron en bandas icónicas de rock de guitarra como Big Star, Badfinger y The Byrds. Firmados con el histórico sello indie Creation Records en Gran Bretaña, la banda se abrió paso con su debut en 1991 en Geffen, Bandwagonesque, que alcanzó el número 1 en la lista Heatseekers de Billboard, y generó tres Top 20 de éxitos de rock moderno con Star sign, What you do to me y The concept. Con discos posteriores como Grand Prix de 1995 y Songs from Northern Britain de 1997 (con este último alcanzando el número 3 en Reino Unido) evitaron las tendencias más dominantes de la cultura pop como el grunge y el brit-pop en favor de perfeccionar aún más su sonido brillante basado en la guitarra, una elección que solo funcionó para que fueran entrañables para su fiel base de fans de culto. Aunque la banda ha mantenido un perfil más discreto en las décadas siguientes, álbumes posteriores como Man-made de 2005 grabado en Chicago con John McEntire de Tortoise, Shadows de 2010 y Endless arcade de 2021 han mostrado la continua dedicación de Teenage Fanclub a escribir canciones sinceras imbuidas de lirismo atemporal, madurez matizada y armonías vocales cálidas.

En concierto, la banda suele alternar entre sus compositores, dando el mismo tiempo de interpretación a las canciones de cada uno. Aunque a menudo se considera rock alternativo, el grupo ha incorporado una amplia variedad de elementos de varios estilos musicales en sus canciones, y son reverenciados por los fans del power pop por sus repiqueteos de guitarra, guitarras que suenan como los Byrds y armonías vocales.

"Rara vez un grupo pop ha venido equipado con un nombre más perfecto que Teenage Fanclub", opinó el crítico de Los Angeles Times, Steve Hochman, "no tanto porque tenga fans adolescentes, sino porque los miembros del grupo son fans de los adolescentes. Pocas bandas han escrito con tanto afecto por la condición de la adolescencia, especialmente el papel que juega el rock en ella". Los de Glasgow mezclan el enfoque melódico y estilísticamente complejo del pop británico clásico con la ironía del punk y las guitarras distorsionadas. El resultado es a la vez serio y distanciado, azucarado y duro.

Teenage Fanclub ha tenido una sucesión de bateristas, como Francis Macdonald, Brendan O'Hare y Paul Quinn. El teclista Finlay Macdonald también ha sido miembro del grupo. Hasta abril de 2021, la banda ha lanzado once álbumes de estudio y dos álbumes recopilatorios.

Teenage Fanclub surgió de la escena C86 de Glasgow, y se originó en Bellshill a finales de los años 80 tras la reunión de Norman Blake y Raymond McGinlay en Splash 1, un local de Glasgow. En ese momento Norman Blake era vendedor en una tienda de discos y ya era miembro de los BMX Bandits de Duglas T. Stewart, mientras que Raymond McGinlay era un estudiante de ingeniería en la Universidad de Glasgow. La primera alineación se llamó The Boy Hairdressers, que también contaba con Francis Macdonald, y lanzó el single de culto Golden showers (1988) en el sello indie escocés 53rd and 3rd antes, que no logró el éxito esperado. Tras la separación de The Boy Hairdressers, y después de un breve período en el que Blake fue miembro de los BMX Bandits, los tres ex-compañeros de banda se unieron a Gerard Love, un estudiante de planificación urbana en la Universidad de Glasgow, para formar un grupo que en principio se iba a llamar Teenage Fanny, pero que finalmente se denominó Teenage Fanclub.

Originalmente una banda ruidosa y caótica, su primer álbum A catholic education, lanzado en 1990 a través de Paperhouse, es en gran parte atípico de su sonido posterior, con la posible excepción de Everything flows. El álbum se produjo con rapidez para satisfacer un contrato con el sello norteamericano Matador Records. Escrito en su mayoría por Blake y McGinley, el disco incluía varias canciones originalmente destinadas a The Boy Hairdressers. Plagado de turbias guitarras y una actitud punk D.I.Y. descarada, lo que más destacó en el álbum fueron himnos memorablemente enganchados como el favorito de los fans Everything flows, que encajaron muy bien junto a bandas como Jesus and The Mary Chain y sentaron las bases para el sonido futuro de la banda. Después de grabar sus partes de batería, Macdonald dejó la banda para reanudar sus estudios universitarios. Volvieron a grabar varias canciones con el reemplazo de Macdonald (quien más tarde se uniría a los Pastels), Brendan O'Hare, porque no estaban satisfechos con los resultados de las sesiones de grabación originales, y porque querían involucrar a O'Hare en el álbum.

La banda siguió este primer disco álbum con el EP God knows it's true, producido por Don Fleming, antes de ser firmada por Creation Records. The king, su siguiente álbum, fue una colección semi-improvisada grabada en un solo día. El álbum contiene canciones muy diferentes al estilo de los otros discos, y en particular un Robot love digno de los psicodélicos más desempacados. Originalmente destinado a ser un lanzamiento muy limitado, el disco recibió críticas por sus caóticos riffs de guitarra confesos y una versión descarada de Like a virgin de Madonna. Su edición fue cancelada el día que salió, por lo que muy pocas copias sobrevivieron. A menudo se malinterpretó como un intento turbio de cerrar su trato con Matador, cuando en realidad el proyecto era una alegre excursión creativa, y sigue siendo uno de los lanzamientos más intrigantes, aunque no esenciales, de la banda.

Su siguiente álbum, Bandwagonesque, lanzado por Creation Records en Reino Unido y Geffen en Estados Unidos, aportó a Teenage Fanclubéxito comercial. Bandwagonesque fue construido más deliberadamente, con influencias reconocibles de grandes bandas del pasado como Big Star, The Beach Boys y The Byrds, pero también Dinosaur Jr., los ganchos se hicieron más sólidos, los riffs de guitarra estuvieron más bajo control, y la armonía vocal tomó forma, conformando una brillante evocación del radiante power pop de los años 70 de bandas como Big Star y The Raspberries. También marcó la primera vez que la banda adoptó un enfoque totalmente democratizado para las tareas de composición de canciones, con cada uno de los tres miembros de primera línea contribuyendo con canciones. Bandwagonesque pasó 13 semanas en la lista Heatseekers de Billboard, eventualmente alcanzando el número 1, y encabezó la encuesta de fin de año de la revista Spin de 1991 para el Mejor álbum, superando a Nevermind de Nirvana, el álbum Loveless de My Bloody Valentine de Creation y Out of time de R.E.M. También generó varios éxitos Top 20 en la lista Modern Rock Tracks de Billboard, incluyendo Star sign, What you do to me y The concept, el último de los cuales fue presentado en Saturday Night Live. A raíz del éxito del álbum, se unieron a Nirvana en su gira, después de lo cual Kurt Cobain fue citado diciendo que eran la "mejor banda del mundo".

Gene Simmons de Kiss amenazó con demandar a la banda por la portada del disco. Dijo Norman: "Afirmó que era dueño de los derechos de la bolsa de dinero. En realidad fue una imagen prediseñada que Raymond encontró, pero Gene Simmons vino y dijo que era suyo y amenazó con demandarnos. Terminamos dándole una cantidad simbólica de dinero. Estaba tratando de divertirse un poco, ya saben. No lo hemos conocido y no tengo ganas de conocerlo".

Un punto culminante de la carrera de la banda llegó cuando se les dio la oportunidad de trabajar con uno de sus ídolos, el cofundador y compositor de Big Star, Alex Chilton, con quien grabaron un single a beneficio de las víctimas de la guerra en Bosnia-Herzegovina. "Nos llevamos bien con él", comentó Blake en el comunicado de prensa del grupo. "Creo que realmente le gustamos, porque es el tipo de persona que si no le gustaste, no fingiría que lo hizo". Los Fanclub disfrutaron de una colaboración de estilo diferente cuando respaldaron al grupo de rap De La Soul para una canción de la banda sonora de la película Judgment night. "Nunca los habíamos conocido antes", dijo Blake sobre los raperos en una entrevista con Billboard. "Nos conocimos en el estudio; pusimos algunas pistas de batería y pistas de guitarra, y después ellos rapearon".

Apenas unas semanas después de salir de la carretera, la banda regresó al estudio en 1992 para comenzar a trabajar en su continuación, Thirteen de 1993, llamado así por el número de canciones del disco, en lugar de por la canción de Big Star del mismo nombre, como se creía comúnmente en ese momento. La falta de planificación para la producción del disco lo convirtió en un proceso prolongado y a menudo laborioso, exacerbado por un desacuerdo muy reñido con Geffen sobre la portada de los álbumes. Producido a medias con Andy McPherson, Thirteen también reveló un estilo más grunge y letras más oscuras y amargas, y encontró a la banda abrazando un sonido más centrado en las guitarras, provocando comparaciones con Neil Young y Crazy Horse. Si bien no logró tener el mismo impacto en Estados Unidos que su predecesor, Thirteen, sin embargo, alcanzó el número 14 en Gran Bretaña con la fuerza de canciones tan bien consideradas como Hang on, Radio y Norman 3. Citando diferencias creativas, O'Hare dejó la banda después de una gira para el álbum, y se unió brevemente a Mogwai antes de formar su propia banda, Telstar Ponies, con el ex-guitarrista de CreationDavid Keenan. Fue reemplazado por Paul Quinn (anteriormente de los Soup Dragons y de los Boy Hairdressers).

Grand Prix, el quinto álbum de Teenage Fanclub, fue un éxito tanto crítico como comercial en Reino Unido, convirtiéndose en su primer álbum Top Ten (número 6), pero Geffen, sin embargo, eliminó al grupo de su plantilla al año siguiente. En Estados Unidos, sin embargo, la banda no pudo recuperar el terreno que Thirteen les había hecho perder. Grand Prix se benefició de un proceso de composición de canciones más largo, y encontró al grupo abrazando un sonido pop/rock menos despreocupado y más nítidamente atenuado. Las canciones fueron ensayadas durante tres meses antes de entrar en el estudio, donde todo fue afinado durante un período de cinco semanas en el Manor en Oxford con el productor Dave Bianco (anteriormente ingeniero de producción de Black Crowes). El álbum es a menudo citado como uno de sus mejores discos, y varias canciones de Grand Prix se convertirían en algunas de las más queridas de la banda, incluyendo About you, Sparky's dream, Verisimilitude y Neil Jung. La gira estadounidense de promoción reunió a Teenage Fanclub con Radiohead y Oasis. Liam Gallagher, componente de sus compañeros de sello Oasis, llamó a la banda "la segunda mejor banda del mundo", solo superada por Oasis.

Pasando a Sony Records, Teenage Fanclub una vez más recurrieron al productor David Bianco y comenzaron a trabajar en la grabación en el Air Studio de Londres. Titulado después de una referencia descarada a sus raíces escocesas, Songs from Northern Britain de 1997 se basó en el clasicismo folk-rock chispeante de Grand Prix, expandiendo el sonido del grupo con un grupo de instrumentos acústicos, cuerdas y metales. Canciones como I don't want control of you, Take the long way round, Your love is the place I come from y el single británico Top 20Ain't that enough resultaron más personales, reflexionando sobre temas de naturaleza, fidelidad romántica y el paso del tiempo. Se convirtió en su lanzamiento en llegar más alto en las listas en Reino Unido (número 3).

El siguiente álbum, Howdy!, lanzado por Columbia Records en Reino Unido después de la desaparición de Creation, continuó con el sonido de Songs from Northern Britain. Autoproducido en el estudio Astoria de David Gilmour y los estudios Rockfield de Gales, Howdy! vio a la banda abrazar una mezcla aún más ambiciosa de arreglos orquestales e instrumentación variada. El disco incluía un puñado de canciones que llegarían a ser muy bien consideradas, como Dumb dumb dumb, My uptight life y I need direction. También fue el primer álbum grabado con el teclista Finlay MacDonald (sin relación con Francis), y el último con el baterista Quinn, quien dejó la banda hacia el final de la grabación y pasó a encabezar su propio proyecto, The Primary 5. Quinn fue reemplazado por el baterista original Francis Macdonald. Aunque bien recibido por la crítica, el álbum sufrió cuando Creation fue reestructurado como parte de una incorporación a Sony, retrasando el lanzamiento del disco durante más de un año. Finalmente fue publicado en el sello independiente Thirsty Ear en 2001.

La banda se mantuvo ocupada durante los siguientes años, tocando en vivo y colaborando con el artista de spoken word Jad Fair (de Half Japanese) en el álbum Words of wisdom and hope. Su lanzamiento final en un sello de Sony, Four thousand seven hundred and sixty-six seconds – A short cut to Teenage Fanclub, recopiló las mejores canciones del grupo junto con tres nuevas canciones (una de cada miembro): The world will be okay de McGinley, Empty space de Love y Did I say de Blake. En 2004 se publicó un disco homenaje titulado What a concept!: A tribute to Teenage Fanclub (2004), con artistas como Redd Kross, The Mockers o Gigolo Aunts haciendo versiones de sus temas.

Tomó tres años más para que Teenage Fanclub comenzara a trabajar en su próximo álbum, eventualmente viajando a Chicago para grabar con el icono del post-rock John McEntire en su estudio de grabación Soma. Lanzado por Merge Records (así como en el propio sello de la banda PeMa), Man-made de 2005 marcó un regreso al formato anterior de Teenage Fanclub como cuarteto. Caracterizado por discretas florituras de teclado, piano y viola, el álbum contó con el single Fallen leaves.

En 2006, la banda celebró dos conciertos especiales (en Londres y Glasgow) tocando su álbum de 1991 Bandwagonesque en su totalidad.

La banda comenzó a trabajar en su noveno álbum en agosto de 2008, reservando inicialmente tres semanas en el estudio de grabación Leeders Farm en Norfolk. El álbum se llamó Shadows, el primero en involucrar al teclista y guitarrista Dave McGowan como miembro a tiempo completo, y fue lanzado en el propio sello PeMa de la banda, incluyendo el favorito de los fans de la época más reciente Baby Lee. Estuvo disponible en Europa, Australasia y Japón en mayo de 2010, y fue lanzado por Merge Records en América del Norte en junio de 2010.

Alrededor de 2010, Blake se trasladó a Toronto, Canadá, y aunque Teenage Fanclub se reunieron para varios shows en vivo, pasarían varios años antes de que comenzaran a trabajar en otro álbum. En mayo de 2015, Teenage Fanclub actuó apoyando a los Foo Fighters en su concierto en Old Trafford Cricket Ground.

En 2016, finalmente regresaron con su décimo álbum de estudio, Here. Producido por la banda en Francia y en la casa de McGinley en Glasgow, Here mostró un sonido más meditativo y folk. También los volvió a situar en el número 1 de la lista Heatseekers de Billboard por segunda vez, 25 años después de lograr el mismo lugar con Bandwagonesque. La historia de los primeros días de Teenage Fanclub aparece en el documental de 2017 Teenage Superstars.

En 2017 su canción Sparky’s dream se incluyó en 90s XL (2017), caja de 4 CDs editada por Sony con sonidos de grupos como Oasis, Manic Street Preachers, Kula Shaker, o Inspiral Carpets. El mismo tema, Sparky’s dream, se incluyó en Indie anthems (2017), un vinilo de Demon Records con canciones de grupos como Suede, Radiohead, o The Stone Roses. En 2018 se incluyó What you do to me en Anthems (2018), doble vinilo con canciones de Oasis, Kula Shaker, Manic Street Preachers, o Lightning Seeds.

En agosto de 2018, la banda publicó nuevas versiones de sus cinco álbumes de la era de Creation Records que habían sido remasterizados en los estudios Abbey Road. Para celebrar las reediciones, la banda también anunció Songs from Teenage Fanclub: The Creation Records years, una gira por Reino Unido de cuatro ciudades durante finales de octubre a mediados de noviembre en la que tocarían tres noches en cada una de las ciudades de Glasgow, Manchester, Birmingham y Londres, con el setlist de cada noche cubriendo diferentes períodos de la discografía de la era de Creation, y con los ex-bateristas Brendan O'Hare y Paul Quinn participando, en el que ambos bateristas interpretarían respectivamente los álbumes y caras B que habían grabado originalmente. Estos conciertos serían los últimos de Gerard Love con el grupo, ya que se separó de la banda debido a diferencias de opinión sobre sus futuros planes de gira, que más tarde se reveló que era una renuencia a volar con frecuencia alrededor del mundo para actuaciones en vivo.

Después de la partida de Love, Euros Childs se unió a la banda en teclados y voces, con Dave McGowan cambiando al bajo y la voz. Un nuevo álbum con esta formación, titulado Endless arcade, fue grabado a principios y finales de 2019. Originalmente estaba planeado para su lanzamiento en octubre de 2020 para coincidir con una gira por Reino Unido y Europa en noviembre y diciembre siguientes. Sin embargo, la gira fue reprogramada para abril y mayo de 2021 debido a la pandemia de COVID-19, y la fecha de lanzamiento del álbum finalmente se establecería para marzo de 2021. La fecha de lanzamiento del álbum y la gira terminarían siendo reprogramadas una vez más, con Endless arcade saliendo al mercado en abril de 2021 y las fechas de la gira pospuestas a septiembre de 2021 y abril y mayo de 2022.

Norman Blake formó el dúo JonnyconEuros Childs. En 2012, Blake también formó un supergrupo con sede en Canadá con Joe Pernice y Mike Belitsky llamado The New Mendicants. Raymond McGinley se unió al grupo de folk de Dave McGowan, Snowgoose, cuyo álbum de debut Harmony springs fue lanzado en 2012. Después de tocar el bajo en el álbum de debut homónimo de Jonny de 2011, Dave McGowan se convirtió en el bajista de gira de Belle and Sebastian en 2011, y apareció en su álbum de 2015 Girls in peacetime want to dance. En noviembre de 2018, se convirtió en miembro oficial de la banda.

Gerard Love lanzó su propio álbum en solitario Electric cables en 2012 usando el alias Lightships. El álbum también contó con contribuciones instrumentales de Dave McGowan y el ex-baterista de Teenage Fanclub, Brendan O'Hare. Francis Macdonald lanzó un álbum de música clásica minimalista, Music for string quartet, piano & celeste, en 2015. Macdonald tocaba el piano y la celeste, con cuerdas de miembros del Scottish Ensemble.

Su sonido recuerda a bandas californianas como los Beach Boys y los Byrds, y sus homólogos de los 70 Big Star. Teenage Fanclub están influenciados por Big Star y Orange Juice. Realizaron una versión de Rip it up de Orange Juice con Edwyn Collins. En diciembre de 2010, en el festival de música ATP Bowlie 2, actuaron como banda de apoyo de Edwyn Collins.

Teenage Fanclub fueron regularmente mencionados en entrevistas por Kurt Cobain, quien los describió como "la mejor banda del mundo". Juliana Hatfield versionó la canción Cells en su álbum homónimo de 2012.

Fuentes: https://en.wikipedia.org, https://www.allmusic.com, https://www.alohacriticon.com, https://kripkit.com, https://www.oldies.com, https://www.encyclopedia.com, https://www.scaruffi.com, https://www.nme.com, https://musicianguide.com, https://es.wikipedia.org, http://www.musicpopstars.com, https://www.rollingstone.com, https://www.firerecords.com, https://www.lahiguera.net, https://www.rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

THE BOY HAIRDRESSERS (proyecto alternativo de Norman Blake)

Golden shower (Golden shower EP)

NORMAN BLAKE

Yes, we can, Raindrops, Powerful love, I have a plan (How many Glasgow -con Jad Fair y Tenniscoats)

Undeletable, Thank you, Add your name, Our motto (Yes -con Jad Fair)

JONNY (proyecto alternativo de Norman Blake y Euros Childs)

Gloria, Continental (Free EP)

Wich is wich, Candyfloss, Waiting around for you, You was me, Circling the sun, Cave dance (Jonny)

Dizzy milk for Eric (Dizzy milk for Eric EP)

THE NEW MENDICANTS (proyecto alternativo de Norman Blake)

This time (Australia 2013 EP)

Sarasota, A very sorry Christmas, Cruel Annette, Shouting match, If you only knew her, High on the skyline, By the time it gets dark (Into the lime)

SNOWGOOSE (proyecto alternativo de Raymond McGinley)

Crawl out your window, Harmony springs, Shifting sands, Fox on the tracks, Sycamore, The apple sun, Hazy lane (Harmony springs)

Everything, Who will you choose, Hope, Counting time, Leonard, The optimist, Gave up without a sound (The making of you)

LIGHTSHIPS (proyecto alternativo de Gerard Love)

Two lines, Muddy Rivers, Sweetness in her spark, Every blossom, Silver and gold, Sunlight to the dawn (Electric cables)

Fear and doubt (Fear and doubt EP)

Vídeos:

Everything flows y Everybody's fool, de su primer álbum A catholic education:

Everything flows - Teenage Fanclub


Everybody's fool - Teenage Fanclub


The concept, Star sign y What you do to me, del álbum Bandwagonesque:

The concept - Teenage Fanclub


Star sign - Teenage Fanclub


What you do to me - Teenage Fanclub


Hang on, Norman 3, Radio y Gene Clark, del álbum Thirteen:

Hang on - Teenage Fanclub


Norman 3 - Teenage Fanclub


Radio - Teenage Fanclub


Gene Clark - Teenage Fanclub


Mellow doubt, Sparky's dream y Neil Jung, del álbum Grand Prix:

Mellow doubt - Teenage Fanclub


Sparky's dream - Teenage Fanclub


Neil Jung - Teenage Fanclub


Ain't that enough, I don't want control of you y Start again, del álbum Songs from Northern Britain:

Ain't that enough - Teenage Fanclub


I don't want control of you - Teenage Fanclub


Start again - Teenage Fanclub


I need direction y Dumb dumb dumb, del álbum Howdy!:

I need direction - Teenage Fanclub


Dumb dumb dumb - Teenage Fanclub


It's all in my mind y Fallen leaves, del álbum Man-made:

It's all in my mind - Teenage Fanclub


Fallen leaves - Teenage Fanclub


Baby Lee, del álbum Shadows:

Baby Lee - Teenage Fanclub


I'm in love, del álbum Here:

I'm in love - Teenage Fanclub


I'm more inclined, Home y The sun won't shine on me, del álbum Endless arcade:

I'm more inclined - Teenage Fanclub


Home - Teenage Fanclub


The sun won't shine on me - Teenage Fanclub


De Jonny, proyecto alternativo de Norman Blake y Euros Childs, Candyfloss de su álbum Jonny:

Candyfloss - Jonny


De The New Mendicants, proyecto alternativo de Norman Blake, Shouting match de su álbum Into the lime:

Shouting match - The New Mendicants


De Snowgoose, proyecto alternativo de Raymond McGinley, Hope de su álbum The making of you:

Hope - Snowgoose


De Lightships, proyecto alternativo de Gerard Love, Switness in her spark de su álbum Electric cables:

Switness in her spark - Lightships

Cheap Trick es una banda de rock estadounidense, formada en Rockford, Illinois, en 1974, que ganó popularidad a finales de la década de los años 70. El grupo está integrado por Rick Nielsen (guitarra solista, coros y principal compositor), Robin Zander (voz principal y guitarra rítmica), Tom Petersson (bajista) y el músico de estudio Daxx Nielsen (batería), quien reemplazó al miembro fundador Bun E. Carlos. A pesar de que se formó antes de la aparición del punk, y su estilo se acercaba al rock purista, la llegada del éxito en 1979 les asoció con la entonces denominada new wave —e incluso con el AOR— y más tarde con el power pop. Ellos mismos se etiquetan en tono jocoso como "psychorock".

Cheap Trick logró el éxito en Japón antes que en su propio país, llenando el estadio Budokan y grabando un disco en vivo que registró altísimas ventas y les atrajo el reconocimiento en Estados Unidos. Entre las canciones más célebres del grupo destacan I want you to want me, Dream Police, The flame, el cuasi himno generacional de los adolescentes WASP de los suburbios de clase media Surrender, una exploración pop de los problemas típicos de los jóvenes, y Ain't that a shame. El grupo ha vendido más de 20 millones de álbumes durante su carrera y ha experimentado varios resurgimientos de popularidad. Cheap Trick fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2016.

Es difícil encasillar a esta banda de Illinois dentro de un género concreto musical. Su sonido está originalmente basado en los grupos británicos de la década de los 60, en especial The Beatles, The Kinks, Rolling Stones, Move, Cream, Yardbirds y The Who, o de los 70 como los Raspberries, el glam rock o Led Zeppelin, aunque con un empleo más potente de las guitarras, para desarrollar desde un agradecido humor caústico un estilo que viaja desde el power-pop más melódico hasta el hard-rock más áspero, configurando una de las propuestas musicales más fascinantes surgida en Estados Unidos a finales de la década de los 70. Entre sus principales influencias reconocen a Dave Edmunds y Roy Wood. Un elemento importante en la carrera de Cheap Trick, y muestra del carácter meticuloso del grupo, ha sido la calculada selección de sus productores, siempre de prestigio; entre ellos, Jack Douglas, Tom Werman, George Martin, Roy Thomas Baker, o Todd Rundgren.

Su peculiar imagen fue desde el principio otro elemento característico de la banda. Mientras que Zander y Petersson se aproximaban al prototipo habitual del rockero, incluyendo melenas largas, botas o cazadoras, Rick Nielsen y especialmente Bun E. Carlos tenían poco que ver con él. Nielsen, calvo y de mirada desorbitada, aparecía siempre con gorra de visera, pajarita y camisa abotonada hasta el cuello; Carlos, gordo, con gafas y bigote, vestía indumentaria de oficinista. El grupo jugó con ese contraste en las grabaciones de sus videoclips o en portadas de álbumes como In color (and in black and white) o Heaven tonight. En directo, se destacaba la característica ironía de Rick Nielsen, un guitarrista agresivo, excelente compositor y, sobre todo, un showman increíble, con sus cabellos rojos y sus chocantes guitarras, con las formas más extrañas. Lo acompañaba a la batería Bun E. Carlos, ex-Shalamar (famosa banda funky), un bigotudo con panza de aburrido oficinista y gafas a lo Lennon. Completaban el espectáculo Petersson y Zander, con vestimentas más normales.

Aparentemente su estilo era inocuo -una mezcla de hard rock y power pop-, pero lograron influenciar a toda una generación de nuevas bandas que los mencionan siempre como una fuerte inspiración en su formación musical: Weezer, Pixies, The Smashing Pumpkins, Fountains of Wayne y Nirvana entre otros.

La clave de esto se halla especialmente en sus tres primeros discos, cuyas letras están llenas de un sentido del humor gamberro y ligeramente surrealista, y una actitud que mezcla el inconformismo y la nostalgia adolescente a partes iguales. Son frecuentes las alusiones al sexo, al travestismo, al suicidio, a la religión, la guerra y la prostitución, pero siempre en clave de humor. La música de cabecera de la serie de televisión That's 70s show es una versión de Cheap Trick de la canción In the street, del grupo Big Star.

Cheap Trick siguen de gira y su primer lanzamiento bajo sello propio, Rockford, ha conseguido los elogios de la crítica. La banda es más popular en Japón, donde han permanecido como superestrellas desde su primer álbum. Han sido mencionados con frecuencia en la prensa japonesa como los "Beatles de América". El Senado del Estado de Illinois ha declarado el 1 de abril como "Día de Cheap Trick" en el Estado. La banda también se clasificó en el número 25 en la lista que VH1 confeccionó con los 100 mejores artistas de hard rock.

La historia de Cheap Trick arranca con el grupo Fuse, que se creó en 1967 con la fusión de dos bandas locales de Rockford: The Grim Reapers, y Toast & Jam. De la primera procedía Rick Nielsen (guitarra y teclados) y de la segunda Tom Petersson (bajo), quien había tocado también en otra banda de Rockford llamada The Bo Weevils. Ambos salieron descontentos de aquella aventura y no guardan buen recuerdo, por lo que las biografías de las revistas especializadas suelen mostrar inconsistencias en las fechas, los distintos nombres que usó la banda y las distintas formaciones. Nielsen y Petersson eran dos excelentes músicos que adoraban la música surgida en Gran Bretaña, especialmente los Beatles, los Who y curiosamente, The Move, el grupo liderado por Roy Wood que era escasamente conocido en Estados Unidos pero que influyó notablemente toda la trayectoria de los futuros Cheap Trick.

Tras fichar por Epic en 1969 registraron un single, Hound dog/Cruisin' for burgers (Epic, 1969), reedición de un anterior trabajo de The Grim Reapers. Y un único álbum, Fuse (Epic, 1970), que tuvo escasas ventas, fue ignorado por la crítica, y tampoco gustó al propio grupo. Frustrados por la falta de éxito, se disgregaron.

Nielsen y Petersson entraron en contacto con el cantante y teclista Robert "Stewkey" Antoni, y el batería Thom Mooney, procedentes del grupo de Todd Rundgren, Nazz. En 1970 formaron una nueva banda, que actuó con distintos nombres en sus conciertos: desde Nazz o Fuse, hasta Honey Boy Williamson and The Manchurian Blues Band. En 1971 se trasladaron a Filadelfia, y Thom Mooney fue reemplazado por Bun E. Carlos.

En 1972 se hacían llamar Sick Man of Europe, y ya planearon cambiar el nombre a Cheap Trick y reclutar al cantante Robin Zander quien en ese momento, sin embargo, tenía un contrato en vigor para interpretar versiones en un centro turístico en Wisconsin. Zander era un excelente cantante de folk que había coincidido con Carlos en los grupos Pfreim y Toons. En su lugar, y para sustituir a Robert "Stewkey" Antoni, reclutaron al vocalista Randy "Xeno" Hogan. Durante 1972 y 1973 realizaron una decepcionante gira europea, y regresaron a Rockford. Finalmente en 1974 Rick Nielsen, Tom Petersson y Bun E. Carlos remplazaron a Hogan por Zander una vez que éste terminó su contrato, pasando a llamarse definitivamente Cheap Trick. El nombre se inspiró en la asistencia de la banda a un concierto de Slade, donde Petersson comentó que la banda usó "todos los trucos baratos en el libro" como parte de su actuación.

El grupo inició su carrera en Rockford ofreciendo conciertos gratuitos, tocando en almacenes, boleras y varios otros lugares alrededor del medio oeste de Estados Unidos e incluso ensayando en un parque local (Sinnissippi Park), a la vista de sus fans. Con el tiempo actuarían en el área de Madison y de Chicago. En 1976 Tom Werman, cazatalentos de Epic, firmó un contrato discográfico con la banda por recomendación del productor Jack Douglas, conocido por su trabajo con Aerosmith. Su álbum de debut Cheap Trick (Epic, 1977), producido por Douglas, salió a la venta en febrero de 1977. Aunque recibió críticas positivas, no sobrepasó las 150.000 copias vendidas. Sólo se publicaron dos singles: Oh Candy en Estados Unidos y ELO kiddies en Europa, con un discreto éxito. Pero en Japón el álbum fue Disco de oro.

El agente de reservas del Medio Oeste Ken Adamany, que había tocado en una de las bandas de la escuela secundaria de Steve Miller, se convirtió en su mánager. Adamany los animó a desarrollar su espectáculo teatral. Actuaron de teloneros para artistas de AOR como Journey, Boston, Kansas o Meat Loaf, u otros como The Kinks, Santana, Queen, AC/DC y especialmente Kiss, realizando hasta 250 actuaciones al año. Como acompañantes en la gira Kiss: Destroyer Tour durante el verano de 1977 cosecharon un enorme éxito, hasta el punto de tener que ofrecer bises, cosa extraña en un grupo que actúa como telonero.

El siguiente álbum, In color (Epic, 1977), en el que el cuarteto interpretaba melodías beat con coros cautivadores, introduciéndolos en un contexto hard, incluyó ya algunas de las canciones más conocidas de la banda, como Big eyes, Downed, Clock strikes ten y sobre todo I want you to want me, ya grabada para el álbum de debut, pero descartada. La banda se ha quejado a menudo de la producción de Tom Werman y su intento de acercar su sonido a un estilo más pop. El álbum vendió más copias que el anterior y entró en el Hot 200 de Estados Unidos (número 73). Sin embargo, en 2012, In color ocupó el puesto número 443 en la lista de la revista Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. En cuanto a sus singles (I want you to want me, Southern girls, So good to see you), no entraron en las listas. En Japón, el álbum fue de nuevo Disco de oro, y Clock strikes ten se convirtió en número 1.

Heaven tonight (Epic, 1978) fue también producido por Tom Werman, que encontró el toque perfecto al combinar los elementos de los dos álbumes anteriores con una mayor energía, lo que convirtió al disco no sólo en su obra definitiva en estudio, sino también en un clásico del pop rock. Tom Petersson tocó un bajo de doce cuerdas, lo que haría de Heaven tonight la primera grabación con este instrumento.

En Estados Unidos, el álbum se convirtió al fin en su primer Disco de oro y llegó al número 48 en las listas. En Japón, consiguió su tercer Disco de oro y aumentó su estatus de superestrellas. El himno juvenil Surrender, quizás el tema más emblemático de Cheap Trick, fue su primer single, y el primero del grupo que entró en el Hot 100 de Estados Unidos (número 62).

Ninguno de los tres primeros álbumes de Cheap Trick había entrado en el Top 40 en Estados Unidos. En Japón, sin embargo, los tres discos fueron de Discos de Oro. En 1978, con In color triunfando en las radios y listas japonesas, el grupo decidió iniciar su primera gira por aquel país en lugar de una gira estadounidense. Fueron recibidos con un frenesí que recuerda la Beatlemanía, y el público japonés aclamó a sus nuevos héroes.

Durante la gira, en abril de 1978, Cheap Trick grabó un espectáculo en directo para sus fieles fans en el Nippon Budokan, a finales de abril, donde agotaron las entradas. El espectáculo fue lanzado en octubre como un álbum en directo titulado Cheap Trick at Budokan (Epic, 1978, Japón), destinado a ser editado exclusivamente en Japón. Sin embargo, el álbum entró en las listas de ventas de Estados Unidos gracias a las copias de importación, y la demanda llegó a ser tan grande que finalmente Epic lanzó allí oficialmente el álbum en febrero de 1979.

Cheap Trick at Budokan (Epic, 1979, Estados Unidos) les convirtió en estrellas internacionales. Alcanzó el número 4 en las listas de álbumes de Estados Unidos, donde permanecería un año; en tres meses se hizo Disco de Platino y más tarde Triple Platino, con 3 millones de copias vendidas; y la versión en directo de I want you to want me, primer single, llegó al número 7 en la lista Hot 100 (el segundo, Ain't that a shame, llegó al número 35). Esto, además, arrastró a los demás álbumes de la banda, y también In color consiguió el estatus de Disco de Oro.

Dream Police (Epic, 1979) regresó a la línea de Heaven tonight, renunciando al sonido enérgico de Cheap Trick at Budokan. Producido de nuevo por Tom Werman, fue un intento de la banda de explorar en una dirección más experimental, mediante la incorporación de cuerdas y sección de vientos en temas como Gonna raise hell. Ello resultó en una mala acogida por parte de la crítica, pero un nuevo éxito al estilo de At Budokan: alcanzó el Top Ten (número 6), un millón de copias vendidas y nuevo Disco de Platino. Sus dos primeros singles, Dream Police (que daba título al disco) y Voices, entraron en las listas en los puestos 26 y 32, respectivamente.

En 1980 lanzaron el álbum All shook up. Producido por el ex-productor de los Beatles, George Martin, alcanzó el número 24 en las listas y fue certificado con Disco de oro. No fue bien recibido por la mayoría de fans, que lo encontraron muy distinto a sus anteriores obras. Sin embargo, los antecedentes de clase alta del álbum no lo salvaron de descripciones como "Led Zeppelin gone psycho". Cheap Trick habían intentado acercarse al sonido Beatles, sobre todo en las melodías. Una canción grabada durante las sesiones de este álbum, pero no incluida finalmente, Everything works if you let it, apareció en la banda sonora de Roadie, y Nielsen y Carlos participaron en las sesiones de John Lennon y Yōko Ono del álbum Double fantasy. Previamente al lanzamiento de All shook up, se había editado un EP llamado Found all the parts, con material inédito y una falsa versión en directo del tema de los BeatlesDay tripper.

Antes de sacar al mercado All shook up, Petersson dejó el grupo (agosto de 1980) para grabar un álbum en solitario con su esposa Dagmar, usando el nombre de la banda Another Language. Pete Comita sustituyó a Petersson en la gira de All Shook Up. La banda grabó cinco canciones con Comita, destinadas a dos bandas sonoras de películas. I'm the man, Born to raise hell y Ohm sweet ohm, producidas por Jack Douglas, acabaron en la película Rock & rule, mientras que Reach out y I must be dreamin se incluyeron en la banda sonora del film de animación Heavy metal, y fueron producidas por Roy Thomas Baker. Reach out fue escrito por Comita y Bob James. Comita dejó la banda después de solo unos meses, durante la preproducción del siguiente álbum, y Jon Brant se convirtió en el sustituto definitivo. En julio de 1981, CBS Inc. demandó a Cheap Trick y su mánager Ken Adamany por 10 millones de dólares, alegando que estaban tratando de obligar a la compañía a renegociar su contrato, ya que la banda se negó a grabar material nuevo para el sello desde octubre de 1980. El pleito se resolvió a principios de 1982 y comenzaron los trabajos sobre el próximo álbum, One on one, producido por Roy Thomas Baker. La banda cambió de dirección, esta vez la elección sería la de un álbum más ruidoso, cercano al hard rock. El álbum generó dos éxitos menores: la power-ballad If you want my love (que alcanzó el número 45) y la rockera She's tigth (número 5). Los vídeos musicales fueron exhibidos frecuentemente en MTV.

Al año siguiente, Cheap Trick lanzó Next position please, con Todd Rundgren como productor. Rundgren minimizó el lado más duro de la banda y orientó su sonido a la vertiente más pop, similar a la de In color. El álbum no encontró una gran audiencia y Cheap Trick entró en una fase de menor éxito comercial. El primer single fue una versión del tema de The MotorsDancing the night away. Epic Records, desesperados por conseguir un hit con la banda, obligó al grupo a grabar dicha versión. Rundgren se negó a producir la canción; en su lugar lo hizo Ian Taylor. De todas maneras, el tema no entró en listas, como tampoco lo hizo el segundo single y canción favorita de muchos fans I can't take it. Ian Taylor produjo Spring break, contribución a la banda sonora de la película del mismo título, también publicada como single. Tampoco ésta consiguió entrar en las listas. En 1984, la banda grabó el tema principal para la comedia de Tim Matheson, Up the creek, que más tarde Nielsen citó como una de las peores canciones que nunca había escrito. Llegó al número 36 en Billboard, pero desapareció de las listas en dos semanas.

En 1985 se reunieron con Jack Douglas, quien había producido su álbum de debut. Con él grabaron el LP Standing on the edge. La idea original era regresar al sonido crudo de su primer álbum, pero por desgracia, Douglas no pudo hacerse cargo de la mezcla final del disco, debido a los problemas legales que tenía con Yoko Ono en esos momentos, de modo que fue mezclado por Tony Platt, quien añadió más elementos típicos de los años 80 a la producción.

Este álbum fue etiquetado irónicamente como la "mejor colección de chicle bazooka rock en años"; el álbum incluyó a Mark Radice a los teclados, quien también colaboró en el proceso de escribir canciones. El primer single, Tonight it's you, alcanzó el puesto 8 en el Billboard Top Rock Tracks, y el vídeo fue emitido con asiduidad en MTV. Los siguientes singles Little sister y How about you no fueron de éxito.

En 1986, la banda grabó Mighty wings, que sonó en los títulos de crédito finales de la película Top Gun. Tras esto, se publicó The doctor, que resultó ser el último álbum con Brant como bajista. Algunas de las canciones contenían elementos del funk, y se oyeron coros femeninos por primera vez en un álbum de la banda. Sin embargo, los sintetizadores y los efectos de sonido programados ahogaron a los instrumentos solistas, sobre todo la guitarra. Producido por Tony Platt, suele ser considerado como su peor disco; el álbum contó con el single It's only love, de nulo éxito, aunque muchos acusaron a la pobre promoción de la discográfica como culpable del desastre. El vídeo musical de It's only love hizo historia como el primer videoclip en el que se hizo uso prominente del lenguaje de señas americano.

Petersson se reincorporó al grupo en 1987 y ayudó a grabar Lap of luxury en 1988, producido por Richie Zito. Debido a la disminución del éxito comercial del grupo, Epic Records obligó a la banda a colaborar con escritores de canciones profesionales. The flame, un típico hit de los 80, se publicó como el primer single y se convirtió en el primer número 1 de la banda. El segundo single, un cover de Elvis Presley, Don't be cruel, también alcanzó el Top 10. Otros tres singles del álbum fueron Ghost town, Never had a lot to lose y Let go. Cada uno de ellos tuvo éxito, y Lap of luxury llegó al estatus de Disco de platino, siendo considerado como el álbum de regreso de la banda. Nielsen declaró: "Lap of luxury fue un disco difícil de hacer. Podríamos mentirte y decirte que todo fue maravilloso y genial. No fue así. Fue difícil trabajar con otros escritores. Pero fue una lección para nosotros". Este trabajo musical se promocionó en febrero de 1990 en el Festival de Viña del Mar (Chile) lo que les abrió formalmente el mercado de Sudamérica y tuvo una excelente aceptación por el público hispano parlante.

Busted fue publicado en 1990 y también producido por Richie Zito, con el grupo tratando de capitalizar el éxito del anterior. Esta vez, sin embargo, la banda se permitió una mayor creatividad y las colaboraciones externas solo aparecieron en algunas canciones. El primer single Can't stop falling into love alcanzó el número 12 en listas, pero no cumplió las elevadas expectativas de la discográfica. El segundo single, un tema de Diane Warren, Wherever would I be, sufrió una suerte peor; llegó solo al número 50. Los siguientes singles, If you need me y Back n'blue no tuvieron éxito, aunque el último alcanzó el puesto 32.

En 1991, Cheap Trick's Greatest hits fue editado. Se incluyeron doce éxitos de la banda y una nueva canción, una versión de The Beatles, Magical Mystery Tour, sobrante de antiguas sesiones de grabación. Del mismo modo se publicó Budokan II, donde se incluyeron las canciones que se habían omitido en el álbum en directo original, además de otros tres temas de su siguiente tour de 1979. El lanzamiento no fue autorizado por la banda, y actualmente se encuentra fuera de catálogo. Ese mismo año, Robin Zander publicó su debut como solista, Robin Zander con Interscope, producido por Jimmy Iovine, con algunos de los nombres más importantes de la música de entonces, como Mick Fleetwood, Stevie Nicks, Dave Stewart o Paul Buckmaster. El guitarrista Mike Campbell, mejor conocido por su trabajo con Tom Petty and The Heartbreakers, colaboró con Zander en la mayoría de las canciones del álbum, en el que grabó versiones de Neil Young (I believe in you), Harry Nilsson (Jump into the fire) o Maria McKee (Show me heaven). El álbum no tuvo demasiado éxito, pero el single I've always got you alcanzó el número 13 en la lista Mainstream Rock. Zander también grabó un dueto con Ann Wilson de Heart, Surrender to me (número 6, 1988).

El grupo abandonó Epic Records tras las decepcionantes ventas de Busted, para firmar con Warner Bros. Records. En 1994 la banda lanzó Woke up with a monster, que fue producido por el legendario productor Ted Templeman. La canción Woke up with a monster se publicó como el primer single, y llegó al puesto 16 en las listas de Estados Unidos de la lista Mainstream Rock. Las ventas del disco fueron pobres, y solo alcanzó el puesto 123. La canción Didn't know I had it sonaba muy E.L.O. La leyenda dice que esta canción en realidad fue enviada a Jeff Lynne en forma de demo preguntándole si los ayudaría a mejorarla. Al parecer Jeff les dijo que no necesitaban su ayuda, ya que la canción ya estaba allí. "Sí, es muy ELO'ish, ¿no es así? Fue un intento de hacer una canción al estilo Jeff Lynne. Mike y yo amamos las cosas de Jeff", declaró Zander.

En el momento en que el álbum salió, se habían producido una serie de cambios significativos en la banda. El estilo de música era más "grunge" aquí, debido a la áspera producción de Ted Templeman. Rick Nielsen se dejó una perilla, que fue durante bastante tiempo marca de la casa, y la voz de Robin Zander se hizo notablemente más profunda. La banda también contribuyó con una versión de la canción de John LennonCold Turkey para el álbum tributo al músico de Liverpool, Working class hero: A tribute to John Lennon.

La banda rompió rápidamente con Warner Bros., y decidió que era hora de volver a las raíces. Se concentraron en la fuerza de sus shows en vivo, que fueron casi legendarios, y decidió editar nuevas grabaciones para sellos independientes en lugar de grandes compañías. En los siguientes años, Cheap Trick giró con bandas que reconocen su influencia, como los Stone Temple Pilots y Pearl Jam, su música fue reivindicada por muchos grupos, especialmente por los Smashing Pumpkins, y fueron invitados en la gira Lollapalooza con Metallica, Soundgarden y The Ramones. En 1996, la banda editó Gift, un CD single de Navidad en beneficio de las asociaciones caritativas de la zona de Chicago. También se publicó el 7” en vinilo Baby talk/Brontosaurus con la discográfica indie de Seattle, Sub Pop Records. Ese mismo año, Epic Records lanzó Sex, America, Cheap Trick, una caja de cuatro discos que incluyó docenas de rarezas, grabaciones de estudio inéditas y tomas en vivo, junto con algunos de los singles del grupo y otras canciones favoritas. La colección, sin embargo, fue criticada por no contener muchos de los éxitos de la banda.

En 1997, Cheap Trick, firmó con la discográfica independiente Red Ant Records y publicó Cheap Trick, producido por Ian Taylor, con quien la banda había trabajado previamente en 1983. Fue un intento del grupo de captar a una nueva generación, por ello el título era el nombre de la banda, como si fuera su primera obra, y el diseño recordaba al de su primera obra, publicada ya hacía 20 años. El álbum fue aclamado por la crítica y saludado como un regreso en plena forma, pero once semanas después del lanzamiento, Red Ant se declaró en quiebra. El single Say goodbye solo alcanzó el número 119 de las listas, y la banda de nuevo se encontró sin un sello discográfico. Otros dos singles fueron lanzados del álbum: Baby no more y Carnival game.

Cheap Trick ha intentado reconstruir su relación con Epic Records y el negocio musical a partir de 1998. Crearon su propia compañía discográfica, Cheap Trick Unlimited. Editaron una nueva versión remasterizada de su clásico álbum en directo Budokan: The complete concert y sus tres primeros discos en estudio. Una de las noches de su gira dio lugar a Music for hangovers, un dinámico directo en el que los miembros de The Smashing Pumpkins participaban en dos cortes. En medio de muchas críticas, Cheap Trick Unlimited vendió el CD exclusivamente en Amazon.com durante 8 semanas antes de su lanzamiento en las tiendas. Para apoyar el disco giraron con Guided By Voices, y también realizaron un concierto con Pearl Jam. Ese mismo año, la banda pasó tiempo en el estudio de grabación con Steve Albini, que había producido el single Baby talk/Brontosaurus. La banda comenzó a regrabar su segundo álbum, In color, así como un puñado de otros temas. Las grabaciones no se terminaron y a día de hoy no se ha publicado oficialmente, pero se filtró en Internet. La banda también reveló en una entrevista que un álbum de rarezas estaba en elaboración. Inicialmente, su lanzamiento estaba previsto para 2000, pero nunca se produjo.

En 1999, la banda grabó una versión modificada del tema de Big Star, In the street para su uso como tema musical para el programa de televisión That'70s show. Fue lanzado en la banda sonora de la serie, el álbum That'70s (Rockin'). Cheap Trick terminó la canción con la letra "We're all right", que fue extraída de su propia canción de 1978 Surrender. El grupo también regrabó Surrender, que está disponible exclusivamente en Getsigned.com. Un remix de la misma canción se presentó en la banda sonora de la película Little soldiers.

A principios de 2000, Cheap Trick negoció una licencia con la ahora extinta Musicmaker.com para descargar directamente y crear CD personalizados con más de 50 canciones. Después de pasar una buena parte de 2001 escribiendo canciones y cerca de seis semanas de preproducción, Cheap Trick entró en los Bearsville Studios de Woodstock, Nueva York, en marzo de 2002, para grabar su primer álbum de estudio en seis años, Special one, publicado en mayo de 2003. Al mismo tiempo, la banda asoció su sello discográfico con Big3 Entertainment. Si bien el inicio con la canción Scent of a woman fue típico Cheap Trick, la mayoría de las canciones del álbum eran de cariz acústico. La banda también contribuyó con una nueva re-versión grabada de Surrender para la comedia Daddy day care y realizó un cameo en la película. Giraron con el grupo Cake en el Unlimited Sunshine Tour ese mismo año. Simultáneamente, todo el catálogo de la banda entre 1980 y 1990 fue reeditado en Japón totalmente remasterizado.

A finales de 2003, Bun E. Carlos protagonizó un spot publicitario para Target Corporation con Torry Castellano, baterista de The Donnas. En abril de 2005, Cheap Trick lanzó el EP de cinco canciones Sessions@AOL para descarga digital.

En 2006, publicaron el álbum Rockford en Unlimited/Big3 Records. El primer single del álbum fue Perfect stranger (producido por Linda Perry y coescrito por Cheap Trick y Perry). La banda promocionó el álbum a través de actuaciones en cadenas de radio y con una gira por América del Norte. Ese mismo año, Surrender fue usado como canción para jugar en el exitoso videojuego Guitar Hero II, y los álbumes Dream Police y All shook up fueron reeditados de forma remasterizada con bonus tracks. One on one y Next position please (la versión autorizada) fueron relanzados como descargas digitales. La banda también apareció en una campaña publicitaria de la cadena de comida rápida McDonald's.

En 2007, los funcionarios de Rockford, Illinois, homenajearon a Cheap Trick con la reproducción de la cubierta del álbum Rockford en la City Sticker (de matriculación de vehículos) de ese año. En junio de 2007, el Senado de Illinois aprobó la Resolución del Senado número 255, designando el 1 de abril de cada año como Día de Cheap Trick en el Estado de Illinois. En agosto de ese año, Cheap Trick celebró el 40º aniversario del disco Sgt. Pepper's Lonely Heart Club Band tocando el álbum completo con la Orquesta del Hollywood Bowl, dirigida por Edwin Outwater, junto con vocalistas invitados como Joan Osborne y Aimee Mann. Geoff Emerick, el ingeniero de sonido del legendario disco, también estuvo tras la mesa de sonido en dicha actuación. La National Academy of Recording Arts & Sciences honró a Cheap Trick en sus premios anuales en octubre de 2007, Nielsen y Carlos acudieron a recibir el premio personalmente, que fue presentado por Steve Albini.

En 2008, Cheap Trick fueron seleccionados para ser incluidos en la campaña publicitaria de la colección primavera-verano de John Varvatos. Aparecieron en un spot en blanco y negro, montando en bicicletas, mientras su versión de California man sonaba de fondo. En abril, Cheap Trick actuaron en directo en el Budokan para el 30º aniversario del álbum de 1978 Live at Budokan. A principios de julio, en su concierto en Milwaukee, Rick Nielsen anunció a la multitud que el show se estaba grabando con vistas a un futuro CD o DVD. En noviembre, la banda lanzó At Budokan: 30th anniversary collectors edition, una caja recopilatoria con 3 CD incluyendo los dos conciertos en el Budokan registrados en abril de 1978. Un DVD extra contenía el metraje filmado y emitido originalmente por la televisión japonesa, además de materiales adicionales incluyendo imágenes de su regreso a Budokan para el 30º aniversario.

También en 2008, la canción Dream Police fue incluida en el popular videojuego Guitar Hero: Aerosmith. Rock Band 2, incluyendo la versión regrabada en 1998 de Hello there como canción para jugar, y que también se utilizó para la secuencia de apertura del juego. En una entrevista de octubre de 2008, Rick Nielsen reveló que varios lanzamientos de Cheap Trick se preparaban para un futuro inmediato, incluido un nuevo álbum producido por Julian Raymond, y la nueva versión regrabada de In color, en tanto que Legacy Records también planeaba volver a editar el catálogo de la banda propiedad de Sony.

Durante 2009 Cheap Trick giró con Def Leppard y Poison, mientras que en abril de ese año se anunció el lanzamiento de un nuevo álbum de la banda titulado The latest, el cual fue lanzado a finales de junio. El grupo también realizó el tema musical de la película Transformers: la venganza de los caídos. En marzo de 2010 se anunció, en escueto comunicado del sitio oficial, que el miembro original Bun E. Carlos no participaría como batería en los conciertos de la banda en adelante, siendo reemplazado por Daxx Nielsen (hijo de Rick); no obstante se aclaró que Carlos seguiría como músico de estudio. Sin embargo, en 2013 Carlos demandó a sus ex-compañeros alegando que, en la práctica, no se le permitió participar de ninguna actividad de la banda, incluidas las grabaciones de estudio, a lo cual el grupo inició una contrademanda, tendiente a oficializar legalmente la expulsión del percusionista.

Bun E. Carlos grabó con un nuevo grupo, Tinted Windows (con Adam Schlesinger de Fountains of Wayne, James Iha de Smashing Pumpkins y Taylor Hanson de Hanson), el subestimado álbum power pop Tinted windows (2009). En 2010, Bun grabó un EP con otra banda, Candy Golde, y en 2016, Bun E. Carlos debutó en solitario con Greetings from Bunezuela (2016), repleto de versiones.

En abril de 2016, la banda lanzó su primer álbum en cinco años, Bang, zoom, crazy... Hello. Lanzaron un single, No direction home, como un teaser para el álbum. El álbum fue el primer disco de la banda en un sello importante en 22 años. Daxx Nielsen tocó la batería en el álbum. A principios de ese mismo mes de abril, Cheap Trick fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll. La ceremonia de inducción se llevó a cabo en el Barclays Center en Brooklyn, Nueva York, y la banda fue presentada por Kid Rock. Zander, Nielsen, Petersson y Carlos estuvieron presentes; con Carlos en la batería, la banda interpretó I want you to want me, Dream Police, Surrender y Ain't that a shame.

El mismo año editaron el EP Find new parts (2016) e incluyeron su canción Dream Police en el disco Molly: Counting down the hits (2016), disco homenaje a Ian “Molly” Meldrum.

En junio de 2017, la banda lanzó el álbum We're all alright!Daxx Nielsen tocó la batería en el álbum. En agosto de 2017, la banda apareció en el single de Insane Clown Posse, Black blizzard. En octubre de 2017, la banda lanzó un álbum navideño, Christmas Christmas, que incluyó varios temas propios y muchas versiones rock con canciones de ambiente navideño, desde los Kinks a Slade, pasando por los Ramones, Harry Nilsson, Wizzard o Chuck Berry. En 2017 editaron un single con la versión de la Velvet UndergroundI’m waiting for the man; e incluyeron Dream Police en el recopilatorio Living in the 70s Vol.4, álbum editado por Sony. El mismo año sonó Surrender en la banda sonora de Guardianes de la Galaxia Vol. 2 (2017).

En 2018 se incluyó I want you to want me en Ride like the wind (2018), triple CD editado por Sony/Ministry Of Sound.

A finales de enero de 2021, Cheap Trick lanzó el single Light up the fire en el período previo a su álbum In another world, que saldría a la venta en abril de 2021, y que incluye una versión de John Lennon (Gimme some truth) y temas propios como Another world, The summer looks good on you o Quit waking me up. La banda fue anunciada como parte de la serie de conciertos australianos de 2021, Under the Southern Stars, junto a Bush y Stone Temple Pilots. Reemplazaron a los cabezas de cartel originales, Live. En abril de 2021 el concierto fue pospuesto a 2022 debido a las restricciones de circulación por la pandemia de Covid-19.

Una gran influencia en la banda de rock alternativo Nirvana, su cantante Kurt Cobain una vez se refirió a su banda como una versión de 1990 de Cheap Trick.

Fuentes: https://es.wikipedia.org, https://en.wikipedia.org, http://members.iinet.net.au, https://www.alohacriticon.com, http://www.rollingstone.com, https://www.historiasderock.com, https://www.allmusic.com, https://www.oldies.com, https://www.ecured.cu, https://biografiadee.com, http://www.100xr.com, https://www.last.fm, https://fanmusicfest.com, https://www.buenamusica.com, http://www.keno.org, http://www.nostalgiacentral.com, https://oasis.pe, https://www.rincondesconexion.blogspot.com

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Blur es una banda de rock inglesa formada en Londres en 1988. El grupo está formado por el cantante Damon Albarn, el guitarrista Graham Coxon, el bajista Alex James y el baterista Dave Rowntree. El álbum de debut de Blur, Leisure (1991), incorporó los sonidos de Madchester y shoegazing. Tras un cambio estilístico influenciado por grupos de guitarra pop ingleses como The Kinks, The Beatles y XTC, Blur lanzó Modern life is rubbish (1993), Parklife (1994) y The great escape (1995). Como resultado, la banda ayudó a popularizar el género Britpop y alcanzó una popularidad masiva en Reino Unido, ayudado por una batalla en las listas de éxitos con la banda rival Oasis en 1995 apodada "The Battle of Britpop".

El britpop fue término acuñado por la prensa británica para englobar a bandas que retomaban las pautas compositivas más melódicas y guitarreras de las bandas inglesas más conocidas de los años 60, como los Beatles, los Who, los Small Faces, los Rolling Stones o los Kinks, que previamente ya habían recogido, en especial los sonidos más psicodélicos del período, otro de los ascendientes de Blur, especialmente en sus inicios, como son los Stone Roses o Happy Mondays. Elastica, Pulp, The Boo Radleys, Supergrass, Gene, Echobelly, Menswear, Mansun, Suede, Oasis y otras numerosas bandas se beneficiaron del éxito de la banda.También en su música se aprecian ecos de Madness, XTC, David Bowie, los Jam, los Smiths, Sonic Youth o Pavement. A diferencia del conjunto liderado por los hermanos Gallagher, iterativa aunque con un apreciable talento para la creación melódica, la música de Blur resulta mucho más variada, imaginativa y creativa, perviviendo en su sonido pop-rock de trazas psicodélicas, noise, art, lo-fi o dance, textos de cierta causticidad e ironía en su comentario social.

El quinto álbum homónimo de Blur (1997) vio otro cambio estilístico, influenciado por los estilos lo-fi de los grupos de indie rock estadounidenses, y se convirtió en su tercer álbum en las listas de Reino Unido. Su single Song 2 procuró el éxito de la banda en Estados Unidos por primera vez. Su siguiente álbum, 13 (1999) vio a la banda experimentando con música electrónica y gospel, y contó con letras más personales de Albarn. Su séptimo álbum, Think tank (2003), continuó su experimentación con sonidos electrónicos y también fue moldeado por el creciente interés de Albarn en el hip hop y la world music, con un trabajo de guitarra más minimalista. Coxon dejó la banda durante las primeras sesiones de grabación para Think tank, y Blur se disolvió durante varios años después del final de la gira asociada del álbum, con los miembros involucrados en otros proyectos.

En 2009, Blur se reunió con Coxon de nuevo en la banda y se embarcó en una gira de reunión europea. En los años siguientes, lanzaron varios singles y recopilaciones y giraron internacionalmente. En 2012, recibieron un Premio Brit por su Destacada Contribución a la Música. Su octavo álbum, The magic whip (2015), fue el sexto álbum de estudio consecutivo de Blur en encabezar la lista británica. El grupo ha estado en gran parte en pausa desde el final de la gira The Magic Whip.

Blur se formó en diciembre de 1988 cuando el bajista Alex James se unió a la banda de Damon Albarn, Circus, y cambiaron el nombre a Seymour, extraído de Seymour: an introduction de J. D. Salinger. Ya estaban en la banda el baterista Dave Rowntree, que se había unido en octubre, y el guitarrista Graham Coxon, amigo de la infancia de Albarn de Essex, que estaba estudiando en el Goldsmiths College de Londres junto con Albarn y James. El grupo tocó en vivo por primera vez en el verano de 1989. En noviembre, el representante de A&R de Food Records, Andy Ross, asistió a una actuación de Seymour que lo convenció de cortejar al grupo por medio de su sello. La única preocupación de Ross y Food era que no les gustaba el nombre de la banda. Food y Dave Balfe, ex-teclista de Teardrop Explodes, elaboraron una lista de alternativas, a partir de la cual el grupo decidió llamarse Blur. Food Records finalmente firmó con la recién bautizada banda en marzo de 1990.

De marzo a julio de 1990, Blur realizó una gira por Gran Bretaña, abriendo para The Cramps, y probando nuevas canciones. En octubre de 1990, después de que su gira hubiese terminado, Blur lanzó el single She's so high, que alcanzó el número 48 en la lista británica de singles. La banda tuvo problemas para crear un single de seguimiento, pero hicieron progresos cuando se emparejaron con el productor Stephen Street. El lanzamiento del single resultante, There's no other way, se convirtió en un éxito, alcanzando el número 8. Como resultado del éxito del single, Blur se convirtieron en estrellas del pop y fueron aceptados en una camarilla de bandas que frecuentaban el club Syndrome en Londres apodado "The Scene That Celebrates Itself". La revista NME escribió en 1991, "[Blur] son [la] cara bonita aceptable de todo un grupo de bandas que han surgido desde que todo el asunto de Manchester comenzó a agotarse".

El tercer single de la banda, Bang!, tuvo un desempeño relativamente decepcionante, alcanzando sólo el número 24. Andy Ross y el dueño de Food, David Balfe, estaban convencidos de que el mejor curso de acción de Blur era continuar extrayendo influencia del género Madchester. Blur intentó expandir su sonido musical, pero la grabación del álbum de debut del grupo se vio obstaculizada por Albarn teniendo que escribir sus letras en el estudio. Aunque el álbum resultante Leisure (1991) alcanzó el número 7 en el UK Albums Chart recibió críticas mixtas, y según el periodista John Harris, "no pudo sacudirse el olor del anti-clímax". El disco estaba bastante influenciado por los grupos de Manchester, Stone Roses o Happy Mondays, y en él se combinaba un aceptable trato melódico con prominentes sonidos guitarreros y preponderancia de atmósferas lisérgicas.

El éxito les llegó demasiado pronto y Blur era una banda sin bagaje ni experiencia. No supieron asimilarlo y, a medida que sus giras de conciertos se multiplicaron, comenzaron a internarse en una peligrosa espiral de fiestas y alcohol. “Solía ir a montones de fiestas y cuando llegaba allí Graham estaba en el suelo como un felpudo”, manifestó Damon recordando esa época. “Solíamos beber mucho. Yo tenía una botella de vino debajo de la silla en la que estaba mi amplificador y tomaba un trago al pasar por allí”, reconoce Graham.

Después de descubrir que tenían una deuda de 60.000 libras, Blur recorrió Estados Unidos en 1992, documentado en la película Starshaped, en un intento de recuperar sus pérdidas financieras. El grupo lanzó el single Popscene para coincidir con el inicio de la gira. Con "una oleada de guitarras punk, ganchos pop de los años 60, trompetas británicas resplandecedoras, furia controlada y humor posmoderno", Popscene fue un punto de inflexión para la banda musicalmente. Sin embargo, tras su lanzamiento solo llegó al número 32. "Sentimos que Popscene era un gran cambio; un disco muy, muy inglés", dijo Albarn a NME en 1993, "Pero eso molestó a mucha gente ... Nos colocamos en un limbo para perseguir este ideal inglés y nadie estaba interesado". Como resultado de la mediocre actuación del single, los planes para lanzar un single llamado Never clever fueron desechados y el trabajo en el segundo álbum de Blur se retrasó.

Durante la gira estadounidense de dos meses, la banda se sintió cada vez más infeliz, a menudo desahogando frustraciones entre sí, lo que llevó a varios enfrentamientos físicos. Los miembros de la banda se mostraban nostálgicos; Albarn dijo: "Empecé a extrañar cosas realmente simples ... Echaba de menos todo sobre Inglaterra, así que empecé a escribir canciones que crearon un ambiente inglés". La banda (y especialmente Albarn) empezó a desarrollar la idea de un álbum dirigido contra la cultura estadounidense, originalmente titulado "Britain vs America", con lo que empezaron a trabajar en su regreso a Reino Unido. A la vuelta del grupo a Gran Bretaña, Blur (Albarn en particular) se molestó por el éxito que el grupo rival Suede había logrado mientras se habían ido. Después de una pobre actuación en un concierto de 1992 que contó con un set bien recibido por Suede en el mismo show, Blur estaba en peligro de ser despedidos por Food. En ese momento, Blur había experimentado un cambio ideológico y de imagen destinado a celebrar su herencia inglesa en contraste con la popularidad de las bandas de grunge estadounidenses como Nirvana. Aunque escéptico del nuevo manifiesto de Albarn para Blur, Balfe dio su consentimiento para la elección por la banda de Andy Partridge (de XTC) para producir su disco de seguimiento de Leisure. Las sesiones con Partridge resultaron insatisfactorias, pero una reunión casual con Stephen Street provocó que regresara para producir el grupo.

Blur completó su segundo álbum Modern life is rubbish en diciembre de 1992, pero Food Records dijo que el álbum requería más singles de éxito potencial y les pidió que regresaran al estudio por segunda vez. La banda cumplió y Albarn escribió For tomorrow, que se convirtió en el primer single del álbum. For tomorrow fue un éxito menor, alcanzando el número 28 en las listas. Food estaba preparada para publicar el álbum, pero su compañía en Estados Unidos, SBK, dijo que no había un hit para el público estadounidense, así que pidió el regreso de nuevo al estudio de la banda. Entonces crearon y grabaron Chemical world, que satisfizo a SBK; la canción fue un hit alternativo menor en Estados Unidos y alcanzó el puesto 28 en la lista británica. Modern life... estaba preparado para ser publicado en la primavera de 1993, cuando SBK pidió a Blur regrabar el álbum con el productor Butch Vig (Nirvana, Sonic Youth y Smashing Pumpkins). La banda muy enfadada e irritada decidió rehusar la petición.

El álbum fue publicado en mayo en Reino Unido; apareció en Estados Unidos ese otoño. En él las letras comenzaban a tener mayor enjundia y sentido irónico, las melodías y estructuras manifestaban talento para la labor compositiva, la instrumentación se enriquecía notablemente, y el sonido comenzaba a aposentarse, sin perder criterio propio, en los grupos de los años 60, en especial los Kinks, los Who y los Beatles.

A pesar del desdén de Albarn por la cultura estadounidense, particularmente el grunge, las notas del álbum llevaban una cita directa del escritor canadiense Douglas Coupland que escribió la "novela grunge"Generation X: Tales for an accelerated culture (Generación X: Historias para una cultura acelerada). La cita decía "Legislated nostalgia: to force a body of people to have memories they do not actually possess" (Nostalgia legislada: forzar a un cuerpo de personas a tener recuerdos que de hecho no poseen). El anuncio del lanzamiento del álbum incluyó una foto de prensa que mostraba a Blur vestidos con una mezcla de mod y atuendo de cabezas rapadas, posando junto a un mastín con las palabras "British Image 1" pintadas con aerosol detrás de ellos. En ese momento, tales imágenes fueron vistas como nacionalistas y racialmente insensibles por la prensa musical británica; para calmar las protestas, Blur publicó la foto de "British Image 2", que era "un campamento que reescenificaba una fiesta aristocrática del té antes de la guerra". Modern life is rubbish recibió buenas críticas en Reino Unido, alcanzando el número 15 en las listas británicas, pero no logró entrar en el Billboard 200 de Estados Unidos, vendiendo solo 19,000 copias allí.

El éxito de Parklife (1994) revivió la fortuna comercial de Blur, y su estilo del East End de Londres se inspiró en la novela de Martin Amis, London fields. Parklife otro magnífico y ecléctico disco (pop de guitarras, “indie” rock, psicodelia, garajeras, ambientes circenses, disco, folk-rock, new wave …), brillante en melodías, atmósferas, arreglos y producción. El primer single del álbum, el influenciado por la música disco Girls & boys, encontró el favor en BBC Radio 1 y alcanzó el número 5 en la lista de singles británicos, y el número 59 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos, donde sigue siendo el single con chart más alto de la banda, aunque le costó quince semanas entrar en la lista. La historia fue completamente diferente en Reino Unido, donde Blur tuvo una cadena de hits, incluyendo la balada To the end y el himno mod Parklife, que contaba con la colaboración en forma de narración de Phil Daniels, la estrella de la versión en película de Quadrophenia de The Who. Parklife entró en las listas británicas en el número 1 y se mantuvo en las listas de álbumes durante 90 semanas. Recibido con entusiasmo por la prensa musical, NME lo calificó como "un gran disco pop ... más grande, más audaz, más irritado y más divertido [que Modern life is rubbish]”. Parklife es considerado como uno de los discos definitorios del Britpop. Blur ganaron ese año cuatro premios Brit por Mejor álbum (Parklife), Mejor vídeo (Parklife), Mejor single (Parklife) y Mejor grupo británico. Coxon más tarde señaló a Parklife como el momento en que "[Blur] pasó de ser considerado como una banda artística alternativa de la izquierda del campo a esta increíble nueva sensación pop".

Con el éxito de Parklife, Blur abrió la puerta a muchas bandas británicas que dominaron la cultura pop británica a mediados de los años 90 y que fue etiquetado como Britpop. A comienzos de 1995, Parklife se convirtió en un disco triple platino y la banda se convirtió en superestrellas.

Blur comenzó a trabajar en su cuarto álbum The great escape a principios de 1995. Basándose en los dos álbumes anteriores de la banda, las letras de Albarn para el álbum consistían en varias narrativas en tercera persona. James reflexionó: "Era todo más elaborado, más orquestal, más teatral, y las letras eran aún más retorcidas ... Todo eran personajes disfuncionales e inadaptados". El lanzamiento del primer single del álbum Country house jugó un papel importante en la rivalidad pública de Blur con la banda de ManchesterOasis llamada la "Batalla del Britpop". En parte debido a los crecientes antagonismos entre los grupos, Blur y Oasis lanzaron sus nuevos singles el mismo día, ya que Albarn había pedido que la publicación del single se adelantara una semana para competir con la publicación de Roll with it, un evento que NME llamó "The British Heavyweight Championship" (el campeonato británico de pesos pesados). El debate sobre qué banda encabezaría la lista de singles británica se convirtió en un fenómeno mediático, y Albarn apareció en el News at Ten. Al final de la semana, Country house finalmente superó a Roll with it de Oasis por 274,000 copias a 216,000, convirtiéndose en el primer single número 1 de Blur.

The great escape, que Albarn le dijo al público que era la última entrega de la Trilogía de la Vida de la banda, fue lanzado en septiembre de 1995 con críticas extáticas. NME lo aclamó como "espectacularmente logrado, suntuoso, desgarrador e inspirador", mientras que Mojo argumentó que "Blur es lo mejor que el Britpop del 95 tiene para ofrecer y éste es un sonido más digno de gong, completo con riffs de guitarras eléctricos, melodías pegadizas y palabras muy divertidas". Entrando en las listas de Reino Unido en el número 1, el álbum vendió casi medio millón de copias en su primer mes de venta. Sin embargo, la opinión cambió rápidamente y Blur se encontró en gran parte fuera del favor de los medios de comunicación una vez más. Tras el éxito mundial de Oasis con (What's the story) Morning glory? (que fue cuádruple platino en Estados Unidos), los medios bromearon "[Blur] terminó ganando la batalla pero perdiendo la guerra". Blur se percibió como una "banda de pop de clase media inauténtica" en comparación con los "héroes de la clase trabajadora"Oasis, que Albarn dijo que lo hizo sentir "estúpido y confundido". Alex James más tarde resumió: "Después de ser el Héroe del Pueblo, Damon fue el Pinchazo del Pueblo durante un corto período ... básicamente, era un perdedor, muy públicamente". A pesar de esto, Blur optó por conseguir madurez y complejidad musical gracias a la exploración de nuevos sonidos e influencias.

Una entrevista a principios de 1996 con la revista Q en reveló que las relaciones entre los miembros de Blur se habían vuelto muy tensas; el periodista Adrian Deevoy escribió que los encontró "al borde de un ataque de nervios". Coxon, en particular, comenzó a resentirse con sus compañeros de banda: con James por su estilo de vida playboy, y con Albarn por su control sobre la dirección musical y la imagen pública de Blur. El guitarrista luchó con sus problemas con la bebida y, en un rechazo de la estética britpop del grupo, empezó a escuchar con asiduidad a ruidosas bandas estadounidenses de rock alternativo como Pavement. En febrero de 1996, cuando Coxon y James estuvieron ausentes para una actuación de Blur sincronizada con los labios transmitida en la televisión italiana, fueron reemplazados por un recorte de cartón y un roadie, respectivamente. El biógrafo de BlurStuart Maconie escribió más tarde que, en ese momento, "Blur fueron representados muy torpemente".

Aunque previamente lo había descartado, Albarn llegó a apreciar los gustos de Coxon en la música lo-fi y underground, y reconoció la necesidad de cambiar significativamente la dirección musical de Blur una vez más. "Puedo sentarme en mi piano y escribir brillantes canciones pop observacionales durante todo el día, pero tienes que seguir adelante", dijo. Posteriormente se acercó a Street, y apostó por un sonido más despojado en el siguiente disco de la banda. Coxon, reconociendo su propia necesidad personal de "trabajar con esta banda", escribió una carta a Albarn describiendo su deseo de que su música "asuste a la gente de nuevo". Después de las sesiones iniciales en Londres, la banda se fue para grabar el resto del álbum en Islandia, lejos de la escena britpop.

El resultado fue Blur, el quinto álbum de estudio de la banda, lanzado en febrero de 1997. Aunque la prensa musical predijo que la experimentación sónica lo-fi alienaría a la base de fans adolescentes de Blur, en general aplaudieron el esfuerzo. Señalando letras como "Look inside America/She's alright", y señalando el "guiño obligatorio de Albarn a Beck, [y la promoción de] el nuevo álbum de Pavement como si se pagara por hacerlo", los críticos consideraron que la banda había llegado a aceptar los valores estadounidenses durante este tiempo, un cambio de cara de su actitud durante los años del Britpop. A pesar de las críticas de "suicidio comercial", el álbum y su primer single, Beetlebum, debutaron en el número 1 en Reino Unido, pero pronto cayó en las listas, ya que la audiencia masiva del grupo no aceptaba del todo esta reencarnación musical. Aunque el álbum no podría hacer juego las ventas de sus precursores en Gran Bretaña, internacionalmente su publicación fue más acertada. En Estados Unidos, el álbum recibió fuertes críticas, alcanzó el número 61 en Billboard 200 y fue certificado con Disco de oro. El single Song 2 del álbum también fue popular en la radio alternativa, alcanzando el número 6 en la lista Modern Rock. Después de que fue licenciado para su uso en varios medios, como bandas sonoras, anuncios y programas de televisión, Song 2 se convirtió en la canción de Blur más reconocible en Estados Unidos, ayudado por su popularidad como hit previo a los partidos de hockey. Este álbum mostraba las mejores cualidades de la evolución natural de la banda más allá de sus raíces, ya que combinaba su trabajo previo con una exitosa mezcla entre la música estadounidense y el Britpop. Después del éxito de Blur, la banda se embarcó en una gira mundial de nueve meses. Tras Blur, Graham Coxon grabó su primer disco en solitario Sky is to high (1998).

En febrero de 1998, unos meses después de completar la gira, Blur lanzó Bustin' + Dronin' para el mercado japonés. El álbum era una colección de canciones de Blur remezcladas por artistas como Thurston Moore, William Orbit y Moby. Entre las canciones, la banda quedó más impresionada por el esfuerzo de Orbit y lo reclutó para reemplazar a Street como productor de su próximo álbum, citando la necesidad de abordar el proceso de grabación desde una nueva perspectiva.

Lanzado en marzo de 1999, el sexto álbum de estudio de Blur13 los vio alejarse aún más de su actitud y sonido de la era britpop, y prosiguió con similares derroteros sónicos de enfoques eclécticos, texturas trabajadas y collages sónicos, a su anterior trabajo. El estilo de producción de Orbit permitió más interferencias, e incorporó una "variedad de emociones, atmósferas, palabras y sonidos" más experimentales en la mezcla. Muchos de los que hasta el momento habían sido sus seguidores, no estaban de acuerdo con esta nueva faceta y criticaron a la banda. 13 fue dominado creativamente por Coxon, a quien "simplemente se le permitió hacer lo que él eligiera, sin editar", por Orbit. Las letras de Albarn, más sentidas, personales e íntimas que en ocasiones anteriores, reflejaban su ruptura con la líder de ElasticaJustine Frischmann, su compañera durante ocho años, y también sobre sus batallas con la heroína y las adiciones al alcohol provocadas por esa relación. Más oscuro, el álbum recibió críticas generalmente favorables de la prensa. Mientras Q lo denominó "un álbum de art rock denso, fascinante, idiosincrásico y consumado", NME consideró que era inconsistente y "(al menos) un cuarto de hora demasiado largo". 13 debutó en la cima de las listas de Reino Unido, permaneciendo en esa posición durante dos semanas. El primer single del álbum, el gospel Tender, entró en el 2º lugar de las listas. Después de que Coffee & TV, el primer single de Blur en presentar a Coxon en la voz principal, solo alcanzara el número 11 en Reino Unido, el mánager Chris Morrison exigió una reedición en las listas debido a lo que consideró un error de cálculo de ventas.

En julio de 1999, en celebración de su 10º aniversario, Blur lanzó un box-set de edición limitada de 22 CD de sus singles con sus correspondientes caras B. La gira que lo acompañó mostró a Blur tocar las caras A de los 22 singles en orden cronológico de lanzamiento. En octubre de 2000, el grupo lanzó la recopilación Blur: The best of, que debutó en el número 3 en Reino Unido y recibió una certificación de Disco de Platino por 300.000 copias vendidas. Descartado por la banda como "el primer disco que hemos visto como producto", la lista de canciones y las fechas de lanzamiento de Blur: The best of se determinaron sobre la base de la investigación de mercado y los grupos de enfoque realizados por el sello discográfico de Blur, EMI. En este momento, el grupo había repudiado en gran medida los singles pop optimistas de la era britpop, y favoreció el trabajo más artístico y experimental en Blur y 13. En una revisión por lo demás muy entusiasta del Best of de NME, Steve Sutherland criticó la "pura indiferencia" de la banda por su trabajo anterior; "El hecho de que estas canciones los avergonzaran una vez que comenzaron a escuchar a los críticos de los diarios de gran formato y se retiraron heridos de la batalla de grandes ventas con Oasis no significa que seamos imbéciles para amarlos".

Después de 13 y las giras posteriores en 1999-2000, los miembros de la banda siguieron otros proyectos. Graham Coxon grabó una serie de álbumes en solitario, mientras que Damon Albarn dedicó su tiempo a Gorillaz, la banda animada que había creado con Jamie Hewlett, y viajó a Malí como ayudante de Oxfam, produciendo el álbum Mali music para recoger fondos para una ONG. Alex James trabajó con el actor Keith Allen y el artista Damien Hirst (ambos habían contribuido previamente en el vídeo del single Country house) para formar Fat Les y co-escribió varias canciones con Sophie Ellis-Bextor y Marianne Faithfull.

La grabación para el siguiente álbum de Blur comenzó en Londres en noviembre de 2001, pero el trabajo concertado comenzó en junio de 2002, con las sesiones trasladándose a Marrakech, Marruecos, poco después, y luego a Devon en Reino Unido. No mucho después de que comenzaran las sesiones, Coxon dejó el grupo. Coxon parecía estar distante tanto emocional, personal como creativamente del resto de sus compañeros, cuando fue culpado de haber faltado a las sesiones de grabación. Él estaba aparentemente disgustado con la posibilidad de que el DJ dance Fatboy Slim (también conocido como Norman Cook) fuera el productor de las sesiones. Tras varias semanas de rumores e incertezas, Coxon confirmó que le habían pedido que abandonara la banda por razones relacionadas con su "actitud" desde el momento que había dejado el hábito del alcohol. Desde entonces Albarn declaró que la puerta siempre estaría abierta para la vuelta de Graham. Coxon dijo que "no llegamos a reñir" y "[la banda] simplemente reconoció la sensación de que necesitábamos algo de tiempo separados". Coxon sólo apareció en la canción final del álbum, Battery in your leg, de la que Albarn dijo que es la única canción que alguna vez ha escrito sobre la banda.

Antes de que el álbum fuera lanzado, Blur lanzó un nuevo single, Don't bomb when you are the bomb como lanzamiento muy limitado de marca blanca. La canción era en gran parte electrónica, y formó parte de la protesta de la banda contra la guerra en el Medio Oriente. Albarn, sin embargo, intentó calmar los temores de los fans de que el álbum sería electrónico al proporcionar garantías de que el nuevo álbum de la banda sería "un disco de rockin'", y también dijo que tenía "muchas canciones pop finamente elaboradas". A principios de 2002, Blur grabó una canción que sería tocada por el módulo de aterrizaje Beagle 2 de la Agencia Espacial Europea una vez que aterrizase; sin embargo, los intentos de localizar la sonda después de que aterrizase en Marte fueron infructuosos.

Think tank, lanzado en mayo de 2003, estaba repleto de sonidos electrónicos atmosféricos y desgarrados, con líneas de guitarra más simples tocadas por Albarn, y confiando en gran medida en otros instrumentos para reemplazar a Coxon. La ausencia del guitarrista también significó que Think tank fue escrito casi en su totalidad por Albarn, cuyas eclécticas influencias empapaban el disco de hetereogeneidad. También destacó la múltiple participación de músicos adicionales y el aumento del peso de Alex James en el sonido de los temas, en un disco casi sin guitarras y en el que las líneas de bajo de Alex, los ritmos de Dave y los loops electrónicos cobraban especial protagonismo. Su sonido fue visto como un testimonio del creciente interés de Albarn en la música africana y de Oriente Medio, y de su control completo sobre la dirección creativa del grupo. Think tank fue otro número 1 en Reino Unido y logró la posición más alta de Blur en Estados Unidos, el número 56. También fue nominado a Mejor álbum en los Brit Awards de 2004. La banda hizo una exitosa gira en 2003, con el ex-guitarrista de VerveSimon Tong reemplazando a Coxon. Irónicamente, Coxon decidió volver a trabajar con el productor Stephen Street, para publicar su más exitoso y accesible disco hasta la fecha, Happiness in magazines, en mayo de 2004.

En mayo de 2005 se publicó otro álbum de Gorillaz, Demon days, recibiendo buenas críticas. Damon Albarn, quien estuvo de gira con Gorillaz, manifestó que estaba esperando a Graham Coxon para que volviese a la banda antes de poder comenzar la grabación de un nuevo disco de Blur. Sin embargo, sus esperanzas para tal álbum fueron tiradas a la basura por los tenaces rechazos de Coxon para trabajar con sus compañeros iniciales otra vez. Coxon entrevistado en The Sunday Mail dijo que "Blur tuvo mucho de cosas de chicos. Estoy por encima de eso... hace 10 años que Blur estuvo en lo más alto, así que soy una persona muy diferente ahora". "No estoy en contacto con Damon en absoluto y no me arrepiento de eso ahora mismo... para ser sinceros, no hemos estado mucho en contacto incluso cuando éramos Blur... No es como cuando Damon era mi mejor amigo ya que hubo un gran distanciamiento", añadió.

Luego Damon Albarn desarrolló un nuevo proyecto musical, una banda sin nombre establecido y conocida por el título de su primer álbum The Good, The Bad and The Queen. En 2005, XFM News informó que Blur grabaría un EP, y negó que contrataran a un guitarrista de reemplazo para Coxon. También hubo algunas grabaciones abortadas hechas en 2005. En general, la banda mantuvo un perfil bajo y no hizo ningún trabajo de estudio o de gira como trío. Los rumores sobre la posible reunión de Blur para la grabación de un nuevo álbum fueron abundantes desde 2006 debido a que se ha especulado en numerosas ocasiones sobre posibles planes del grupo como tal. Estos rumores alcanzaron su punto más alto cuando a principios de octubre de 2007 se confirmó que el grupo en pleno (con Graham Coxon) se reuniría para un almuerzo; debido a las especulaciones sobre un nuevo álbum de Blur, la página oficial del grupo sacó a la luz un comunicado en el cual aclaraba que si bien la banda se había reunido, esto era sólo por la amistad que existía entre ellos, pero que no tenían planes fijos sobre la grabación de un nuevo álbum. Albarn y Gorillaz, editaron otro álbum este mismo año llamado Plastic Beach con mucho éxito gracias a sus singles On Melancholy Hill y Stylo.

A finales de 2011, Albarn pone en marcha un proyecto con el bajista de Red Hot Chili PeppersMichael "Flea" Balzary. En febrero, la revista musical EFE EME ha informado que la banda y su primer disco tendrán el mismo nombre: Rocket Juice and The Moon.

Después del éxito alcanzado por Damon Albarn con Monkey: Journey to the West, en colaboración con el cocreador de GorillazJamie Hewlett (una puesta en escena de una antigua ópera china),en diciembre de 2008, y días después de que Albarn anunciase a la BBC en noviembre de 2008 que veía como "muy posible" la reunión del grupo y hablase del reencuentro con Graham Coxon y de la posibilidad del regreso de Blur, que si bien aclaró, no sería muy pronto por encontrarse a mitad de camino del tercer álbum de Gorillaz, dijo que sin duda era muy posible, Blur anunciaron que se reunirían para un concierto en el Hyde Park de Londres a principios de julio de 2009. Días después, la banda añadió una segunda fecha. También se anunció una serie de espectáculos de presentación en junio, que terminaron en estadio Manchester Evening News a finales del mismo mes. Todos los espectáculos fueron bien recibidos; El crítico musical de The Guardian, Alexis Petridis, le dio a su actuación en la universidad Goldsmiths un total de 5 estrellas, y escribió: "La música de Blur parece haberse potenciado con el paso de los años ... suenan más frenéticos y punky y más matizados y exploratorios que en el apogeo de su fama". Blur encabezó el Festival de Glastonbury en junio, donde tocaron por primera vez desde su puesto principal en 1998. Las críticas de la actuación de Glastonbury fueron entusiastas; The Guardian los calificó como "los mejores cabezas de cartel de Glastonbury en una era". La banda lanzó su segundo álbum de grandes éxitos Midlife: a beginner's guide to Blur en junio de 2009.

Blur también encabezó otros festivales de verano, incluyendo Oxegen 2009 en Irlanda, y el espectáculo escocés al aire libre de T in the Park. Su condición de titulares de T in the Park se puso en peligro después de que Graham Coxon fuese ingresado en el hospital con intoxicación alimentaria. Finalmente, la banda tocó, aunque una hora y media después de que estuviesen programados para aparecer. Después de la finalización de las actuaciones de reunión, James dijo que el grupo no había debatido más planes, y Albarn le dijo a Q poco después que Blur no tenía intención de grabar o hacer una gira de nuevo. Dijo: "Simplemente no puedo hacerlo más", y explicó que la principal motivación para participar en la reunión fue reparar su relación con Coxon, en lo que tuvo éxito. Coxon también dijo que no se planeó ninguna otra actividad de Blur, diciéndole a NME.com en septiembre: "Estamos en contacto y decimos 'Wotcha' y todo eso, pero no se ha mencionado nada sobre más espectáculos o cualquier otra cosa".

En enero de 2010, No distance left to run, un documental sobre la banda, fue lanzado en cines y un mes más tarde en DVD. En abril de 2010, Blur lanzó su primera grabación nueva desde 2003, Fool's day, para el evento Record Store Day, como disco de vinilo limitado a 1000 copias; más tarde se puso a disposición como descarga gratuita en su sitio web. No distance left to run fue nominado como Mejor Vídeo Musical de Larga Duración para la 53ª entrega de los Premios Grammy, la primera nominación a los Grammy de Blur.

En febrero de 2012, Blur fueron galardonados con el premio a la Contribución Sobresaliente a la Música en los Brit Awards 2012. Más tarde ese mes, Albarn y Coxon estrenaron una nueva canción juntos en vivo, Under the westway. En abril, la banda anunció que un box-set titulado Blur 21, que contenía los siete álbumes de estudio de Blur, cuatro discos de rarezas inéditas y tres DVD, sería lanzado en julio. Blur también había entrado en el estudio a principios de ese año para grabar material para un nuevo álbum, pero en mayo el productor William Orbit le dijo a NME que Albarn había detenido la grabación. Las páginas oficiales de Blur en Twitter y Facebook anunciaron que la banda lanzaría dos singles, The puritan y Under the westway, a principios de julio. El evento dio inicio con la retransmisión en vivo de la banda interpretando Under the westway, a lo que siguió una ronda de preguntas y respuestas a través de la cuenta oficial de Twitter del grupo, para posteriormente finalizar interpretando The puritan una hora después. Inmediatamente después del espectáculo, ambas canciones quedaron disponibles para descarga electrónica en iTunes. Ese mes de agosto, Blur encabezó un espectáculo en Hyde Park para la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano 2012, que sería lanzado digitalmente la semana siguiente como Parklive; más tarde salió como lanzamiento físico ese mismo año. En 2013, la banda se presentó en el Rock Werchter en Bélgica, en las fechas españolas y portuguesas del festival Primavera Sound,y el Coachella Valley Music and Arts Festival en Estados Unidos.

En marzo de 2013 se llevó a cabo en el Royal Albert Hall de Londres el Tennage Cancer Trust, en el cual Damon Albarn y Graham Coxon interpretaron una emotiva versión de Tender junto a su ex-rival de toda la vida Noel Gallagher de Oasis.

En abril de 2015, Blur lanzó su primer álbum de estudio en doce años, The magic whip, presentado por los singles Go out, There are too many of us y Lonesome Street. Concebido durante cinco días en Hong Kong después de una cancelada gira por Japón en 2013, el álbum también se inspiró en la ciudad. "No hay nada pastoral en ello", dijo Albarn, "es muy urbano". The magic whip también marcó el regreso de Coxon, ausente en todas las canciones menos en una de Think tank, y Stephen Street, el productor de Blur durante la era britpop. Tras su lanzamiento, el disco fue recibido con aplausos tanto por la prensa musical como por los principales medios de comunicación. Otorgando al álbum un total de 5 estrellas, The Daily Telegraph llamó a The magic whip"un regreso triunfal que conserva la identidad central de la banda al tiempo que permite que las ideas que habían fermentado por separado durante la última década infundan su sonido con nuevas combinaciones de sabores maduros y peculiares". NME estuvo de acuerdo, diciendo que Blur era "una banda reunida que hacía música para rivalizar con sus mejores trabajos". También fue un éxito comercial, convirtiéndose en el sexto LP de Blur consecutivo desde Parklife (1994) en encabezar las listas británicas. The Guardian también señaló que a veces durante su primera semana de lanzamiento, The magic whip vendió "más que el resto de los cinco primeros combinados". Ese mes de diciembre New World Towers, un documental sobre el proceso de grabación de The magic whip, fue lanzado en teatros británicos selectos.

En marzo de 2015, los integrantes de la banda interpretaron en petit comité (un grupo de 300 personas aproximadamente, seleccionados mediante concurso, cuya participación estuvo abierta a todos aquellos que habían adquirido su entrada para el concierto en Hyde Park previsto para el siguiente mes de junio) y en directo las 12 canciones del nuevo álbum, teniendo como localización un club del oeste de Londres, cuya ubicación exacta se mantuvo en secreto. La presentación terminó con Trouble in the Message Centre, una canción del álbum Parklife que no había sido interpretada durente 20 años por la banda. Días después, el evento fue transmitido por Youtube al público en general, vía stream de una sola vez.

Blur ha estado en pausa una vez más desde la gira mundial de 2015 de promoción de The magic whip. En 2018, Albarn dijo que una reunión de Blur"siempre es una posibilidad", y confesó que "odiaría pensar que nunca volvería a tocar con esos músicos".

La banda se reunió brevemente en marzo de 2019 para una actuación sorpresa en un evento de Africa Express organizado por Albarn en Londres.

Fuentes: https://en.wikipedia.org, https://es.wikipedia.org, https://www.allmusic.com, https://guilletek.com, https://www.alohacriticon.com, https://los40.com, http://fansblur.blogspot.com, https://www.lahiguera.net, https://www.historiasderock.com, https://www.buenamusica.com, https://vuestraradio.foroactivo.com, https://musicianguide.com, https://www.todomusica.org, https://www.rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas

BLUR

She's so high, Bang, Repetition, Sing, There's no other way, Come together, Wear me down (Leisure)

For tomorrow, Advert, Star shaped, Chemical world, Sunday Sunday, Oily water, Turn it up (Modern life is rubbish)

Girls & boys, Tracy Jacks, End of a century, Parklife, To the end, London loves, Trouble in the message centre, Jubilee, This is a low (Parklife)

Inertia, Threadneedle Street, Theme from an imaginary film (The Special Collectors edition)

Stereotypes, Country house, Charmless man, Iop man, The Universal, It could be you, Entertain me (The great escape)

Beetlebum, Song 2, M.O.R., On your own, You're so great, Movin' on, Essex dogs (Blur)

Movin' on (William Orbit mix), On your own (Crouch End Broadway mix), Beetlebum (Moby's mix), Death of a party (Billy Whiskers mix), Theme from Retro (John McEntire's mix) (Bustin' + Dronin')

Tender, Bugman, Coffee & TV, B.L.U.R.E.M.I., Battle, Trailerpark, Caramel, No distance left to run (13)

Music is my radar (Blur: The best of)

Ambulance, Out of time, Crazy beat, Good song, On the way to the club, Caravan, Sweet song, Battery in your leg (Think tank)

Popscene (Midlife: A beginner's guide to Blur)

Lonesome Street, New world towers, Go out, I broadcast, My terracotta heart, There are too many of us, Ghost ship, Pyongyang, Ong ong (The magic whip)

GRAHAM COXON

Where'd you go, R U lonely?, I wish, Me you, we two (The sky is too high)

Jamie Thomas, Fags and failure, Leave me alone, Oochy woochy, That's when I reach for my revolver (The golden D)

Empty word, Burn it down, Too uptight, Big bird, Thank God for the rain, You never will be (Crow sit on blood tree)

Bitter tears, Escape song, Baby, you're outta your mind, Just be mine (The kiss of morning)

Spectacular, No good time, Bittersweet bundle of misery, All over me, Freakin' out, Are you ready? (Happiness in magazines)

Standing on my own again, I can't look at your skin, Don't let your man know, You & I, Tell it like it is, Flights to the sea, You always let me down, See a better day (Love travels at illegal speeds)

Look into the light, In the morning, If you want me, Brave the storm, Dead bees, Sorrow's army, Home (The spinning top)

Advice, City hall, What'll it take, The truth, Seven naked valleys, Running for your life, Ooh, yeh yeh (A+E)

Walking all day, Angry me, In my room, Bus stop, Saturday night, Lucifer's behind me, Sleuth, There's something in the way that you cry (The end of the f***ing world -Original songs and score)

Down to the sea, Dining room stand-off, Beautiful bad, I'll race you home, She knows, Threw it away, Meaner than the sea, Vale (The end of the f***ing world 2 -Original songs and score)

Skipping stones, Hey little girl, Forever and never, Bloody witch, Fly, Vanilla skin, I'm yours tonight (I am not okay with this -como Bloodwitch; Original songs and score)

What ya gonna do now, This old town (con Paul Weller), Falling (con Luke Daniel) (Otros singles)

WIGWAM (proyecto alternativo de Alex James)

WigWam (WigWam EP)

DAMON ALBARN

Boyd's journey, Let's go kill that bastard, The pit, Manifest destiny, Saveoursoulissa (Ravenous OST -con Michael Nyman)

101 Reykjavik theme, New year #1, Big party, Reykjavik2k (101 Reykjavík OST -con Einar Örn Benediktsson)

Bamako City, Makelekele, The Djembe, Niger, Sunset coming on (Mali music -con Afel Bocoum, Toumani Diabaté & Friends)

Five star life, A rappy song (Democrazy EP)

History song, 80's life, Kingdom of doom, Herculean, Green fields, The Good, the Bad & the Queen (The Good, the Bad & the Queen -con Tony Allen, Paul Simonon & Simon Tong)

Monkey's world, The living sea, Heavenly peach banquet, Monkey bee (Journey to the West OST -como Monkey)

Hallo, K-town, We come from the forest, Departure (Kinshasa one two -como DRC Music)

1-2-3-4-5-6, Hey shooter, Lolo, Forward sweep, Follow fashion, Poison, Rotary connection, Manuela (feat. Erykah Badu) (Rocket Juice & the Moon -con Tony Allen & Flea)

The golden dawn, Apple carts, O spirit, animate us, The dancing king (Dr Dee OST)

Fantainfalla Toyi Bolo (Adama Koita), Soubour (Songhoy Blues), Season change (Ghostpoet feat. Doucoura & Damon Albarn), Chanson Denko Tapestry (Yacouba Sissoko Band), Deni Kelen Be Koko (Lobi Traoré Band) (Africa Express presents: Maison des jeunes)

Everyday robots, Lonely press play, Mr. Tembo, The selfish giant, You and me, Hollow ponds, Photographs (you are taking now), Heavy seas of love (Everyday robots)

Merrie Land, Gun to the head, Nineteen seventeen, The great fire, Ribbons, The poison tree (Merrie Land -como The Good, the Bad & the Queen)

The nearer the fountain, more pure the stream flows, Polaris, Particles (The nearer the fountain, more pure the stream flows)

FAT LES (proyecto alternativo de Alex James)

Vindaloo, Naughty Christmas (Goblin in the office), Jerusalem, Who invented fish and cheeps?, The official fit Les Olympic anthem (Singles)

Vídeos:

She's so high y There's no other way, de su primer álbum Leisure:

She's so high - Blur


There's no other way - Blur


Chemical world, del álbum Modern life is rubbish:

Chemical world - Blur


Girls & boys, Parklife, To the end y This is a low, del álbum Parklife:

Girls & boys - Blur


Parklife - Blur


To the end - Blur


This is a low - Blur


Country house, The Universal, Charmless man y Stereotypes, del álbum The great escape:

Country house - Blur


The Universal - Blur


Charmless man - Blur


Stereotypes - Blur


Song 2, Beetlebum y On your own, del álbum Blur:

Song 2 - Blur


Beetlebum - Blur


On your own - Blur


Coffee & TV, Tender y No distance left to run, del álbum 13:

Coffee & TV - Blur


Tender - Blur


No distance left to run - Blur


Out of time y Crazy beat, del álbum Think tank:

Out of time - Blur


Crazy beat - Blur


El single Popscene de 1992, que aparece en el álbum recopilatorio Midlife: A beginner's guide to Blur:

Popscene - Blur


Lonesome street y Go out, del álbum The magic whip:

Lonesome street - Blur


Go out - Blur


De Graham Coxon en solitario, Freakin' out del álbum Happiness in magazines y Standing on my own again del álbum Love travels at illegal speeds:

Freakin' out - Graham Coxon


Standing on my own again - Graham Coxon


De Damon Albarn en solitario, Hollow ponds, Everyday robots y Heavy seas of love del álbum Everyday robots, y Polaris y Particles de su próximo álbum que será lanzado en noviembre de este año The nearer the fountain, more pure the stream flows:

Hollow ponds - Damon Albarn


Everyday robots - Damon Albarn


Heavy seas of love - Damon Albarn


Polaris - Damon Albarn


Particles - Damon Albarn

Gorillaz es una banda virtual inglesa creada en 1998 por el músico Damon Albarn y el artista Jamie Hewlett. La banda consiste principalmente en cuatro miembros animados: 2D (cantante y teclados, británico, con voz de Albarn), Murdoc Niccals (bajista británico), Noodle (guitarra solista japonesa, con voz de Miho Hatori, quien sustituyó a Paula Cracker antes de comenzar a grabar) y Russel Hobbs (batería estadounidense). Su universo ficticio se presenta en vídeos musicales animados, de animación tradicional y animación por computadora, entrevistas y cortos de dibujos animados. En realidad, Albarn es el único contribuyente musical permanente, y la música de Gorillaz a menudo presenta colaboraciones con una amplia gama de artistas destacados. El productor y ejecutivo A&R Remi Kabaka Jr. se convirtió en el productor de la banda en 2016 después de varios años de proporcionar la voz de Russel Hobbs y fue incluido como miembro oficial junto a Albarn y Hewlett en el documental de 2019 Gorillaz: Reject false icons. Su nombre se debe a que sus creadores nacieron, según el calendario chino, en el año del mono.

Con Gorillaz, Albarn se apartó del britpop distintivo de su banda Blur, explorando una variedad de estilos musicales cuyo abanico es amplio y va desde el hip-hop americano más antiguo (Gorillaz ha tomado los ritmos típicos de la música negra de finales de siglo XX y les ha añadido melodías pop), el breakbeat, brit-pop (melodías pegadizas y guitarras poderosas, características de la etapa anterior de Albarn), ambient, música latina, reggae-dub, punk (Gorillaz ha sabido captar algunos momentos de los primeros discos de The Clash) a través de un enfoque "excéntricamente posmoderno". También se han quedado con la rebeldía y el gamberrismo (dos características importantísimas en la imagen y la música del grupo), trip hop y el rock indie, entre otros. Su música es una curiosa mezcla de diferentes estilos de las propuestas más originales de los últimos años, a la que saben añadir toques de ironía y humor negro tanto en sus letras como en sus videoclips. Los personajes de dibujos animados de Hewlett le dieron a Gorillaz una pátina de frivolidad, y esa jovialidad, cuando se combina con un elenco giratorio de grandes colaboradores, equilibró los momentos más oscuros de Albarn.

Según cuentan su historia, Gorillaz fue creado por Murdoc, un auténtico Svengali desdentado procedente de la localidad de Stoke-on-Trent. Aprendió a tocar el bajo por sí mismo, con un enorme deseo de llegar a crear alguna vez su propio grupo. Las cosas empezaron a cambiar cuando conoció al que sería líder del grupo, 2D, en el local Organ Emporium donde trabajaba. 2D es un chico encantador, aunque no demasiado inteligente. Junto a Murdoc y 2D se encuentra Russel, el batería del grupo, un auténtico experto en hip-hop procedente de Estados Unidos. Sólo les faltaba encontrar a un guitarrista. Pusieron un anuncio en la revista NME, por lo que poco después recibieron la visita de un enorme paquete de Federal Express, del que salió como por arte de magia Noodle, una princesa asiática, completando la estructura del grupo.

El álbum debut de la banda de 2001, Gorillaz, que contó con dub e influencias latinas, fue triple platino en Reino Unido y doble platino en Europa, con ventas impulsadas por el éxito del primer single del álbum Clint Eastwood. Su segundo álbum de estudio, Demon days (2005), fue seis veces platino en Reino Unido y doble platino en Estados Unidos, y generó el exitoso primer single Feel good Inc.

El tercer álbum de la banda, Plastic Beach (2010), presentó temas ambientalistas, un enfoque electropop y una lista ampliada de artistas destacados. Su cuarto álbum, The fall (2010), fue grabado en la carretera durante el Escape to Plastic Beach Tour y lanzado en diciembre de 2010. El quinto álbum de la banda, Humanz, fue lanzado después de una pausa de siete años en abril de 2017. Su sexto álbum, The now now (2018), contó con una producción austera y un mayor enfoque musical en Albarn. El último proyecto de Gorillaz es Song machine, una serie web basada en música con episodios que consisten en singles independientes y vídeos musicales que lo acompañan con diferentes invitados en cada episodio, dando como resultado su séptimo álbum, Song machine, Season one: Strange timez (2020).

Gorillaz se ha presentado en vivo en una variedad de maneras diferentes a lo largo de la historia de la banda, como ocultar la banda en vivo de la vista de la audiencia en los primeros años del proyecto, proyectar a los miembros animados de la banda en el escenario a través de gráficos por ordenador como hologramas, y giras tradicionales en vivo con una banda en vivo totalmente visible. La banda ha vendido más de 24 millones de discos en todo el mundo y son citados por Guinness World Records como la "Banda virtual más exitosa" del mundo. Han ganado un premio Grammy, dos MTV Video Music Awards, un NME Award y tres MTV Europe Music Awards. También han sido nominados para 11 Brit Awards y ganaron el premio de Mejor grupo británico en los Brit Awards 2018.

El músico Damon Albarn y el artista de cómics Jamie Hewlett se conocieron en 1990 cuando el guitarrista Graham Coxon, fan del trabajo de Hewlett, le pidió que entrevistara a Blur, que Albarn y Coxon habían formado recientemente. La entrevista fue publicada en la revista Deadline, hogar de la tira cómica Tank girl de Hewlett. Hewlett inicialmente pensó que Albarn era "malhumorado, un gilipollas;" y a pesar de convertirse en conocidos de la banda, a menudo no se llevaban bien, especialmente después de que Hewlett comenzó a ver a la ex-novia de Coxon, Jane Olliver. A pesar de esto, Albarn y Hewlett comenzaron a compartir un piso en Westbourne Grove en Londres en 1997. Hewlett había roto recientemente con Olliver y Albarn estaba al final de su relación altamente publicitada con Justine Frischmann de Elastica.

La idea de crear Gorillaz surgió cuando Albarn y Hewlett estaban viendo MTV. Hewlett dijo: "Si ves MTV durante demasiado tiempo, es un poco como el infierno, no hay nada sustancial allí. Así que tuvimos esta idea para una banda virtual, algo que sería una opinión sobre eso". Albarn recordó la idea de manera similar, diciendo: "Éste fue el comienzo del tipo de explosión de boy band ... y simplemente se sentía tan fabricado. Y estábamos como, bueno, hagamos una banda fabricada, pero hagámosla interesante". La banda originalmente se identificó como "Gorilla" y la primera canción que grabaron fue Ghost train, que más tarde fue lanzada como cara B en su single Rock the house.

Aunque no fue lanzado bajo el nombre de Gorillaz, Albarn ha dicho que "una de las primeras canciones de Gorillaz" fue el single de Blur de 1997 On your own, que fue incluido en su quinto álbum de estudio Blur.

De 1998 a 2000, Albarn grabó para el álbum debut homónimo de Gorillaz en su recién inaugurado Studio 13 en Londres, así como en Geejam Studios en Jamaica. Las sesiones resultaron en el primer lanzamiento de la banda, el EP Tomorrow comes today, lanzado en noviembre de 2000. Este EP consistió principalmente en canciones que más tarde aparecieron en el álbum, y también incluyó el primer vídeo musical de la banda para Tomorrow comes today, que presentó a los miembros virtuales de la banda por primera vez. Fue muy bien recibido en la escena musical underground de Reino Unido y generó mucha publicidad de boca a boca, así como un gran manto de misterio sobre quién estaba detrás de Gorillaz y qué se podía esperar de la banda en los próximos meses. Los medios de promoción distribuyeron un folleto promocional para promocionar la historia de fondo ficticia detrás de la banda de dibujos animados.

Con Gorillaz, Albarn comenzó a ramificarse en otros géneros que no había explorado con Blur, como el hip-hop, el dub y la música latina, un proceso que describió como liberador: "Una de las razones por las que comencé Gorillaz es que tenía muchos ritmos que nunca pensé que podría usar con Blur. Muchas de esas cosas nunca parecieron manifestarse en la música que hicimos juntos como Blur". Albarn originalmente comenzó a trabajar en el álbum por sí mismo, sin embargo, finalmente invitó al productor estadounidense de hip-hop Dan "the Automator" Nakamura a servir como productor en el álbum, explicando que "llamé a Dan the Automator después de haber hecho más de la mitad de él y creí que se beneficiaría de tener el enfoque de otra persona. Así que simplemente lo llamé y le pregunté si estaba interesado en ayudarme a terminarlo". Nakamura y Albarn habían colaborado recientemente en Deltron 3030, el álbum debut del supergrupo de hip-hop del mismo nombre con el rapero Del the Funky Homosapien y DJ Kid Koala, a los cuales Nakamura reclutó para ayudar a terminar el material de Gorillaz. Del apareció en dos canciones del álbum, incluyendo el primer single Clint Eastwood, mientras que Kid Koala contribuyó con scratching en varias canciones. El álbum contó con colaboraciones adicionales con Ibrahim Ferrer de Buena Vista Social Club, Miho Hatori de Cibo Matto y Tina Weymouth de Talking Heads y Tom Tom Club, representando un patrón de colaboración con una amplia gama de artistas que más tarde se convirtió en un elemento básico de Gorillaz como proyecto.

Los responsables de promocionar el lanzamiento de su primer larga duración realizaron The Apex Tapes, un CD promocional de entrevistas que publicó Parlophone en marzo de 2001 que estaba formado por 73 cortes, donde cada uno respondía a una pregunta realizada a los miembros del grupo durante la entrevista. Gorillaz fue lanzado en marzo de 2001 y fue un gran éxito comercial, debutando en el número 3 en el UK Albums Chart y en el 14 en el Billboard 200 de Estados Unidos, llegando a vender más de 7 millones de copias en todo el mundo, impulsado por el éxito del single Clint Eastwood, que alcanzó el puesto 4 en Reino Unido. Fue producido por Dan the Automator y originalmente incluyó a Phi Life Cypher, aunque la versión que aparece en el álbum incluye al rapero Del the Funky Homosapien, quien hace en el álbum el papel del fantasma que vive dentro del baterista Russel Hobbs. El álbum fue promocionado con los singles Clint Eastwood, 19-2000 y Rock the house, además del previamente lanzado Tomorrow comes today, con cada single acompañado de un vídeo musical dirigido por Hewlett protagonizado por los miembros virtuales de la banda. Hewlett también dirigió el diseño del sitio web de la banda, que se presentó como un recorrido interactivo por la casa ficticia de la banda, "Kong Studios" y el estudio de grabación, con juegos interactivos y elementos de exploración. Cada miembro tenía su propia habitación y también había un vestíbulo, lavabo y el estudio de grabación. Los fans crearon una web en Wayback Machine alternativa para mostrar la información de la banda, noticias, discografía y agenda de acontecimientos.

Después del lanzamiento del álbum, la banda se embarcó en una breve gira por Europa, Japón y Estados Unidos para promocionar el álbum, en la que una banda en vivo con Albarn tocó completamente oscurecida detrás de una pantalla gigante en la que se proyectaron las imágenes de acompañamiento de Hewlett. Los actores que daban voz a los miembros de la banda virtual también estuvieron presentes en algunos shows y hablaron en vivo a la audiencia para dar la impresión de que la banda ficticia estaba presente en el escenario. En entrevistas posteriores, Albarn describió la primera gira de la banda como difícil debido a las limitaciones impuestas por la banda tocando detrás de una pantalla: "Para alguien que acababa de pasar los últimos diez años al frente siendo un líder [con Blur], fue una experiencia realmente extraña. Y tengo que decir que algunas noches solo quería sacar un cuchillo y simplemente cortar [la pantalla] y meter la cabeza". El álbum fue seguido por la recopilación de caras B G-sides lanzada en diciembre de 2001.

En diciembre de 2001, la banda lanzó el single 911, una colaboración con el grupo de hip hop D12 (sin Eminem) y el cantante Terry Hall de The Specials sobre los ataques del 11 de septiembre. En los Brit Awards de 2002, los miembros virtuales de Gorillaz"actuaron" por primera vez, apareciendo en animación 3D en cuatro pantallas grandes junto con el acompañamiento de rap de Phi Life Cypher, una producción cuya creación supuestamente costó 300 mil libras. La banda fue nominada para cuatro Brit Awards, incluyendo Mejor grupo británico, Mejor álbum británico y Mejor grupo innovador británico, pero no ganó ningún premio.

En julio de 2002, un álbum de remezclas titulado Laika come home fue lanzado, conteniendo la mayoría de las canciones de Gorillaz remezcladas en estilo dub y reggae por el grupo de DJ Spacemonkeyz. En noviembre de 2002, la banda lanzó el DVD Phase one: Celebrity take down, que contenía todo el contenido visual de la banda hasta ese momento junto con otros extras.

Después del éxito del álbum debut, Albarn y Hewlett exploraron brevemente la posibilidad de crear una película teatral de Gorillaz, pero Hewlett afirmó que el dúo más tarde perdió interés: "Perdimos todo interés en hacerlo tan pronto como comenzamos a reunirnos con los estudios y hablar con esos tipos ejecutivos de Hollywood, simplemente no estábamos en la misma sintonía. Dijimos, que se jodan, nos sentaremos sobre la idea hasta que podamos hacerlo nosotros mismos, y tal vez incluso recaudar el dinero nosotros mismos".

Albarn pasó la mayor parte de 2003 de gira con Blur en apoyo de su recién lanzado álbum Think tank; sin embargo, al finalizar la gira, decidió regresar a Gorillaz, reuniéndose con Hewlett para prepararse para un segundo álbum. Hewlett explicó que el dúo eligió continuar Gorillaz para demostrar que el proyecto no era "un truco": "Si lo haces de nuevo, ya no es un truco, y si funciona, entonces hemos demostrado algo". En diciembre de 2004, la web oficial de la banda se reabrió para añadir el videoclip exclusivo Rock it. Seguidamente anunciaron la realización de un nuevo álbum con la producción de Danger Mouse. También organizaron un concurso de talentos llamado Search for a star, en el cual permitían a los fans enviar videoclips de un minuto, audios o imágenes. El premio era la colaboración con la banda para crear la canción y el vídeo de El mañana, y la adición de una habitación propia en la renovada web de Kong Studios. Demon days, lanzado en mayo de 2005, fue otro gran éxito comercial, debutando en el número 1 en las listas de álbumes de Reino Unido y número 6 en el Billboard 200 de Estados Unidos, y desde entonces ha sido seis veces platino en Reino Unido, doble platino en Estados Unidos, y triple platino en Australia, superando las ventas del primer álbum y convirtiéndose en el álbum más exitoso de la banda hasta la fecha. El éxito del álbum fue parcialmente impulsado por el éxito del primer single Feel good Inc. con el grupo de hip-hop De La Soul, que encabezó la lista Billboard alternative songs en Estados Unidos durante ocho semanas consecutivas y apareció en un comercial para el iPod de Apple. El álbum también fue apoyado por los singles posteriores Dare (con la presencia de Shaun Ryder de Happy Mondays y Rosie Wilson en la voz), Dirty Harry (disco-funk con coros infantiles y rap), y la doble cara A Kids with guns (con la colaboración vocal de Neneh Cherry)/El mañana. Dirty Harry, en su primera semana llegó al puesto número 6, y su lanzamiento nuevamente el álbum dentro de la lista de los Top 10.

Demon days encontró a la banda tomando un tono más oscuro, parcialmente influenciado por un viaje en tren que Albarn había hecho con su familia a través de la empobrecida China rural. Albarn describió el álbum como un álbum conceptual: "Todo el álbum cuenta la historia de una noche, en la que permanece despierto durante toda ella, pero también es una alegoría. Es en lo que estamos viviendo básicamente, el mundo en un estado de noche". Estimando que el álbum necesitaba "un enfoque ligeramente diferente" en comparación con el primer álbum, Albarn reclutó al productor estadounidense Brian Burton, más conocido por su nombre artístico Danger Mouse, para producir el álbum, a quien Albarn elogió como "uno de los mejores productores jóvenes del mundo" tras escuchar su álbum mashup de 2004 The grey album. Burton consideró que él y Albarn tenían un alto grado de afinidad entre sí, declarando en una entrevista sobre la creación del álbum: "Nunca tuvimos ninguna discusión. Incluso tenemos esa afición de terminar las frases de los demás. Hay muchas similares influencias entre nosotros, como Ennio Morricone y el pop-rock psicodélico, pero él tiene una ventaja de diez años sobre mí, así que tengo que ponerme al día. Donde él puede enseñarme sobre la new wave y el punk de finales de los años 70/principios de los 80, yo puedo enseñarle sobre un montón de hip-hop. Somos muy competitivos y nos empujamos unos a otros". De manera similar al primer álbum, Demon days cuenta con colaboraciones con varios artistas diferentes, incluyendo Bootie Brown, Shaun Ryder, Ike Turner, MF Doom (que estaba grabando con Danger Mouse como Danger Doom en ese momento) y Martina Topley-Bird, entre otros. We are the Duryés fue el segundo CD promocional de entrevistas que enviaron Gorillaz a los miembros de la prensa entre abril y mayo de 2005 para promocionar el lanzamiento del segundo álbum del grupo, Demon days. En total estaba formado por 29 cortes, donde cada uno respondía a una pregunta realizada a los miembros del grupo en una entrevista. Este disco fue diferente del primero que realizaron, The Apex tapes, porque era más profundo y discursivo. También hablaron del fracaso que sufrieron en la producción de una película sobre ellos mismos, sobre el año y medio que estuvieron descansando y sobre su nuevo álbum de estudio.

La banda optó por renunciar a las giras tradicionales en vivo en apoyo de Demon days, en lugar de limitar la actuación en vivo durante el ciclo del álbum a una residencia de cinco noches en noviembre de 2005 en la Ópera de Manchester anunciada como Demon Days Live. Los conciertos vieron a la banda interpretando el álbum en su totalidad cada noche con la mayoría de los artistas destacados del álbum presentes. A diferencia de la gira del álbum debut, la banda en vivo era visible en el escenario a la vista de la audiencia, pero oscurecida por la iluminación de tal manera que solo sus siluetas eran visibles, con una pantalla sobre la banda que mostraba las imágenes de Hewlett junto a cada canción. La residencia se repitió más tarde en abril de 2006 en el Teatro Apollo de Nueva York y las actuaciones de Manchester se lanzaron más tarde en DVD como Demon days: Live at the Manchester Opera House.

Los miembros virtuales de Gorillaz"actuaron" en los MTV Europe Music Awards de 2005 en noviembre de 2005, donde Gorillaz ganó dos premios por Feel good Inc., incluyendo el premio por Vídeo revelación, y de nuevo en la 48ª entrega anual de los Premios Grammy en febrero de 2006, apareciendo para actuar en el escenario a través de la tecnología Musion Eyeliner. Albarn más tarde expresó su decepción por la ejecución de la actuación, citando el bajo nivel de volumen requerido para no perturbar la tecnología: "Eso fue difícil ... Empezaron y fue tan tranquilo porque tienen esa pieza de película que tienes que tirar sobre el escenario para que cualquier frecuencia de graves simplemente estropee la ilusión por completo". En los Grammy, la banda ganó el premio de Mejor colaboración pop con voces por Feel good Inc., que también fue nominada a Grabación del año. Albarn y Hewlett exploraron la idea de producir una "gira holográfica en vivo" completa con los Gorillaz virtuales apareciendo en el escenario con la tecnología Munsion Eyeliner después de la presentación de los Grammy, pero la gira finalmente nunca se realizó debido a los tremendos gastos y problemas logísticos que habrían resultado.

En octubre de 2006, la banda lanzó el libro Rise of the ogre. Presentado como una autobiografía de la banda ostensiblemente escrita por los miembros ficticios de la banda y expandiendo la historia de fondo ficticia y el universo de la banda, el libro fue escrito por el guionista oficial de Gorillaz y baterista en vivo Cass Browne, y contó con nuevas ilustraciones de Hewlett. Más tarde el mismo mes, la banda lanzó otro DVD, Phase two: Slowboat to Hades, recopilando gran parte del contenido visual de la banda del ciclo del álbum. Una segunda recopilación de caras B, D-sides fue lanzada en noviembre de 2007, con caras B y remixes asociados con Demon days, así como canciones inéditas de las sesiones para el álbum. A fines de 2010 Cass Browne, guionista y baterista de la banda, anunció que estaban pensando lanzar un libro que continuaría todo desde 2007 a la actualidad llamado The sinking of Plastic Beach que contaría con entrevistas a la banda, imágenes y explicando misterios del surgimiento de la isla plástica. El mismo fue solamente un proyecto inconcluso que por falta de recursos no logró terminarse.

Las esperanzas de la producción de una película sobre Gorillaz reaparecieron durante 2006 después de una entrevista a Hewlett, en la cual comentaba que habían llegado a un acuerdo con The Weinstein Company y también habían convencido a Terry Gilliam para que colaborase. Los creadores de Gorillaz confirmaron que la banda sonora de la película sería el tercer álbum del grupo. Cass Browne acabó el guión en abril de 2007 e indicó que la producción comenzaría en septiembre. Hasta febrero de 2008 no se volvió a saber nada sobre la película, pero Hewlett declaró en una entrevista que no acababan de estar seguros de realizar este tipo de película, aunque no descartaban llevarlo a término en otro momento.

El siguiente proyecto de Albarn y Hewlett juntos fue la ópera Monkey: Journey to the West, basada en la novela clásica china Journey to the West, que se estrenó en el Festival Internacional de Manchester de 2007. Si bien no es oficialmente un proyecto de Gorillaz, Albarn mencionó en una entrevista que el proyecto era "Gorillaz, realmente, pero no podemos llamarlo así por razones legales". En octubre de 2007, el fansite oficial de Gorillaz anunció que un documental fílmico sobre Gorillaz, titulado Bananaz, sería lanzado. El filme, dirigido por Ceri Levy, documentaba los siete años anteriores de la banda. La película fue lanzada online a través del sitio web Babelgum en abril de 2009 seguido por el lanzamiento en DVD en junio.

Después de completar el trabajo en Monkey a finales de 2007, Albarn y Hewlett comenzaron a trabajar en un nuevo proyecto de Gorillaz titulado Carousel, descrito por Albarn como tratando sobre "los aspectos místicos de Gran Bretaña". Hewlett describió Carousel en una entrevista de 2008 como "aún más grande y más difícil que Monkey ... Es como una película, pero no con una historia narrativa. Hay muchas historias, contadas en torno a una historia más grande, con música y hechas en acción en vivo, animación, todos los estilos diferentes. Originalmente era una película, pero ahora creemos que es una película y es una cosa de teatro también. Damon ha escrito alrededor de 70 canciones para él, y tengo grandes planes para las imágenes". El concepto de Carrusel fue finalmente abandonado con el trabajo de Albarn y Hewlett evolucionando en el tercer álbum de estudio de Gorillaz, Plastic Beach.

Basándose en temas ambientalistas, Plastic Beach se inspiró en la idea de una "isla flotante secreta en lo profundo del Pacífico Sur ... compuesto por los detritus, escombros y restos arrastrados de la humanidad" inspirados en la contaminación marina como el plástico que Albarn había encontrado en una playa cerca de una de sus casas en Devon, así como el parche de basura del Gran Pacífico. El grupo creó un nuevo mundo interactivo en su web oficial, representando una isla con diversas playas y la casa donde estaba el estudio de grabación. Hewlett aprovechó para redibujar los diferentes miembros de la banda para marcar el paso del tiempo en los personajes. A diferencia de los álbumes anteriores de Gorillaz, Albarn tomó la decisión de producir Plastic Beach por sí mismo, sin coproductor. El álbum fue grabado a lo largo de 2008 y 2009 en Londres, Nueva York y Siria, aunque la producción del álbum se interrumpió brevemente para que Albarn pudiera unirse a Blur para una gira de reunión en el verano de 2009, con Albarn explicando que "no hay manera de que puedas hacer eso y aquello [Blur y Gorillaz] al mismo tiempo". Plastic Beach vio a Gorillaz moverse hacia un sonido pop más electrónico, con Albarn describiendo el álbum como "el disco más pop que he hecho" y diciendo que tuvo especial cuidado de hacer que las letras y melodías del álbum sean claras y enfocadas en comparación con los álbumes anteriores”. Plastic Beach también contó con el elenco más grande de colaboradores que han aparecido hasta ahora en un álbum de Gorillaz, cumpliendo el objetivo de Albarn de "trabajar con un increíblemente ecléctico y sorprendente elenco de personas", incluyendo artistas como Snoop Dogg, Mos Def, Bobby Womack, Mark E. Smith, Paul Simonon, Mick Jones, De La Soul, Little Dragon, Lou Reed y Gruff Rhys entre otros, y también incluyó contribuciones orquestales de Sinfonía Viva y la Orquesta Sinfónica Nacional Libanesa. Albarn explicó que la lista ampliada de artistas destacados representaba su nueva visión y la de Hewlett de Gorillaz como un proyecto, explicando en una entrevista de julio de 2008 que "Gorillaz ahora para nosotros ya no es como cuatro personajes animados, es más como una organización de personas que hacen nuevos proyectos ... Ese es mi modelo ideal".

Lanzado en marzo de 2010, Plastic Beach debutó en el número 2 tanto en el UK Albums Chart como en el Billboard 200 de Estados Unidos, la posición debut más alta de la banda. El álbum fue apoyado por el primer single Stylo con Mos Def y Bobby Womack lanzado en enero de 2010 y los últimos singles On melancholy hill y Rhinestone eyes. Para promocionar el álbum, la banda se embarcó en el Escape to Plastic Beach Tour, la primera gira mundial de la banda y también sus primeras presentaciones en vivo en las que la banda en vivo actuó completamente a la vista de la audiencia en el escenario sin obstrucciones visuales. La gira, que contó con muchos de los artistas colaborativos de Plastic Beach y vio a la banda en vivo con atuendos navales, fue descrita más tarde por Albarn como extremadamente costosa de producir, con la banda apenas irrumpiendo incluso en los shows, diciendo "Me encantó hacerlo, pero económicamente fue un jodido desastre". La gira fue precedida por actuaciones como cabezas de cartel en varios festivales internacionales de música, incluidos los festivales de Coachella y Glastonbury. En noviembre de 2010, mientras aún estaba de gira, la banda lanzó el single Doncamatic con la cantante británica Daley.

En octubre de 2010, Albarn anunció a los medios que no permitiría al reparto de Glee hacer sus propias versiones de las canciones de Gorillaz, diciendo que la música en la serie del canal Fox era un "muy pésimo sustituto para lo verdadero". Esta declaración causó que la gente creyera que los productores de Glee se habían acercado a Gorillaz para permitir que les prestaran sus canciones para la serie, lo cual no sucedió. Albarn respondió a la confusión con una risa y dijo "y ahora definitivamente no lo harán."

Durante la etapa norteamericana de la gira Escape to Plastic Beach en el otoño de 2010, Albarn continuó grabando canciones de Gorillaz completamente en su iPad. Las grabaciones fueron lanzadas más tarde como el álbum The fall, lanzado por primera vez digitalmente el día de Navidad de 2010, anticipado el día anterior por el vídeo de Phoner to Arizona, lanzado en el sitio oficial de Gorillaz gratuitamente, y más tarde se le dio un lanzamiento físico en abril de 2011. Albarn dijo que el álbum sirvió como un diario de la etapa estadounidense de la gira, explicando que las canciones se presentaron exactamente como estaban el día en que fueron escritas y grabadas sin producción adicional u overdubs: "Literalmente lo hice en la carretera. No lo escribí antes, no lo preparé. Simplemente lo hice día a día como una especie de diario de mi experiencia en Estados Unidos. Si lo hubiera dejado hasta el Año Nuevo para lanzarlo, entonces los cínicos por ahí dirían: 'Bueno, ha sido manipulado', pero si lo saco ahora sabrían que no he hecho nada porque he estado de gira desde entonces". La banda más tarde lanzó una "edición Gorillaz" de la aplicación de producción musical Korg iElectribe para iPad y omincord, con la colaboración del rapero Pharrell Williams, con muchas de las mismas muestras y sonidos utilizados por Albarn para crear The fall. En abril de 2011 se lanzó el single Revolving doors, extraído de The fall. En octubre de 2011, Gorillaz anunció la aparición de su primera recopilación de grandes éxitos llamada The singles collection: 2001−2011 para noviembre del mismo año.

En febrero de 2012, Gorillaz lanzó DoYaThing, un single para promover una colección de zapatos Converse de la marca Gorillaz que fueron lanzados poco después. La canción fue parte del proyecto Three Artists, One Song de Converse, con los dos colaboradores adicionales James Murphy de LCD Soundsystem y André 3000 de Outkast. Dos ediciones diferentes de la canción fueron lanzadas: una edición de radio de cuatro minutos y medio lanzada en el sitio web de Converse, y la versión completa de 13 minutos de la canción lanzada en el sitio web de Gorillaz. Hewlett regresó para dirigir el vídeo musical del single, con versiones animadas ficticias de Murphy y André interactuando con los miembros virtuales de la banda Gorillaz. La canción recibió críticas positivas de los críticos, con elogios particulares a las contribuciones de André 3000 a la canción.

En abril de 2012, Albarn declaró a The Guardian que él y Hewlett se habían separado y que los futuros proyectos de Gorillaz eran "poco probables". La tensión entre los dos había estado aumentando, en parte debido a una creencia sostenida por Hewlett de que sus contribuciones a Gorillaz estaban siendo minimizadas. Hablando con The Guardian en abril de 2017, Hewlett explicó: "Damon tenía la mitad de los Clash en el escenario, y Bobby Womack y Mos Def y De La Soul, y los jodidos Hypnotic Brass Ensemble y Bashy y todos los demás. Fue la mejor banda de la historia. Y la pantalla en el escenario detrás de ellos parecía hacerse más pequeña cada día. Yo decía: '¿Tenemos una nueva pantalla?' y el gerente de la gira decía: 'No, es la misma pantalla'. Porque me pareció que la pantalla se estaba haciendo cada vez más pequeña". Albarn dio su versión de la historia en una entrevista separada, diciendo: "Creo que estábamos en un punto final en ese último disco [Plastic Beach], lo cual es una vergüenza. Era una de esas cosas, la música y los vídeos no funcionaban tan bien juntos, pero creí que habíamos hecho un disco realmente bueno y me gustaba". En abril de 2012, en una entrevista con Metro, Albarn era más optimista sobre el futuro de Gorillaz, diciendo que una vez que había resuelto sus diferencias con Hewlett, estaba seguro de que harían otro disco. En junio de 2013, Hewlett confirmó que él y Albarn planeaban algún día continuar con Gorillaz y grabar un álbum de seguimiento de Plastic Beach, diciendo "Volveremos a él cuando sea el momento adecuado".

Tras el lanzamiento de DoYaThing y la publicitación de las desavenencias entre Albarn y Hewlett en 2012, Gorillaz entró en un paréntesis de varios años. Durante el paréntesis, Albarn lanzó un álbum en solitario, Everyday robots, compuso producciones teatrales y continuó grabando y de gira con Blur, mientras Hewlett realizó exposiciones de arte e intentó crear un proyecto cinematográfico que finalmente nunca se realizó. Mientras estaba de gira de promoción de Everyday robots en 2014, Albarn señaló su idea de regresar a Gorillaz, declarando a The National Post que "no me importaría hacer otro intento de hacer en un disco de Gorillaz". Dos meses más tarde informó que había "estado escribiendo bastantes canciones en la carretera para Gorillaz". y a finales de 2014 confirmó en una entrevista con The Sydney Morning Herald que estaba planeando grabar otro álbum de Gorillaz. Hablando sobre su relación con Hewlett, Albarn dijo que las desavenencias bien publicitadas de la pareja habían ayudado a su relación a largo plazo. Hewlett describió el momento en que él y Albarn acordaron continuar Gorillaz en un afterparty después de uno de los shows en solitario de Albarn en 2014: "Habíamos tomado algo de beber, y él dijo: '¿Quieres hacer otra?' Y yo le dije: '¿Tú?' y él me dijo: '¿Lo haces?' Y yo dije: 'Sí, claro'. Empecé a trabajar en ello de inmediato, aprendiendo a dibujar los personajes de nuevo. Actué sólo durante ocho meses mientras él actuaba con Blur en 2015".

Las sesiones de grabación para el quinto álbum de estudio de la banda, Humanz, comenzaron a finales de 2015 y continuaron hasta 2016, teniendo lugar en Londres, Nueva York, París y Jamaica. Albarn reclutó al productor estadounidense de hip-hop y house Anthony Khan, conocido por su nombre artístico Twilite Tone, para coproducir el álbum. Albarn eligió a Khan de una lista de posibles productores recopilada por Parlophone, el sello discográfico de la banda, después de que Albarn y Khan hablaran a través de Skype. Humanz también fue coproducido por Remi Kabaka Jr., un amigo de Albarn que había trabajado con él en la organización musical sin fines de lucro Africa Express, y también ha sido el actor de voz para el miembro de la banda virtual GorillazRussel Hobbs desde 2000.

Albarn describió la música que escribió para el que sería el próximo disco de Gorillaz como optimista, de buen humor y positiva, indicando que planeaba dar a las canciones "un punto de referencia de 125 latidos por minuto y nada por debajo de eso", mientras que también sugería que una vez más, tendría muchas colaboraciones. Al conceptualizar el álbum, Albarn y Khan imaginaron a Humanz como la banda sonora de "una fiesta para el fin del mundo", con Albarn imaginando específicamente un futuro en el que Donald Trump ganara las elecciones presidenciales de Estados Unidos de 2016 como contexto para la narrativa del álbum (que Trump se convirtiese en presidente todavía se consideraba un evento poco probable en el momento de la grabación), explicando "Usemos eso como una especie de fantasía oscura para este disco, imaginemos la noche en que Donald Trump gana las elecciones y cómo nos vamos a sentir todos esa noche". Khan declaró que "La idea de que Donald Trump fuera presidente nos permitió crear una narrativa juntos. Sugerí que el álbum debería tratar sobre alegría, dolor y urgencia. Ése iba a ser nuestro estado de ánimo antes incluso de tocar un teclado o un MPC. En la música estadounidense, me atrevo a decir que especialmente en la música negra, hay una forma de comunicar la alegría que al mismo tiempo te permite sentir la lucha que la persona ha experimentado. Y la urgencia está ahí porque hay que hacer algo. Así que ése era el mantra. Quería mezclar Damon, un británico, con la alegría, el dolor y la lucha que la música afroamericana puede expresar". Humanz nuevamente contó con un gran elenco de artistas destacados, incluidos Popcaan, Vince Staples, DRAM, Jehnny Beth, Pusha T, Peven Everett, Danny Brown, Noel Gallagher, Grace Jones, Jean-Michel Jarre y Mavis Staples, entre otros. La primera canción del álbum lanzada públicamente fue Hallelujah money con Benjamin Clementine, lanzado en enero de 2017 con un vídeo adjunto con Clementine. Si bien no es un single oficial, Albarn explicó que la banda eligió lanzar la canción el día de la toma de posesión de Trump porque "estaba destinada a ser algo cantado en la inauguración imaginaria de Donald Trump, que resultó ser la inauguración real de Donald Trump, así que la lanzamos porque habíamos imaginado que sucedía y sucedió".

En septiembre de 2016, Gorillaz rediseñaron la web oficial y las cuentas de las diversas redes sociales utilizando una nueva imagen sintetizando una línea de tiempo abreviada en retrospectiva de la historia de Gorillaz de sus lanzamientos desde 2000. En octubre de 2016, Gorillaz inició la publicación de una serie de historias interactivas multimedia que giraban alrededor de las vidas ficticias de cada personaje de Gorillaz de acuerdo a sus perfiles en redes sociales, comenzando con El libro de Noodle (narrando cómo la guitarrista terminó en Japón y localizó a un jefe del crimen demonio), El libro de Russel (narrando cómo el baterista siendo todavía un gigante de acuerdo a la historia de Plastic Beach, emergió de las aguas y varado en las costas de Corea del Norte quedó tan hambriento que se redujo de nuevo a su tamaño normal), El libro de Murdoc (narrando cómo el bajista fue capturado en el mar por el sello discográfico EMI mencionando que estaba haciendo otro álbum), y terminando con El libro de 2D (narrando cómo el vocalista fue tragado por una ballena llamada Massive Dick en la Plastic Beach, y naufragó en las costas de México, en donde para sobrevivir tuvo que comer grasa de la ballena, pero resultó que era solo en una parte inhabitada de Cabo San Lucas). En octubre, Noodle fue presentado como embajador global oficial de la empresa automovilística Jaguar Racing.

Humanz fue lanzado en abril de 2017, el primer nuevo álbum de estudio de la banda en 7 años. Con una "sensibilidad urbana de hip-hop/R&B de sonido moderno", el álbum debutó en el número 2 tanto en las listas de álbumes de Reino Unido como en el Billboard 200 de Estados Unidos. Humanz recibió críticas generalmente positivas de los periodistas musicales, aunque recibió algunas críticas de los fans y críticos musicales por lo que se percibió como una presencia disminuida de Albarn en contraste con la abundancia de artistas destacados. El álbum fue lanzado en ediciones estándar y deluxe, con la edición deluxe con 6 bonus tracks adicionales, y fue promocionado por el primer single Saturnz Barz con Popcaan y el single posterior Strobelite con Peven Everett. El vídeo musical dirigido por Hewlett para Saturnz Barz hizo uso del formato de vídeo de 360 grados de YouTube y, según los informes, costó 800,000 dólares crearlo. También crearon una aplicación de realidad aumentada con la colaboración de la empresa Electronic Beats.

La banda se embarcó en el Humanz Tour para apoyar el álbum desde el verano de 2017 hasta principios de 2018. Al igual que la gira anterior de la banda, el Humanz Tour presentó a la banda en vivo a la vista de la audiencia con una gran pantalla detrás de ellos mostrando imágenes creadas por Hewlett y contó con varios de los diferentes artistas colaborativos de la historia de la banda. La gira fue precedida varios espectáculos de calentamiento europeos, incluido el primer Festival Demon Dayz celebrado en junio de 2017 en el parque temático Dreamland Margate, un festival de música dirigido por Gorillaz que más tarde se repitió en Los Ángeles en octubre de 2018. A principios de junio de 2017, la banda lanzó el single no incluido en el álbum Sleeping powder con un vídeo musical adjunto, y en noviembre de 2017 una versión Super Deluxe de Humanz, con 14 canciones inéditas adicionales de las sesiones del álbum, incluidas versiones alternativas de canciones lanzadas anteriormente, así como el single Garage Palace con Little Simz.

Albarn continuó grabando mientras estaba en la carretera durante el Humanz Tour, y mencionó en una entrevista con Q Magazine en septiembre de 2017 que estaba planeando lanzar el material como un futuro álbum de Gorillaz. Comparando la producción del álbum con The fall, que también fue grabado mientras la banda estaba de gira, Albarn mencionó que "será un disco más completo que The fall, pero esperemos que tenga esa espontaneidad". Albarn señaló su deseo de completar y lanzar el álbum rápidamente, y agregó que "realmente me gusta la idea de hacer nueva música y tocarla en vivo casi simultáneamente" y "si vamos a hacer más Gorillaz, no queremos esperar siete años porque, ya sabes, ahora estamos un poco bien”. La banda más tarde debutó una nueva canción, Idaho, que más tarde se incluyó en el álbum, en un concierto en Seattle en septiembre de 2017 con Albarn diciendo que había sido escrita en los días anteriores.

Durante un descanso en el Humanz Tour en febrero de 2018, Albarn regresó a Londres, donde trabajó con el productor James Ford, conocido por su trabajo con Arctic Monkeys y Florence and The Machine, y Kabaka Jr. para terminar el material recién escrito, lo que resultó en el sexto álbum de estudio de la banda The now now lanzado en junio de 2018. Con "canciones simples, en su mayoría optimistas" e influencias de la new wave de la década de 1980, el álbum se destacó por su lista claramente pequeña de artistas destacados en comparación con el trabajo anterior de Gorillaz, con solo dos canciones con artistas externos (el primer single del álbum Humility con George Benson y Hollywood con Snoop Dogg y Jamie Principle). Albarn mencionó que el escaso número de artistas destacados se debió en parte a la rápida producción del álbum, que a su vez fue el resultado de que Albarn quería terminar el álbum antes de que se reanudara el calendario de giras de la banda: "Hemos tenido mucha suerte de que nos ofrecieran todos los festivales de este año al finalizar el último disco [Humanz]... pero no quería hacer eso a menos que tuviera algo nuevo con lo que trabajar, así que la única opción era hacer otro disco muy rápido y no tener muchos invitados en él, porque eso lleva mucho tiempo organizarlo; simplemente lo hice todo yo mismo, de verdad". Albarn también explicó que con The now now buscó hacer un álbum de Gorillaz"donde estoy sólo cantando por primera vez" y que el álbum es "más o menos sólo yo cantando, muy parecido al mundo de 2D".

En la historia ficticia de Gorillaz, la banda introdujo a Ace de la serie animada de Cartoon Network, The Powerpuff Girls, como bajista temporal de la banda durante el ciclo del álbum The now now, reemplazando al encarcelado Murdoc Niccals. Explicando esta aparición en una entrevista con la BBC, Albarn dijo: "Éramos fans masivos de The Powerpuff Girls cuando salieron, la energía de esa caricatura era realmente genial, y conocemos al creador de la misma (Craig McCracken). Fue algo muy orgánico". En septiembre, Murdoc escapó de la cárcel y regresó a Gorillaz.

Las fechas en vivo restantes de la banda en 2018 fueron anunciadas como The Now Now Tour para apoyar el álbum, e incluyeron una actuación en Tokio en junio de 2018 anunciada como The Now Now World Premiere, en la que la banda tocó el álbum completo en vivo por primera y única vez, una actuación que más tarde fue transmitida por Boiler Room. En diciembre de 2019, el documental Gorillaz: reject false icons se proyectó en todo el mundo en un estreno teatral de un día. Filmado y dirigido por el hijo de Hewlett, Denholm, el documental muestra una mirada detrás de las escenas de la producción de Humanz y The now now, así como las giras asociadas del álbum. Una semana después del estreno de la película en cines, una versión de Director's Cut de la película con imágenes adicionales fue lanzada en el canal oficial de YouTube de Gorillaz en tres partes. En los créditos de Reject false icons, Kabaka Jr. fue listado como miembro oficial de la banda (etiquetado como "A&R/Producer") junto a Albarn y Hewlett por primera vez.

En enero de 2020, la banda anunció su nuevo proyecto, Song machine. Evitando el formato típico de lanzamiento de álbum, Song machine es en cambio una serie web que ve a la banda lanzando una nueva canción al mes como "episodios" de la serie, con 11 episodios que se lanzan para comprender la primera "temporada". Profundizando en la idea detrás de Song machine en una entrevista de radio poco después del anuncio del proyecto, Albarn explicó que "ya no nos vemos a nosotros mismos como limitados a hacer álbumes. Ahora podemos hacer episodios y temporadas". Cada episodio presenta a músicos invitados previamente no anunciados en el nuevo material de Gorillaz, siendo el primero Momentary bliss, que fue lanzado a finales de enero y cuenta con el rapero británico Slowthai y el dúo de punk rock Slaves con sede en Kent.

Tras el estreno de Momentary bliss, Albarn reveló que el grupo había estado en el estudio con Schoolboy Q y Sampa the Great entre otros, aunque dijo que estas canciones probablemente se guardarían para futuros episodios de Song machine. El grupo también bromeó con una posible colaboración con la banda australiana Tame Impala en Instagram.

A finales de febrero, la banda lanzó el segundo episodio de Song machine titulado Désolé. La canción cuenta con la cantante maliense Fatoumata Diawara. El tercer episodio, Aries, se estrenó en abril y contó con Peter Hook y Georgia. La cuarta canción How far? con Tony Allen y Skepta fue lanzada a principios de mayo. Esta canción fue lanzada sin un vídeo musical como tributo a Allen, quien murió días antes.

A finales de mayo, Gorillaz anunció el lanzamiento de un nuevo libro titulado Gorillaz Almanac. El libro se editó en tres ediciones: estándar, deluxe y super deluxe, todas las cuales estaba previsto lanzarse en octubre, pero desde entonces se fue retrasando hasta finales de diciembre con un lanzamiento físico de la primera temporada de Song machine incluido con cada copia.

En junio, la banda lanzó Friday 13th, el cuarto episodio de Song machine. La canción cuenta con el rapero franco-británico Octavian. En julio, la banda lanzó Pac-Man, el quinto episodio de Song machine, en honor al 40º aniversario de Pac-Man. La canción presenta al rapero estadounidense Schoolboy Q. En septiembre, la banda lanzó Strange timez, el sexto episodio de Song machine. La canción cuenta con Robert Smith, de The Cure. Gorillaz también anunció el título y la lista de canciones de Song machine, Season one: Strange timez, lanzado en octubre de 2020, con otras apariciones especiales de Elton John, 6lack, JPEGMafia, Kano, Roxani Arias, Moonchild Sanelly y Chai, entre otros. En octubre, la banda lanzó The pink phantom, el séptimo episodio de Song machine. La canción cuenta con Elton John y el rapero estadounidense 6lack.

Antes del lanzamiento de Song machine, Season one: Strange timez, Gorillaz comenzó un programa de radio en Apple Music llamado Song Machine Radio, donde cada personaje virtual tenía un turno para invitar a invitados especiales y reproducir algunas de sus canciones favoritas. A pocos días del lanzamiento de Song machine, Season one: Strange timez, Albarn confirmó que la banda ya tenía una canción para la segunda temporada de Song machine preparada para su lanzamiento, y también mencionó que la segunda parte del proyecto sería lanzada antes de lo esperado.

A principios de noviembre, la banda lanzó The valley of the pagans, el octavo episodio de Song machine. La canción cuenta con el cantante estadounidense Beck. El vídeo musical es algo notorio por ser la primera gran producción de estudio filmada en Grand Theft Auto V, y termina con una referencia al álbum anterior, Plastic beach. Por razones desconocidas, el vídeo musical en el canal oficial de YouTube de Gorillaz se estableció en privado solo unos días después de su estreno inicial. En marzo de 2021, Gorillaz subió una versión alternativa del vídeo musical a su canal oficial de YouTube, que no cuenta con ningún juego de Grand Theft Auto V. A finales de diciembre, la banda lanzó The lost chord, el noveno y último episodio de la primera temporada de Song machine. La canción cuenta con el músico británico Leee John.

En marzo de 2021, la banda celebró el 20º aniversario de su álbum debut con reediciones de su catálogo y tokens no fungibles; debido a su impacto en el cambio climático, este último fue recibido con críticas por varias fuentes y fans, algunos señalando que el grupo contradice los temas ambientales de Plastic Beach. La banda también anunció un boxset, The G collection, que contiene seis de sus álbumes de estudio, excluyendo The fall, para el Record Store Day. Por último, Gorillaz realizó una colaboración con la marca de ropa Fred Perry, en la que se lanzó una nueva línea de ropa con temática de la banda. Actualmente, se espera la segunda temporada de Song machine. Ésta fue confirmada, pero aún no ha comenzado.

Los escritores y críticos han descrito a Gorillaz como art pop, rock alternativo, hip hop, electrónica, trip hop, pop, pop oscuro, hip hop alternativo, rap rock, indie rock, pop de dormitorio, dance-rock, new wave, funk, worldbeat, y rock experimental. El enfoque estético y general de la banda ha sido descrito como posmoderno. Según AllMusic, Gorillaz mezcla britpop y hip-hop, mientras The Guardian describió a la banda como "una especie de híbrido dub/hip-hop/lo-fi indie/world music". Según PopMatters, los primeros trabajos de la banda presagiaban "la fusión de elementos hip-hop, rock y electrónicos en la música pop" que creció en importancia en la siguiente década.

"[Influir] para nosotros, es el mayor logro de Gorillaz. Es que sabemos que un porcentaje muy grande de nuestra audiencia son niños, que visitan gorillaz.com, que visitan gorillaz-unofficial.com, y a través de ver los dibujos animados y escuchar la melodía, compran el disco, están descubriendo estas cosas de las que no sabían nada. Así que están aprendiendo sobre Vlad El Empalador, o Ronald Searle, o The Specials... así que es como una educación. Realmente se meten en ella. Y lo descubren, la música en la que crecimos". - Jamie Hewlett

Las principales influencias musicales de Gorillaz incluyen a Massive Attack, The Specials, Big Audio Dynamite, Public Image Ltd, Tom Tom Club, Fun Boy Three, Unkle, A Tribe Called Quest y De La Soul, así como músicos como Human League, The Kinks, XTC, Simple Minds, Sonic Youth, Pavement, Beck, Wire, Fela Kuti , Sly and The Family Stone, Earth Wind and Fire, Augustus Pablo, Zapp y DJ Kool Herc. Las principales influencias visuales de Gorillaz incluyen a Hanna-Barbera, Looney Tunes, la revista Mad, The Simpsons, 2000 AD, y Métal hurlant (Heavy Metal). Además, Hewlett también ha citado a artistas europeos como Carl Giles, Ronald Searle, Moebius, Tanino Liberatore, Mike McMahon, y Brendan McCarthy. La idea de Gorillaz se inspiró en las muchas bandas de dibujos animados que vinieron antes que ellos en la década de 1960, como los Banana Splits, los Archies, Josie and The Pussycats, y Alvin and The Chipmunks, y bandas reales con personajes ficticios como ABC (circa How to Be a ... Zillionaire!) y Silicon Teens.

Los artistas musicales que han sido influenciados por Gorillaz incluyen a Major Lazer, Dethklok, Rat Boy, Chromeo, Flume, Foster The People, The 1975, 5 Seconds of Summer, Awolnation, Paramore, Grimes, Kesha, A.G. Cook, Finneas, Oliver Tree, Flatbush Zombies, Vic Mensa, IDK, Trippie Redd, the internet, ASAP Rocky, Lupe Fiasco, Brockhampton y Odd Future. Gorillaz también ha influido en series animadas como The Amazing World of Gumball, Glitch Techs, Rise of the Teenage Mutant Ninja Turtles, Motorcity, Tron: Uprising, Teen Titans, y Kipo and the Age of Wonderbeasts, así como videojuegos como Borderlands, Sunset Overdrive, No Straight Roads, Battlefield, y League of Legends.

Gorillaz ha colaborado con varias marcas, incluyendo Motorola, O2, Internet Explorer 9, Converse, y Jaguar Cars. También han aparecido en revistas de moda como Maxim, Nylon y Numéro. El uso de internet y los medios digitales por parte de la banda para la promoción ya en 2000 ha sido destacado en revisiones retrospectivas por adelantarse a su tiempo. La revista Dazed ha resumido el impacto de Gorillaz como grupo que "reinventaron completamente la noción de lo que una banda podría ser".

Fuentes: https://en.wikipedia.org, https://es.wikipedia.org, https://www.alohacriticon.com, https://www.allmusic.com, https://gorillaz.fandom.com, https://ca.wikipedia.org, https://www.coveralia.com, https://www.sinembargo.mx, https://www.last.fm, https://www.buenamusica.com, https://www.uniat.edu.mx, https://www.lahiguera.net, https://aminoapps.com, https://muzikum.eu, https://kubomusical.com, https://www.rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

Tomorrow comes today, Rock the house (Tomorrow comes today EP)

Re-hash, 5/4, Tomorrow comes today, Clint Eastwood (feat. Del The Funky Homosapien), Man research (Claper), Rock the house (feat. Del The Funky Homosapien), 19-2000, Starshine, M1A1 (Gorillaz)

19-2000 (Soulchild remix), Dracula, Rock the house (Radio edit feat. Del The Funky Homosapien), Clint Eastwood (Phi Life Cypher version), Ghost train, Left hand Suzuki method (G-sides)

Jungle fresh, Bañana baby, Come again, A fistful of peanuts, Lil' dub Chefin (Laika come home EP -con Spacemonkeyz)

Last living souls, Kids with guns, O green world, Dirty Harry (feat. Bootie Brown), Feel good Inc. (feat. De La Soul), El mañana, Dare (feat. Shaun Ryder) (Demon days)

68 state, We are happy landfill, Hong Kong, Rockit, Spitting out the demons, Stop the dams (feat. Ghostigital) (D-sides)

White flag (with Basho & Kano), Rhinestone eyes, Stylo (with Mos Def feat. Bobby Womack), Superfast jellyfish (with Gruff Rhys feat. De La Soul), Empire ants (with Yukimi Nagano), Glitter freeze (with Mark E. Smith), Some kind of nature (with Lou Reed), On Melancholy Hill, Broken (Plastic Beach)

Phoner to Arizona, Revolving doors, Detroit, Amarillo, Aspen forest, California and the slipping of the sun (The fall)

Doncamatic (feat. Daley) (The singles collection 2001–2011)

Ascension (feat. Vince Staples), Strobelite (feat. Peven Everett), Saturn barz (feat. Popcaan), Submission (feat. Danny Brown & Kelela), Charger (feat. Grace Jones), Andromeda (feat. D.R.A.M.), Let me out (feat. Mavis Staples & Pusha T), She's my collar (feat. Kali Uchis), We got the power (feat. Jehnny Beth), The apprentice (feat. Rag'n'Bone Man, Zebra Katz & Ray BLK), Garage palace (feat. Little Simz) (Humanz)

Humility (feat. George Benson), Tranz, Hollywood (feat. Snoop Dogg & Jamie Principle), Kansas, Sorcererz, Lake Zurich, Magic city, Fire files, Souk eye (The now now)

Strange timez (feat. Robert Smith), The valley of the pagans (feat. Beck), Pac-Man (feat. Schoolboy Q), Chalk tablet towers (feat. St. Vincent), The pink phantom (Feat. Elton John & 6lack), Aries (feat. Peter Hook & Georgia), Friday 13th (feat. Octavian), Désolé (feat. Fatoumata Diawara), Momentary bliss (feat. Slowthai & Slaves), Opium (feat. EarthGang), With love to an ex (feat. Moonchild Sanelly), How far? (feat. Tony Allen & Skepta) (Song machine, Season one: Strange timez)

Meanwhile (feat. Jelani Blackman & Barrington Levy), Jimmy Jimmy (feat. AJ Tracey) (Meanwhile EP)

911, Doyathing, Sleeping powder, Garage palace (Otros singles)

Vídeos:

Clint Eastwood, Tomorrow comes today y 19-2000, del primer álbum Gorillaz:

Clint Eastwood - Gorillaz feat. Del The Funky Homosapien


Tomorrow comes today - Gorillaz feat. Del The Funky Homosapien


19-2000 - Gorillaz


Lil' dub Chefin, del EP Laika come home:

Lil' dub Chefin - Gorillaz feat. Spacemonkeyz


Feel good Inc., Dare y Dirty Harry, del álbum Demon days:

Feel good Inc. - Gorillaz feat. De La Soul


Dare - Gorillaz feat. Shaun Ryder


Dirty Harry - Gorillaz feat. Bootie Brown


Stylo, On Melancholy Hill, Superfast jellyfish y Rhinestone eyes, del álbum Plastic Beach:

Stylo - Gorillaz feat. Mos Def & Bobby Womack


On Melancholy Hill - Gorillaz


Superfast jellyfish - Gorillaz feat. Gruff Rhys & De La Soul


Rhinestone eyes - Gorillaz


Revolving doors, del álbum The fall:

Revolving doors - Gorillaz


Doncamatic, del álbum recopilatorio The singles collection 2001–2011:

Doncamatic - Gorillaz feat. Daley


Strobelite, Saturn barz, Andromeda y We got the power, del álbum Humanz:

Strobelite - Gorillaz feat. Peven Everett


Saturn barz - Gorillaz feat. Popcaan


Andromeda - Gorillaz feat. D.R.A.M.


We got the power - Gorillaz feat. Jehnny Beth


Humility, Hollywood y Tranz, del álbum The now now:

Humility - Gorillaz feat. George Benson


Hollywood - Gorillaz feat. Snoop Dogg & Jamie Principle


Tranz - Gorillaz


Strange timez con Robert Smith, The valley of the pagans con Beck, Aries con Peter Hook y Georgia y Friday 13th con Octavian, del álbum Song machine, Season one: Strange timez:

Strange timez - Gorillaz feat. Robert Smith


The valley of the pagans - Gorillaz feat. Beck


Aries - Gorillaz feat. Peter Hook & Georgia


Friday 13th - Gorillaz feat. Octavian


Jimmy Jimmy con AJ Tracey, del EP Meanwhile

Jimmy Jimmy - Gorillaz feat. AJ Tracey

Christopher Anton Rea, de nombre artístico Chris Rea, es un músico británico de ascendencia italo-irlandesa, nacido en 1951 en Middlesbrough, Inglaterra. A sus facetas más conocidas de cantautor, guitarrista, compositor y productor musical, se añaden las de pintor, actor y piloto de carreras. La mayor parte de la carrera musical de Rea se basa en una fusión de pop, rock y blues, con ocasionales elementos orquestales, de soul, gospel, jazz, música electrónica, y música tradicional italiana e irlandesa, dominada por su distintiva voz, grave y rota, y por su característica técnica de guitarra, basada en el uso del slide de cristal, o bottleneck. Autor prolífico y libre, en diferentes momentos de su carrera distintas discográficas intentaron su contratación, pero la libertad de una pequeña compañía como en la que estaba componiendo, podía más que los posibles ingresos. Desde la década de 2000, tras sobrevivir a una serie de operaciones quirúrgicas de alto riesgo, su música ha ido derivando hacia el estilo Delta blues, su mayor influencia, mezclado con elementos de gospel y jazz. Rea nunca ha estado de gira por Estados Unidos, donde es mejor conocido por el single de 1978 Fool (If you think it's over), que alcanzó el número 12 en Billboard Hot 100 y pasó tres semanas en el número 1 en la lista Adult Contemporary. Este éxito le valió una nominación al Grammy como Mejor Artista Nuevo en 1978.

La revista Louder califica a Rea como "el último sobreviviente del rock", dada su recuperación de varios episodios de enfermedades graves. Ha producido veinticinco álbumes en solitario, con varios de su período de blues posterior, como Blue guitars (2005), compuestos de varios discos. British Hit Singles & Albums declaró que Rea fue "uno de los cantautores británicos más populares de finales de la década de 1980" y "ya una gran estrella europea cuando finalmente entró en el Top 10 de Reino Unido con el lanzamiento del single (de 1989) The road to hell (Part 2), su entrada número 18 en la lista". Dos de sus álbumes de estudio más exitosos, The road to hell (1989) y Auberge (1991), encabezaron la lista de álbumes de Reino Unido. Otras de sus canciones exitosas incluyen I can hear your heartbeat, Stainsby girls, Josephine, On the beach, Let's dance, The road to hell (Part II), Driving home for Christmas, Working on it, Tell me there's a heaven, Auberge, Looking for the summer, Winter song, Nothing to fear, Julia y If you were me, un dúo con Elton John. Rea fue nominado tres veces para el Brit Award al Mejor Artista Masculino Británico: en 1988, 1989 y 1990.

Chris Rea no es un nombre familiar en Estados Unidos, pero este cantante modesto ha sido una figura constante en la escena musical europea durante más de una década. A veces se le conoce como el "Bruce Springsteen británico" debido a la calidad áspera y rasposa de su voz y los temas que atraviesan su música; al igual que Springsteen, Rea a menudo escribe sobre la búsqueda de valores significativos en un mundo que salió mal. Casualmente, tanto Springsteen como Rea son de origen irlandés-italiano.

Uno de los siete hijos de Camillo Rea, un inmigrante italiano originario de Arpino en la provincia de Frosinone propietario junto con su hermano Gaetano de una cadena de heladerías, y de su esposa Winifred, de origen irlandés, Chris Rea fue criado en un ambiente de fuerte tradición familiar y católica romana. Su abuelo paterno, también llamado Camillo, murió cuando el Arandora Star, buque en el que navegaba hacia Canadá, fue hundido durante la II Guerra Mundial por el submarino alemán U-47 bajo el mando del teniente Günther Prien. En consecuencia, a Rea le inculcaron desde niño el culto a los ancestros y el gusto por la música popular: “Uno de mis primeros recuerdos musicales son los aniversarios de esa noche. Todos los viejos venían a nuestra casa y nosotros íbamos a las suyas. Había pollo cacciatore para 8.000 personas, y luego sacaban los acordeones y las mandolinas. Y cada persona que estuviera en la sala tendría sus 10 minutos. Mi abuelo volvió atrás para ayudar a un chico, Tony Greco. Y Tony Greco estaba allí esas noches. Para mí, que tenía 4 años o así, era algo tan fuerte que nunca quise jugar en la bañera con barcos de juguete, por si acaso el hundirlos hubiese disgustado a mi padre”.

Cuando tenía 12 años, trabajaba limpiando mesas en la cafetería y haciendo helados en la fábrica. Quería mejorar el negocio, pero sus ideas no recibieron apoyo de su padre. Después de irse, fue reemplazado por uno de sus hermanos. En ese momento quería ser periodista y asistió al St Mary's College de Middlesbrough. Aunque aficionado a la música desde adolescente, no sintió la llamada de la misma hasta una tarde en que, disponiéndose a salir con unos amigos, entró en la habitación de su madre para mirarse en el espejo y escuchó un blues de Charley Patton: “Ella tenía una radio-despertador y empezó a sonar aquel tío de antaño, gimiendo y gritando, tocando aquella extraña guitarra. Para mí fue como un rayo”. Atraído por el sonido del slide y las letras del Delta blues, a la relativamente tardía edad de 21 años, Rea decidió aprender a tocar la guitarra especializándose en dicho estilo: “Es menos agresivo que el blues de Chicago y la técnica de guitarra posee un estilo que yo llamo rizado: hay notas que no son ni sostenidos ni bemoles, sino una curva de emoción. Es un sonido de aflicción: la gente del Delta canta sobre el dolor profundo, el miedo profundo, y sobre tratar de salvar el alma”.

Por esa época, tras ser expulsado de sus estudios de periodismo después de sufrir un incidente con una profesora, Chris Rea trabajó como dependiente en la heladería de su padre, aunque no de buen grado: debido a la cercanía del negocio familiar al estadio de fútbol, el joven sentía demasiado próxima la violencia de los hooligans y calmó el miedo perfeccionando su técnica de guitarra encerrado en los altos de la heladería: “Me iba al almacén encima de la cafetería de mi padre, cagado de miedo de bajar las escaleras. Literalmente me escondía allí arriba entre los cucuruchos y las obleas de los helados. Y cuando tocaba la guitarra mi ansiedad se disipaba”.

“Se me pedía que hiciera cosas, pero nunca tocar música. Me subía en un avión a Los Ángeles, iba por las emisoras de radio, hacía sesiones de fotos, siempre había reuniones... Y yo no sabía lo bastante del negocio como para saber qué es lo que iba mal. Entonces comencé a pensar que este negocio tiene dos caras. Estuve diciéndole a todo el mundo durante dos años que yo no quería hacer eso. No me llevaba nada bien conGus Dudgeon en el estudio: el primer álbum costó millones, así que había presión. Nadie iba a dejarlo porque yo era la gallina de los huevos de oro”.

A principios de la década de 1970, Chris Rea dio inicio a su carrera musical inspirándose en la música de Joe Walsh y Ry Cooder. Aunque es zurdo, aprendió a tocar la guitarra como diestro. Comenzó a componer canciones para diversas bandas locales de Middlesbrough, hasta que en 1973 se unió a la banda local de Middlesbrough, Magdalene, que anteriormente había incluido a David Coverdale, quien se había ido para unirse a Deep Purple. Comenzó a escribir canciones para la banda y sólo comenzó a cantar porque el cantante de la banda no se presentó para una actuación y ser Rea el único conocedor de la letra. Rea luego formó la banda The Beautiful Losers, que recibió el premio de Mejor grupo revelación del año de Melody Maker en 1973, consistente en un contrato con la discográfica EMI, y la compañía Magnet Records le ofreció en paralelo a Chris Rea un contrato discográfico para iniciar una carrera musical en solitario que se inauguró en 1974 con So much love, una canción de pop-rock publicada en Reino Unido. En 1977 actuó en el álbum de Hank Marvin, The Hank Marvin Guitar Syndicate y también fue invitado en el EP de Catherine Howe, The truth of the matter. Grabó su primer álbum ese mismo año, pero según Michael Levy (cofundador de Magnet) las grabaciones fueron literalmente quemadas y comenzaron de nuevo porque no capturaron todo su talento. Su grupo de acompañamiento fue liderado por el experimentado teclista Max Middleton.

En 1978, vio la luz el primer álbum de Rea titulado Whatever happened to Benny Santini?, pregunta que hacía referencia al nombre artístico que el músico, de forma sarcástica, propuso a los ejecutivos de Magnet, al considerar éstos que su verdadero nombre no era comercialmente atractivo. La discográfica puso al frente de las tareas de producción a Gus Dudgeon, encargado también de las carreras de Elton John y Billy Joel, quien planeó para Rea la misma imagen de baladista al piano (una especie de “Elton Joel” en palabras del propio Rea), muy del gusto norteamericano de la época, para promocionar al artista en el Nuevo Continente. Alcanzó el puesto número 49 en Billboard Hot 200, y estuvo en las listas durante 12 semanas. A pesar de que el primer single, Fool (If you think it's over), gozó de gran popularidad en Estados Unidos (donde fue Disco de oro) y Reino Unido (en este último país tras la nominación de su autor como artista revelación en los Premios Grammy de 1979, donde entró en el Top 30), Rea, desconocedor de las políticas discográficas, se sintió profundamente decepcionado con el resultado al entender que se había despojado al álbum de los sonidos más cercanos al blues, dejando sólo los tintes pop y los guiños a la Tamla Motown. Empezaba la lucha de Chris por defender su cuota de libertad artística y su vida privada (Rea contrajo matrimonio por estas fechas) frente a las exigencias del negocio discográfico, lo que le hizo perder en poco tiempo el mercado norteamericano a excepción, en adelante, de esporádicos y, por lo general, pequeños contratos. Rea dijo que "sigue siendo la única canción en la que no he tocado la guitarra, pero resultó ser mi primer single".

En 1979 salió al mercado Deltics, el segundo álbum de Rea, que había sido grabado durante la promoción del primero, aún bajo la producción de Dudgeon. Entró en las listas británicas, pero no lo logró en Estados Unidos. Sin embargo, el single Diamonds se posicionó bien tanto en Estados Unidos como en Reino Unido, alcanzando en ambos países el Top 50.

Mientras tanto, Rea convenció a su discográfica para que le dejase las manos libres en la grabación de su tercer álbum, Tennis, en 1980, con músicos de Middlesbrough, sin que Dudgeon interveniese nuevamente en el producto final. El álbum recibió críticas positivas, pero no se convirtió en un superventas, con lo que Magnet decidió no seguir confiando en el criterio de Rea en cuanto a la confección y producción de nuevos discos.

La pérdida de confianza de Magnet en el trabajo de Rea quedó reflejada en las circunstancias que rodearon la grabación de los dos siguientes álbumes. En 1982 salió al mercado el álbum rosa, producido por Jon Kelly, y sin más título que el nombre del músico Chris Rea, dadas las tensas relaciones entre Rea y Magnet, quienes hasta le negaron al músico la posibilidad de incorporar una portada de diseño propio. Aunque hubo cierto éxito en el single Loving you (número 88 en Estados Unidos) del álbum, no llegó a entrar en las listas. Rea tuvo una relación de trabajo difícil con Dudgeon y los otros "hombres de traje" que pensaba que "suavizaban" los elementos influenciados por el blues de su música. Rea"siempre pensó que [los productores] sabían más. Nunca pensé ni por un minuto que podrían tener otra agenda", pero "de repente fui la gallina de los huevos de oro, y fue un infierno para mí". Él reconoce con tristeza: "no puedo culpar a nadie más que a mí mismo. Les di lo que querían en lugar de lo que yo quería".

La situación llegó a un extremo crítico cuando Magnet Records se negó a financiar y producir la grabación de Water sign, el cuarto álbum de Rea, por lo que éste se encargó nuevamente de las labores de producción y se vio obligado a recurrir a unas cuantas cintas demos, completando el resto del disco con sintetizadores y cajas de ritmo, y publicándolo en 1983. Fue el primero de varios álbumes exitosos en los que Rea colaboró con el productor David Richards. Aconsejado por Dudgeon, Rea contrató a Jim Beach, de la organización de Queen, y a Paul Lilly como representantes. Entre ambos lograron revivir las finanzas de Rea y organizar dos nuevas giras de promoción por Reino Unido y la República Federal de Alemania como artista de apoyo para la banda canadiense Saga. Pero fue en Irlanda donde ocurrió lo inesperado: el nuevo, aunque improvisado, matiz electrónico de Water sign caló entre la crítica y el público, mediante los singles Let it loose y I can hear your heartbeat, y, ante la incredulidad de Magnet, Rea asistió en la isla a una especie de beatlemanía de la que él era el protagonista. Al margen de este suceso, el músico opinó que fue el público alemán el principal responsable de salvar su carrera, ya que el de Alemania, en su opinión, no es un mercado musical orientado a la imagen.

También en 1983, Rea se estrenó como compositor e intérprete de bandas sonoras con la partitura de la película de suspense Contra todos (Cross Country), dirigida por el canadiense Paul Lynch.

El siguiente álbum, Wired to the Moon, publicado en 1984, fue el que alcanzó el puesto más alto en las listas británicas de todos los que el músico había lanzado al mercado hasta esa fecha, entrando en el Top 40, y produjo el exitoso single I don't know what it is but I love it.

Mientras tanto, mediante sus giras, Rea consolidaba un importante número de fans en el continente europeo. Con la salida al mercado en 1985 de Shamrock diaries, coproducido por David Richards, y sus singles Stainsby girls y Josephine, escritos para su esposa e hija, respectivamente, Rea se afianzó como músico destacado del pop-rock europeo y ganaba cada vez más popularidad en la RFA, Holanda, Bélgica, Reino Unido y Australia, alcanzando los primeros puestos de las listas de ventas en dichos países.

“I can hear your heartbeat era una canción de blues convertida en una grabación ochentera. También lo fue On the beach. Cuando la gente escucha esas pocas notas iniciales se levanta y grita, y es incómodo. Todos piensan que es una canción de éxito, hurra, hurra, vamos a bailar. Pero en absoluto es esa clase de canción. Es una canción que habla de no estar en la playa y de desear estarlo”.

En 1986, Rea publicó su famoso On the beach, un álbum de temas pop de corte intimista, coproducido nuevamente por David Richards, y cuya canción de apertura On the beach y segundo single publicado, inspirado en la isla de Formentera, ha sido objeto de varias remezclas y versiones, convirtiéndose popularmente en un clásico icono del verano y en un referente de la música chill-out. El disco incluía el tema principal de la película Auf immer und ewig, dirigida por Christel Buschmann, cuya banda sonora fue compuesta por Rea, quien también aportó varias de sus canciones a la cinta británica de terror Suspense en las sombras (Into the darkness), de David Kent-Watson. On the beach fue Disco de oro en Australia, Nueva Zelanda y Japón.

Probablemente debido a la recuperada confianza en Rea gracias a sus recientes éxitos, Magnet Records volvió a dar cancha a éste para producir en solitario sus siguientes álbumes. En Dancing with strangers (1987), Rea mostró su vena más áspera en temas como Joys of Christmas, en el que vocalizaba al estilo rap sobre una base de blues, I can't dance to that o Gonna buy a hat. En el disco contó con la participación del guitarrista Jerry Donahue y del gaitero y flautista Davy Spillane, e introdujo elementos de música celta, a la par que se arriesgó con letras de temática sociopolítica: denuncia de la alta tasa de paro y delincuencia en el norte de Inglaterra, la artificialización del negocio musical, y los intereses de la alta política en el contexto histórico de la Perestroika. No obstante, los singles extraídos del álbum eran de temática más ligera: la festiva Let's dance (que entró en el Top 100 en Estados Unidos y fue número 12 en Reino Unido) y la romántica Loving you again; ambas se convirtieron en títulos populares de su discografía. El álbum llegó al número 2 en Reino Unido (detrás de Bad de Michael Jackson) y fue Disco de oro en su primera semana de lanzamiento.

En 1986, Rea fue telonero junto con The Bangles y The Fountainhead para Queen en Slane Concert para una audiencia estimada de 80 mil personas. También actuó en el festival Milano Suono en el estadio de San Siro, Italia. En 1987, Rea finalmente estaba en condiciones de pagar la deuda de 320 mil libras que tenía con la compañía discográfica, y comenzó a obtener ganancias significativas. Ese año, la gira mundial Dancing With Strangers agotó las entradas en lugares del tamaño de un estadio, incluidos dos espectáculos en el Wembley Arena, e incluyó los primeros conciertos de Rea en Australia y Japón. El sello estadounidense de Rea, Tamla Motown, le había dicho que debería ir a Estados Unidos y hacer una gira allí durante tres años. Por deferencia a su familia, no lo hizo. Comentó que en ese momento se dio cuenta de que "podría ser tan grande como quisiera, si estuviera preparado para hacer la gira". Durante este período, Rea se desilusionó bastante con las maquinaciones de la industria discográfica. "Estuve muy cerca de detener completamente la música y abrir un restaurante italiano", le dijo a Kent Zimmerman del Gavin Report. "Estaba enfermo hasta la muerte por eso. No quería ser una estrella de rock. Solo quería disfrutar de la música, que es lo que empecé haciendo.... Todo el mundo quería que yo fuera la próxima superestrella tipo Elton John o George Michael. De ahí no vengo. Vengo de la escuela de Joe Walsh, Bonnie Raitt, Ry Cooder, Lowell George".

En 1988, debido a la buena marcha de sus finanzas, Rea se dedicó a grabar nuevas versiones de sus primeros éxitos, tal y como él hubiera deseado que viesen la luz por primera vez si hubiese contado con los medios necesarios y el control de la producción. La recopilación resultante, junto con dos temas nuevos, Working on it y Driving home for Christmas, convirtiéndose este último en una popular canción navideña en Reino Unido, recibió el indicativo título de New lights through old windows. El álbum alcanzó el número 5 en Reino Unido e hizo una breve aparición en los 100 mejores álbumes de Estados Unidos, donde el single Working on it alcanzó el número 73 en Billboard Hot 100 y encabezó la lista Mainstream Rock. La versión regrabada de On the beach alcanzó el Top 10 en la lista US Adult Contemporary, y el número 12 en Reino Unido. El lanzamiento y el éxito del álbum fueron seguidos por una gira internacional con más de 45 actuaciones.

“Me sentía un poco cansado, me apoyé contra la ventanilla y tuve aquella visión de mi madre, que había muerto hacía tiempo, y ella me decía: ¿qué demonios estás haciendo aquí? Y alguien había dicho en una conversación que aquélla no era precisamente la autopista del éxito, y entonces me vino esta idea. Pensé que aquélla era más bien la carretera del infierno”.

En 1989, Chris Rea publicó el álbum que se convertiría en su mayor éxito comercial: The road to hell. Inspirado durante un atasco de tráfico y planteado como un álbum conceptual, el autor reflejaba en sus letras parte de las preocupaciones de su generación en el Estado del bienestar que heredarán sus hijos, aún en edad infantil: el deterioro medioambiental (The road to hell Part II), el sensacionalismo pornográfico de los medios de comunicación (You must be evil), la corrupción (That's what they always say), la emigración debida al desempleo, con veladas alusiones al gobierno de Margaret Thatcher (Looking for a rainbow), y la crisis religiosa personal (Tell me there's a heaven). Con un estilo blues-rock aderezado con fraseos de gospel, el disco contenía diversos ejemplos de la competencia técnica de Rea en el manejo del slide y de sus dotes como arreglista, incluyendo secciones de cuerda que alcanzaban tonos épicos en Looking for a rainbow, y utilizó por primera vez una introducción al álbum de tipo instrumental con efectos sonoros ambientales, idea que el músico retomaría en trabajos posteriores. Casi toda la tarea de producción del álbum volvió a recaer sobre Jon Kelly, haciendo Rea de coproductor. Aunque el álbum alcanzó el número 1 en las listas de ventas británicas, y a pesar de que su sonido parecía cumplir los requisitos necesarios para triunfar en el mercado norteamericano, el disco apenas tuvo éxito en Estados Unidos debido a su escasa promoción. El single The road to hell (Part 2) subió al número 11 en la lista Mainstream Rock de Estados Unidos, y fue el primer y único single Top 10 de Reino Unido de Rea. La poderosa canción contaba un encuentro con el fantasma de la madre del cantante y una advertencia de que había traicionado sus raíces (también sirvió como una crítica a la notoria carretera de circunvalación M25). La canción Texas logró una amplia difusión en la radio en el propio estado americano. En diciembre de 1989, Rea actuó en el single de Band Aid IIDo they know it's Christmas?

En 1991, Rea publicó Auberge, un álbum compuesto como continuación conceptual del anterior, que también alcanzó los primeros puestos en las listas de ventas europeas (debutó en el número 1 en Reino Unido). Tanto los arreglos (con varias secciones de viento y cuerda) como las letras incidieron en el carácter más introspectivo de este disco respecto del anterior. El single Auberge entró en el Top 20 británico. Incluso en la cima de su éxito, Rea se negó a montar una gira estadounidense o actuar en MTV Unplugged, aunque fue invitado en Late Night with David Letterman, y también actuó en el programa. Rea dijo que su descuido del mercado estadounidense fue uno de sus mayores errores porque "cada vez que veo un automóvil que vale mucho dinero, definitivamente lo lamento, sólo por cinco minutos".

En 1992, Chris Rea compuso la partitura de la película británica Soft top hard shoulder, dirigida por Stefan Schwartz. La canción principal del largometraje fue incluida como cierre del siguiente álbum de Rea, God's great banana skin, un disco en el que se enfatizaba la personal forma del artista de interpretar el blues, y que alcanzó el Top 5 en Reino Unido (número 4). El tema de apertura, Nothing to fear (Top 20 británico), con su inspiración norteafricana, y el homenaje en clave de jazz a Miles Davis expresado en Miles is a cigarette, constituían muestras de los deseos de Rea de incorporar nuevos colores a su paleta musical. God's great banana skin también supuso el fin de la relación de Rea con Magnet Records y su fichaje por EastWest Records, una división de Warner Music, que le permitió seguir produciendo sus propios discos.

En 1993, Rea publicó Espresso logic, que contaba nuevamente con la colaboración de Davy Spillane en el tema Espresso logic y en Red. En las piezas líricas del disco, She closed her eyes y Summer love, se observan influencias de la música popular italiana. El álbum llegó al Top 10 y Julia, escrita sobre su segunda hija, le dio su sexto y último single Top 20. El álbum fue parcialmente promocionado por Rea, quien participó en la ronda "TOCA Shootout" del Campeonato Británico de Turismos de 1993, aunque fue eliminado en la primera ronda. Por esta época, Rea compuso If you were me para cantarla a dúo con Elton John, y que formó parte de la edición estadounidense del álbum. Según Stuart Epps, ingeniero de sonido de Rea y John, éste quedó tan complacido con la idea y el resultado que se inspiró para grabar el álbum Duets, formado por canciones interpretadas a dúo con otros artistas de renombre.

En 1994, se lanzó su segunda recopilación oficial con el título más convencional de The best of Chris Rea, que alcanzó el número 3 en Reino Unido, y que incluía la citada If you were me, además del single You can go your own way, compuesto como canción promocional para un anuncio de la Ford Motor Company, y su cara B, la instrumental Three little green candles. En julio de ese mismo año, Rea actuó con Peter Gabriel y otros en el festival Sonoria en Milán.

Rea se encontraba en la cumbre del éxito cuando, a finales de 1994, durante unas vacaciones en Francia, comenzaron sus problemas de salud debidos úlceras estomacales que degeneraron en peritonitis el posoperatorio de una intervención quirúrgica destinada a remover una obstrucción intestinal. Como consecuencia de ello, el músico debió someterse a cinco operaciones abdominales, recibiendo al menos cien puntos de sutura y quedando postrado en una cama de hospital durante meses.

Imposibilitado para salir de gira debido a su convalecencia, Rea comenzó a encauzar su creatividad artística hacia otras formas de expresión. Inspirado por el cine italiano de Federico Fellini y Sergio Leone, decidió emprender la filmación de una película semi-autobiográfica sobre los sueños de la infancia, La Passione. El guion, parte de la producción y la totalidad de la banda sonora correrían a cargo del músico, que incluso exigió encargarse de las tareas de dirección, pero WarnerVision Films, distribuidora de la cinta, impuso a John B. Hobbs, un veterano experto en series de televisión que no compartía la visión de Rea acerca del producto final. El resultado fue decepcionante para todas las partes implicadas, incluyendo crítica y público, a pesar de que Rea consiguió la participación de la diva galesa Shirley Bassey en dos de los temas vocales, uno de los cuales, Disco' La Passione, gozó de un éxito moderado en las listas de ventas junto con Girl in a sports car. La banda sonora original, publicada en 1996, poseía notables influencias italianas y del pop orquestal, e incluyó piezas líricas como Dov'é il signore?

Como consecuencia del fracaso de La Passione, Rea recibió la orden de cancelar tres proyectos musicales, entre ellos, un álbum de rap, y de convertir un cuarto proyecto, una serie televisiva de seis capítulos denominada The Blue Cafe, en un álbum de canciones orientadas comercialmente que se publicó en 1998 y en el que se incluyó el tema The Blue Cafe que Rea compuso para la banda sonora de la serie policiaca alemana Schimanski. Buena parte de la sección rítmica del álbum fue programada en ordenador por el propio Rea tras recibir unas lecciones de informática musical de su hija Josephine. A pesar de su reorientación hacia lo comercial, The Blue Cafe resultó ser un álbum de gran calidad y variedad de estilos que situó nuevamente a Rea en las principales listas de éxitos.

En 1999, diez años después de la publicación de The road to hell, Chris Rea sacó al mercado The road to hell: Part 2, un nuevo álbum conceptual en cuyas letras el músico reflejaba nuevamente las preocupaciones de su generación hacia los hijos, esta vez ya en la adolescencia: las drogas de nuevo diseño, la creciente influencia de las nuevas tecnologías en la vida cotidiana, y el abandono de la educación en aras del egoísmo y la desestructuración familiar. Si bien el disco antecesor estaba inspirado en un atasco y en los deseos de salir de él, este álbum se inspiró en lo que para Rea era un curioso cambio en la actitud de los conductores: el deseo de pasar más horas al volante, ya que la tecnología había logrado que la conducción fuese más confortable. Desafiando nuevamente las expectativas comerciales de su discográfica, y aprovechando su experiencia en The Blue Cafe, Rea grabó el nuevo álbum recurriendo a sonidos sintéticos, utilizando samplers y loops y cajas de ritmos, llegando a cantar al estilo rap en el tema de apertura, Can't get through, aunque ya lo había hecho años atrás en la canción Joys of Christmas. El álbum no recibió promoción alguna por parte de EastWest, y no accedió a las listas de ventas, provocando entre los seguidores del músico disparidad de opiniones, desde las que calificaron el disco como el peor de su carrera, normalmente entre el público pop más conservador, hasta las que aplaudieron su valentía y la innovación que representó en el repertorio de Rea.

También durante 1999, Rea se estrenó como actor interpretando el papel protagonista de la comedia Parting shots, dirigida por Michael Winner en 1999, y compartiendo cartel con John Cleese, Bob Hoskins y Ben Kingsley. Tanto su actuación como la película en sí recibieron críticas mayoritariamente negativas por parte de la prensa especializada.

Finalizando el siglo XX, Rea se encontraba descansando en las Bahamas, islas que le sirvieron de inspiración para su próximo álbum con el que, de forma similar a lo que sucedió con The Blue Cafe, esperaba compensar a EastWest del bache sufrido con The road to hell: Part 2. Con King of the beach (2000), Rea recuperó sus sonidos más clásicos e íntimos y recibió nuevamente el favor de crítica y público, aunque ya no volvió a ocupar un lugar destacado en las listas de ventas. En el verano de 2000, Rea disfrutó de un improbable éxito en Ibiza con el remix de José Padilla de All summer long.

En 2001, la publicación de un nuevo recopilatorio, The very best of Chris Rea, cerró la relación del músico con EastWest. El disco incluyó la pieza Saudade, Pt.1 and 2, en homenaje al piloto de Fórmula 1, Ayrton Senna, fallecido en un accidente de competición.

“Cuando cerré la puerta para ir al hospital, y sabiendo que sólo tenía un 50% de posibilidades, lo primero que me vino a la cabeza fue: no puedo marcharme todavía porque aún no he hecho ese disco. Después de 20 malditos álbumes, aún no existe un álbum con Chris Rea, guitarrista de slide, como principal característica. Así que me dije que, cuando saliera, ése iba a ser el próximo disco”.

En 2001, unas radiografías revelaron una gran sombra en el páncreas del músico. Ante la probabilidad de un 50% de padecer un cańcer pancreático que acabaría con su vida con toda seguridad, Rea decidió someterse a una duodenopancreatectomía preventiva, una compleja y delicada operación quirúrgica, con una probabilidad de supervivencia relativamente baja, que extirparía parte de su estómago, páncreas, duodeno, intestinos y vesícula biliares. A pesar de su gravedad, la operación resultó un éxito, pero sus consecuencias sobre el estilo de vida del músico fueron radicales: Rea permanecería diabético de por vida, debiendo inyectarse varias dosis de insulina e ingerir diversos medicamentos de forma diaria para compensar la supresión de algunas de sus funciones metabólicas, incluida la absorción de grasas y vitaminas, además de hacer ejercicio físico para aminorar la pérdida de masa muscular.

Para hacer frente a la depresión causada por sus nuevas circunstancias, animado por su esposa Joan, Rea recurrió a la pintura además de a sus labores de composición musical, y la utilizó para ilustrar sus nuevos trabajos. Ya anteriormente había elaborado la portada del álbum Espresso logic. En una entrevista, dijo: "No es hasta que enfermas gravemente y casi mueres y estás en casa durante seis meses, que de repente te detienes, para darte cuenta de que ésta no es la forma en que pretendía que fuera al principio. Todo lo que has hecho se cae y empiezas a preguntarte por qué pasaste por todas esas cosas del negocio del rock".

En el plano musical, Rea también dio un giro radical y, haciendo caso omiso a las reticencias de su discográfica, decidió componer un disco de gospel y Delta blues donde mostrar su habilidad con el slide y que sirviese de homenaje a sus héroes del género, además de retratar su lucha y sufrimiento durante la enfermedad que le aquejaba, aunque para ello debiera financiarlo de su bolsillo. El resultado se publicó en 2002 y llevó por título Dancing down the Stony Road, aunque, al no contar con el apoyo de EastWest, Rea decidió crear su propio sello discográfico Jazzee Blue Records que, además, sirviese de plataforma de promoción para los trabajos en solitario de algunos miembros habituales de su banda, como el guitarrista Robert Ahwai o el bajista Sylvin Marc, así como para los de algunos artistas noveles como la vocalista Sarah Randle. Rea también publicó el álbum en el sello alemán Edel Music, pero bajo el nombre abreviado de Stony Road. El disco, ilustrado con pinturas de Rea, salió al mercado también en edición especial doble, y acompañado de un documental sobre el proceso de creación del álbum. Para sorpresa de la antigua discográfica de Rea, que le había propuesto a éste una oferta millonaria para realizar un álbum de dúos con importantes estrellas de la canción, las ventas del nuevo álbum de blues pusieron otro Disco de oro en el historial de Rea y le hicieron ganar nuevamente el favor general de crítica y público a excepción del de algunos puristas del género: “Si los directores de todas las compañías musicales supieran de música y conocieran a los seguidores de Chris Rea, no se hubieran preocupado por Stony Road. Mis seguidores habituales siempre han conocido esa parte de mí. Yo sabía que no iba a haber problema. Así que, de todas formas, hice Stony Road. Todas las compañías discográficas lo rechazaron. Me puse muy contento cuando finalmente llegó a Disco de oro”.

El disco, dominado por el sonido de las guitarras Italia Maranello que Rea adopta para sus nuevos trabajos de blues, quedó en segunda posición del premio al Mejor álbum de guitarra de blues concedido por la International Guitar Foundation en su edición de 2003.

También en 2003, salieron a la venta dos álbumes publicados por el sello Jazzee Blue a través de su página web: Blue Street (five guitars) y Hofner Blue Notes, ambos de carácter predominantemente instrumental, con los que Rea adelantó su próxima incursión en la fusión jazz-blues, que resultó plasmada en la publicación, en 2004, de The blue jukebox, un disco que presentaba una portada homenaje a la famosa obra Nighthawks, del pintor estadounidense Edward Hopper. La áspera voz de Rea maridada con el cálido sonido del bottleneck, del saxofón y del piano confluyeron en una obra que gozó de buenas críticas indicando que, a pesar de sus difíciles circunstancias personales, Chris Rea seguía en plena actividad artística.

La creatividad de Rea alcanzó una de sus cotas más altas cuando en 2004, inspirado por la obra Blues Odyssey, de Bill Wyman, invirtió dieciocho meses, trabajando doce horas todos los días de la semana, en el proyecto más ambicioso de su carrera.

“Ya no tengo ganas de hacer solamente un CD. Tiene que ser algo más interesante para mí que sólo 10 pistas. El lujo de vender más de 30 millones de álbumes me ha permitido probar nuevas y diferentes aproximaciones a la música. Sería condenarme al infierno si me limitase a tomar el dinero y salir corriendo. Algún día un artista más joven podría ver lo que yo he estado tratando de hacer, maridando mi amor por las artes visuales y la música, y dar inicio a todo un nuevo movimiento. ¡Entonces yo sabría que todo habría valido la pena!”

Blue guitars (2005) puede considerarse como una obra maestra en la carrera del músico de Middlesbrough siendo también, probablemente, un hito sin precedentes en la historia de la industria discográfica. Concebido como un libro-disco, o libro para escuchar, Blue guitars era una obra conceptual que recogía 137 temas musicales originales compuestos por Rea (sólo unos pocos de ellos aparecen en otros trabajos suyos), y que trataban de abarcar los distintos estilos de blues, desde los orígenes esclavos del género hasta la década de 1970, clasificándolos en 11 discos compactos (Rea asegura que llegó a tener material para publicar 50 CDs) más un documental en DVD que ofrecía una crónica del proceso de elaboración de este trabajo. Los temas (canciones e instrumentales) no seguían una aproximación academicista al género, sino que Rea ofrecía una interpretación completamente personal de la historia del mismo. Los discos se insertaron en un libro ilustrado con pinturas del propio Rea, que aparecerían en una exposición benéfica celebrada en octubre en Londres, y con breves introducciones al origen histórico de cada variante del blues, además de contener las letras de las canciones. Cada disco comenzaba con unos pocos temas introductorios de estilo libre que posteriormente daban paso a los temas propios de cada variante. Para grabar los temas, Rea utilizó instrumentos étnicos africanos además de europeos y americanos.

Rea pretendía que la obra, a pesar de su magnitud, fuese económicamente asequible para el público, por lo que decidió financiarla de su propio bolsillo, actitud que continuaría en los siguientes álbumes. Para publicar el libro, Rea recurrió a la serie earBOOKS de Edel Music. En la entrevista incluida en el libro, Rea anunciaba su intención, por motivos de salud, de reducir el número de giras y de renunciar a su nombre artístico en favor de un grupo del que formaría parte y que se llamaría The Memphis Fireflies pero, hasta el presente, dicha banda no ha llegado a hacerse realidad.

El mismo 2005, EastWest publicó una nueva recopilación denominada Heartbeats - Chris Rea's greatest hits que no aportó ningún tema nuevo ni arreglos diferentes y que, posiblemente, tuviera carácter contractual.

En 2006, Rea publicó su único álbum oficial en directo llamado The road to hell & back, en ediciones sencilla y doble, comercializado por separado con una pareja de DVD (denominada The road to hell & back - The Farewell Tour) que recogían, respectivamente, un documental sobre la gira europea de 2005 que él denominó su “gira de despedida”, y las canciones contenidas en los CD aunque sin corresponder a los mismos conciertos. En la entrevista incluida en el álbum, Rea respondía a la pregunta de si ésta iba a ser realmente su gira de despedida con un “depende del éxito que tenga”, aludiendo sarcásticamente a la intención promocional que dicha denominación tiene en muchos músicos que anuncian una falsa retirada. Acto seguido, Rea aclaró que ello dependía de su estado de salud, aunque su intención era seguir de gira con los hipotéticos The Memphis Fireflies. El álbum era un muestrario de la potencia de Chris Rea en directo con su banda durante la década de 2000 a pesar de su mermada condición física, incluyendo los temas recientes de blues y sus clásicos éxitos presentados de una forma mucho más directa y visceral. En las piezas destacaba el slide de Rea, llegando a momentos cumbres como el desgarrado solo final de Stony Road, el tratamiento multiestilístico de I can hear your heartbeat o el tono siniestro de The road to hell (las dos últimas, presentes sólo en la edición doble del álbum).

En 2008, Edel publicó Fool if you think it's over - The definitive greatest hits, la primera recopilación de Rea en el sello alemán, que incluía una mayor proporción de canciones (más de la mitad del álbum) concebidas a partir de 2000.

Rea estaba decidido a no publicar nuevos álbumes originales sin aportar contenidos artísticos adicionales y sin que éstos supusiesen una carga económica excesiva para el comprador, por lo que, también en 2008, costeó y lanzó desde Jazzee Blue otro libro-disco producido en la serie earBOOKS de Edel, recreando la historia de una supuesta banda británica de los años 60 (The Delmonts) que evolucionó hacia un grupo llamado The Hofner Bluenotes. El libro, decorado con el estilo de la época y simulando el deterioro debido al tiempo transcurrido, describía la historia inventada de la banda acompañada de fotos de la época y recortes ficticios de prensa y exponía la importancia de los instrumentos Höfner en el desarrollo del pop-rock británico. La obra, denominada The return of the Fabulous Hofner Bluenotes, constaba de tres discos compactos acompañados por dos discos de vinilo, además del libro.

En 2009, Rea se estrenó en la discográfica Rhino Records con un álbum doble recopilatorio: Still so far to go - The best of Chris Rea, que incluía dos canciones nuevas: Still so far to go y Valentino. A diferencia de sus anteriores recopilaciones contractuales, ésta presentaba un mayor equilibrio entre los viejos éxitos del músico y sus temas recientes, habiendo sido sometidos los primeros a tareas de reedición. El álbum alcanzó el número 8 y fue certificado Disco de oro por la BPI. Durante la gira de 2010, Chris Rea incorporó en sus conciertos al cantautor y guitarrista irlandés Paul Casey quien, además, actuó de telonero.

En 2011, Rea publicó en Jazzee Blue y Rhino su proyecto denominado Santo Spirito blues, que constaba de un álbum de blues-rock, dos DVD con sendos documentales escritos por él mismo y dos CD adicionales con las bandas sonoras respectivas, con la ingeniería de sonido a cargo de Paul Casey. El primer documental, titulado Bull fighting, era una crítica al mundo de la tauromaquia ideada tras la asistencia de Rea a una corrida de toros durante una visita a Sevilla, y el segundo, Santo Spirito, describía el viaje iniciático de un hombre que recorría las calles de Florencia en busca de la Verdad. En la banda sonora de Bull fighting, Rea interpretó piezas instrumentales inspiradas en el flamenco, algunas de ellas posiblemente influenciadas por el adagio del Concierto de Aranjuez, de Joaquín Rodrigo, mientras que en la partitura de Santo Spirito aparecían partes de guitarra al estilo blues lento.

También en 2011, Rea contrató los servicios de Imagem Music para reeditar toda su producción posterior a 2000. En febrero de 2012, Rea dio inicio a la gira Santo Spirito, de dos meses de duración, por quince países europeos. En noviembre de 2014, Rea se embarcó en una gira europea llamada The Last Open Road Tour, con la parte de Reino Unido de la gira desarrollada durante el mes de diciembre.

Rea sufrió un derrame cerebral en 2016 que le provocó dificultad en el habla y movimiento reducido en sus brazos y dedos. Poco después dejó de fumar para disuadir más accidentes cerebrovasculares y se recuperó lo suficiente como para grabar y hacer giras. En septiembre de 2017, lanzó su vigésimo cuarto álbum, Road songs for lovers, y se embarcó en una gira europea que se desarrolló de octubre hasta diciembre. En diciembre, Rea se mareó durante una actuación en el New Theatre Oxford, el concierto número 35 de la gira. Fue llevado al hospital, donde su condición fue estabilizada. Este problema de salud causó que los dos últimos conciertos de la gira fueran cancelados. En diciembre de 2020, Rea fue estrella invitada en la edición navideña de Mortimer & Whitehouse: Gone Fishing, donde debatió sobre sus problemas de salud a lo largo de los años.

En octubre de 2019, Rhino lanzó ediciones de lujo en 2CD de cinco de los álbumes más exitosos comercialmente de Chris Rea: Shamrock diaries, On the beach, Dancing with strangers, The road to hell y Auberge. Cada uno contenía una versión remasterizada del álbum original en el primer disco, y remixes, canciones en vivo raras e inéditas, ediciones individuales y versiones extendidas en el disco extra. La edición de One fine day fue limitada a 1000 copias numeradas. El álbum contenía canciones grabadas en 1980 en los estudios Chipping Norton, la mayoría de las cuales nunca habían sido lanzadas. En noviembre de 2020, se lanzó la recopilación de triple CD Era 1: 1978-1984. Contenía una mezcla de caras A, caras B, versiones en idiomas extranjeros y diferentes mezclas, así como todo One fine day en el disco 2.

A pesar de su popularidad como vocalista, impulsada por las compañías discográficas y las radiofórmulas, Chris Rea ha tratado durante toda su carrera de que se le reconozca principalmente como guitarrista. Rea es un destacado especialista en la técnica slide, con un sonido característico, visceral y expresivo, influenciado por los pioneros del estilo Delta blues, principalmente Charley Patton, Blind Willie Johnson, Robert Johnson y Sister Rosetta Tharpe, pero también por guitarristas modernos como Ry Cooder (al que cita como su principal influencia en el fraseo con el slide), Lowell George, Joe Walsh, Eric Gale y Jerry Donahue, e incluso por especialistas en otros instrumentos como el gaitero Davy Spillane.

La técnica slide de Rea permite a éste un amplia gama de formas de expresión musical en la guitarra, desde melodías dulces y melancólicas hasta solos furiosos y desgarrados, pasando por frases ajenas al uso habitual de dicha técnica. Sendos ejemplos de dicha expresividad pueden escucharse en las canciones 'Til the morning, Stony Road (versión en vivo recogida en el álbum The road to hell & back), Nothing to fear y Burning feet. Su técnica slide ha sido calificada de cruce entre los sonidos de una gaita irlandesa y un violín, imitando a menudo instrumentos de viento de manera que algunas frases de sus solos suenan como tocadas con un saxofón o clarinete como puede apreciarse, por ejemplo, en la canción Red shoes. A diferencia de la técnica habitual ejecutada por la mayoría de instrumentistas que utilizan slide, Rea ejecuta sus frases reduciendo el uso de vibratos y glissandos ascendentes y descendentes, o ejecutando estos últimos de manera rápida, evitando a menudo el típico sonido arrastrado de la técnica, prefiriendo desplazar el bottleneck directamente hacia las notas exactas. En cuanto a efectos sonoros, Rea prefiere sonidos clásicos del rock.

Además de la guitarra, Chris Rea toca diversos instrumentos musicales tanto en estudio (como corroboran los créditos en varios de sus discos), como en directo: piano, órgano Hammond, sintetizador, armónica, acordeón, batería, banjo, y mandolina, entre otros.

La voz de Rea es una de las características más distintivas de éste, siendo de tonalidad grave (posiblemente baritónica) y de timbre rasgado, a semejanza de la de vocalistas como Barry White o Tom Waits. Según el propio Rea, el ser cantante no había sido nunca una de sus metas musicales, confesando que hubiera preferido ser el letrista y guitarrista, antes que el líder de un grupo. Por otra parte, al inicio de su carrera, los productores musicales trataron de resaltar su faceta de cantante melódico, imagen que ha perdurado en buena parte de las fórmulas de promoción del artista, a pesar del rechazo del propio Rea.

Chris Rea es un autor prolífico que se ve obligado a desechar buena parte de los temas que compone por limitaciones y exigencias de las casas discográficas a pesar de que afirma producir suficiente material para publicar dos o tres álbumes al año. En la entrevistas que concede, suele aludir a lo que él llama condición creativa, un estado mental que describe como cercano al autismo y que le impulsa a componer sin apenas descanso.

Desde el comienzo de su carrera musical, Rea ha intentado conciliar su libertad como artista y su vida privada frente a las políticas de la industria discográfica, a sabiendas de que un mayor éxito comercial auspiciado por esta última le hubiera reportado superiores beneficios económicos al principio y, por tanto, una mayor rapidez a la hora de alcanzar la libertad ansiada. En este sentido, el inglés afirma envidiar la prontitud con la que otros músicos de su generación como Mark Knopfler y Eric Clapton alcanzaron tales cotas de independencia. Rea asegura que casi todas sus composiciones comienzan como temas de blues, aunque posteriormente sean arregladas en otros estilos musicales, normalmente por exigencias de las compañías discográficas. Nunca ha hecho versiones de temas de otros artistas, salvo en directo y en circunstancias especiales como conciertos benéficos, etc.

En cuanto a sus letras, suelen poseer una estructura rítmica sencilla, generalmente en estrofas de cuatro a seis versos. Al contrario de lo que las radiofórmulas suelen promocionar, las composiciones de temática romántica no son predominantes en la producción de Rea, prefiriendo éste las letras que hablan de lucha vital, superación personal e introspección y la crítica social y política, recurriendo en ocasiones al doble sentido. Son comunes sus alusiones metafóricas a los cielos azules, el sol, el mar, las playas, las carreteras, los caminos y la libertad personal como meta y esperanza. La temática religiosa también está presente en varias de sus letras, aunque tratada desde una perspectiva mística al estilo del gospel y del Delta blues. Los versos de Rea están inspirados, en su mayoría, en experiencias vitales personales y, a menudo, cotidianas; de ahí que muchos de sus oyentes tiendan a sentirse identificados con ellos.

“Los Ferrari siempre fueron mi sueño, pero ahora sé por qué me entusiasmaban y he seguido adelante. Me he comprado un Volvo. Porque si la gente me ve en un Volvo me dicen: 'Chris, ¿qué tal te va?' Pero si me ven en un Ferrari, me llaman gilipollas”.

Tal y como refleja su película semi-autobiográfica La Passione, Chris Rea es un aficionado desde la niñez al automovilismo, especialmente al de competición, siendo él mismo piloto ocasional en carreras de vehículos clásicos. La influencia de su afición se nota en la letra de muchas de sus canciones, gracias a sus habituales referencias a las carreteras y a los coches, además de en el sonido de su guitarra que a veces adopta un timbre motorizado, especialmente en las piezas de rock. Rea ha sido propietario de, al menos, un vehículo Caterham Super Seven aparecido, por ejemplo, en la portada del álbum Auberge y en el vídeo musical del tema Looking for the summer.

“No soy una estrella del rock y nunca lo he sido. No es un punto de vista moral, lo que pasa es que creo que para ser una estrella del rock hace falta una dura disciplina que yo no poseo. Creo que Madonna es maravillosa, pero no creo que estemos en el mismo negocio”.

Con más de treinta años de carrera y más de treinta millones de álbumes vendidos a pesar de haber ocupado relativamente pocas veces los primeros puestos de las listas de ventas, y limitar su fama casi exclusivamente al continente europeo, Chris Rea es uno de los músicos británicos con una de las trayectorias musicales más estables de su generación, gracias a una sólida base de fans, aunque divididos entre aquéllos que prefieren la vertiente pop de sus primeros trabajos y los partidarios de su evolución hacia el blues. En general, la mayoría de sus trabajos ha recibido valoraciones positivas a lo largo de los años, aunque es opinión generalizada entre sus seguidores que las obras de Rea han sido habitual e injustamente minusvaloradas por los críticos musicales.

Por otra parte, las críticas negativas se centran en los aspectos musicales más resaltados por las radiofórmulas y las discográficas: su vertiente de pop melódico peyorativamente destinado a un público de edad madura (conocido en el mundo anglosajón como música MOR) ignorando por completo el resto de su producción. Un ejemplo de dicho desconocimiento fueron las declaraciones de los miembros del grupo Metronomy que, aún admitiendo la influencia de bandas veteranas como Steely Dan o Fleetwood Mac, afirmaron que jamás caerían tan bajo como Chris Rea, para luego reconocer que sólo habían escuchado Driving home for Christmas y otro tema en su versión dance. Otro ejemplo es el artículo de la enóloga Victoria Moore, en el que opina que el nombre de cierta marca de vinos parece haber sido ideado por “un grupo de hombres de mediana edad camino de un concierto de Chris Rea”.

Otra de las críticas que suele recibir Rea es la similitud de sonido de algunas de sus composiciones con las de Mark Knopfler, especialmente las pertenecientes a la etapa de Dire Straits, lo que ha dado origen a sátiras como la que afirma que una hipotética unión de la antigua banda del músico escocés con Chris Rea debería llamarse Dire Rea (que en inglés se pronuncia igual que el término equivalente a “diarrea”). Al inglés se le ha llegado a acusar de haber tomado de Knopfler la mitad de su carrera. Chris Rea, admirador del escocés a quien calificó de técnico de la guitarra, llegó a afirmar que su estilo no tiene nada que ver con el de Knopfler, aunque reconoció que durante la década de 1980 las diferencias entre ambos fueron a veces algo difusas.

Chris Rea ha colaborado, mediante su voz y/o su guitarra, con Beverley Skeete, Bill Wyman, Charlie Watts, David Knopfler, Deacon Blue, Elton John, Javier Vargas, John Mayall, Patricia Kaas, Snowy White y Tom Robinson, entre otros músicos.

Fuentes: https://es.wikipedia.org, https://en.wikipedia.org, http://www.sing365.com, https://www.last.fm, https://www.todomusica.org, https://musicianguide.com, https://www.buscabiografias.com, https://www.oldies.com, https://ricerca.repubblica.it, https://www.mgtradio.net, https://www.allmusic.com, https://www.rockol.it, https://www.elmundo.es, https://www.audiokat.com, https://www.rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

Whatever happened to Benny Santini?, The closer you get, Because of you, Dancing with Charlie, Fool (if you think it's over), Just one of those days, Standing in your doorway (Whatever happened to Benny Santini?)

Twisted wheel, The things lovers should do, Raincoat and a rose, Deltics, Diamonds, Seabird (Deltics)

Tennis, Sweet kiss, Since I don't see you anymore, Dancing girls, No work today, Every time I see you smile, Stick it (Tennis)

Loving you, If you choose to go, Guitar street, Do you still dream?, Every beat of my heart, Just want to be with you, Runaway (Chris Rea)

Nothing's happening by the sea, Deep water, Candles, Love's strange ways, Let it loose, I can hear your heartbeat, Hey you, Out of the darkness (Water sign)

Bombollini, Touché d'amour, Shine shine shine, Wired to the moon, I don't know what it is but I love it, Ace of hearts, Winning (Wired to the Moon)

Steel river, Stainsby girls, Chisel Hill, Josephine, All summer long, Stone, Shamrock diaries, Love turns to lies (Shamrock diaries)

On the beach, Little blonde plaits, Giverny, It's all gone, Hello friend, Two roads, Auf immer und ewig (On the beach)

Joys of Christmas, I can't dance to that, Windy town, Curse of the traveller, Qué será, Loving you again, September blue (Dancing with strangers)

Working on it, Driving home for Christmas (New light through old windows)

The road to hell Part 2, You must be evil, Texas, Looking for a rainbow, Your warm and tender love, Daytona, That's what they always say, I just wanna be with you, Tell me there's a heaven (The road to hell)

Auberge, Gone fishing, Heaven, Set me free, Winter song, Sing a song of love to me, Looking for the summer, And you my love (Auberge)

Nothing to fear, God's great banana skin, Too much pride, Boom boom, I ain't the fool, There she goes, Soft top, hard shoulder (God's great banana skin)

Espresso logic, Red, Johnny needs a fast car, Between the devil and the deep blue sea, Julia, She closed her eyes (Espresso logic)

You can go your own way, If you were with me (with Elton John), Three little green candles (The best of Chris Rea)

La Passione (film theme), Dov'è iI signore?, Shirley do you own a Ferrari?, Girls in a sports car, When the grey skies turn to blue, Only to fly, You must follow, Disco' La Passione (La Passione OST)

Square Peg, Round Hole, Miss your kiss, Shadows of the big man, Thinking of you, As long as I have your love, Sweet summer day, The Blue Café (The Blue Café)

Can't get through, Good morning, E, Keep on dancing, New Times Square, The way you look tonight (The road to hell: Part 2)

King of the beach, All summer long, Still beautiful, The bones of angels, Who do you love?, The memory of a good friend, God gave me an angel (King of the beach)

Saudade, Pt. 1 and Pt. 2 (The very best of Chris Rea)

Easy rider, Stony Road, Dancing the blues away, Burning feet, Heading for the city, Someday my peace will come, The hustler, Got to be moving on, Changing times, Give that girl a diamond (Dancing down the Stony Road)

Blue miles, Blue street (Five guitars), Big C big sea, Heading for the city, 1st snow Mingus, Piano break, Are you ready? (Blue street -Five guitars)

Expectations, Hofner Blue Notes, What became, Detroit, Take the Mingus train (Hofner Blue Notes)

The beat goes on, Long is the time, hard is the road, Steel river blues, What kind of love is this, Baby don't cry, Speed (The blue jukebox)

Cry for home, Where the blues come from, Work gang, Praise the Lord, Sing out the devil (Blue guitars I -Beginning)

Man gone missing, Catwalk woman, If you've got a friend, Steam train blues, Somewhere between the stars (Blue guitars II -Country blues)

You got Dixie, One night with you, Talkin' bout New Orleans, Catfish girl, Only a fool plays by the rules, Baby come home (Blue guitars III -Louisiana & New Orleans)

Electric guitar, All night long, What I'm looking for, Rules of love, Hobo love blues, The soul of my father's shadow (Blue guitars IV -Electric Memphis blues)

Texas blue, Lone star boogie, The american way, Angellina, Weekend down Mexico, Too big city, Houston angel (Blue guitars V -Texas blues)

I'm moving up (Chicago blues), Maxwell Street, Jazzy blue, That's the way it goes, All night long, Since you've been gone, Here she come now (Blue guitars VI -Chicago blues)

Last call (Blues ballads), Deep winter blues, If I ever get over you, I love the rain, My soul crying out for you, My deep blue ways (Blue guitars VII -Blues ballads)

Break another piece of love, Ball and chain, Come change my world, Call on me, Just in case you never knew, I'll be there for you, Are you ready? (Blue guitars VIII -Gospel soul blues & Motown)

Celtic blue, Too far from home, 'Til the morning sun shines on my love and me, Lucky day, 'Til I find my true love's name, Big white door (Blue guitars IX -Celtic & Irish blues)

Hey gringo (Latin blues), Immigration blues, Still trying to clear my name, Screw you and your deep blue sea, Sometimes, Lampiou, Keep on dancing, How I know it's you (Blue guitars X -Latin blues)

My baby told me (blues), Got to be moving, Cool cool blue, Clarkson blues, Never tie me down, Mindless, Nobody but you (Blue guitars XI -'60s and '70s)

Somewhere between highway 61 & 49 (The road to hell and back)

BB was a comanche, The power of love, Race fever blues, I can't wait for love, Legacy blues, The shadow of a fool, I'll be with you, Twister inside, Because it's you, Meet me on the mountain, Which part of the painting made you cry? (The return of the Fabulous Hofner Bluenotes)

Come so far, yet still so far to go, Valentino (Still so far to go –The best of Chris Rea)

Dancing my blues away, The chance of love, The last open road, Electric guitar, Money, The way she moves, Dance with me all night long (Santo Spirito blues)

Happy on the road, Nothing left behind, Road songs for lovers, Money, Two lost souls, Last train, Angel of love (Road songs for lovers)

Do you still dream?, One fine day, One sweet and tender touch, If I ever break free (One fine day)

Midnight love, Cleveland calling, Urban samurai, From love to love, True love (Era 1: 1978–1984)

So much love, Your love is setting me free (with Watermen) (Otros singles)

Vídeos:

Fool (if you think it's over), de su primer álbum Whatever happened to Benny Santini?:

Fool (if you think it's over) - Chris Rea


Diamonds, del álbum Deltics:

Diamonds - Chris Rea


Tennis, del álbum Tennis:

Tennis - Chris Rea


Loving you, del álbum Chris Rea:

Loving you - Chris Rea


I can hear your heartbeat y Let it loose, del álbum Water sign:

I can hear your heartbeat - Chris Rea


Let it loose - Chris Rea


Wired to the Moon y I don't know what it is but I love it, del álbum Wired to the Moon:

Wired to the Moon - Chris Rea


I don't know what it is but I love it - Chris Rea


Josephine, del álbum Shamrock diaries:

Josephine - Chris Rea


On the beach, del álbum On the beach:

On the beach - Chris Rea


Loving you again y Let's dance, del álbum Dancing with strangers:

Loving you again - Chris Rea


Let's dance - Chris Rea


Driving home for Christmas, del álbum New light through old windows:

Driving home for Christmas - Chris Rea


The road to hell part 2 y Texas, del álbum The road to hell:

The road to hell part 2 - Chris Rea


Texas - Chris Rea


Auberge, Winter song y Looking for the summer, del álbum Auberge:

Auberge - Chris Rea


Winter song - Chris Rea


Looking for the summer - Chris Rea


Nothing to fear, del álbum God's great banana skin:

Nothing to fear - Chris Rea


Julia, del álbum Espresso logic:

Julia - Chris Rea


Only to fly, de la banda sonora de la película La Passione:

Only to fly - Chris Rea


Square Peg, Round Hole, del álbum The blue café:

Square Peg, Round Hole - Chris Rea


New times square, del álbum The road to hell: Part 2

New times square - Chris Rea


All summer long, del álbum King of the beach:

All summer long - Chris Rea


Saudade, Pt. 1 and Pt. 2, canción homenaje a Ayrton Senna que figura en el álbum recopilatorio The very best of Chris Rea:

Saudade, Pt. 1 and Pt. 2 - Chris Rea


Blue street, del álbum Blue street (Five guitars):

Blue street (Five guitars) - Chris Rea


Come so far, yet still so far to go, single que aparece en el álbum recopilatorio Still so far to go (The best of Chris Rea):

Come so far, yet still so far to go - Chris Rea


Road songs for lovers, del álbum Road songs for lovers:

Road songs for lovers - Chris Rea